Техника японского рисунка: Арт-терапия с помощью японской живописи Суми-э

Арт-терапия с помощью японской живописи Суми-э

Суми-э — древняя японская техника рисования тушью и минеральными красками на рисовой бумаге. Это живопись, самовыражение и философия одновременно, а значит прекрасно подходит для тех людей, которые интересуются не только и не столько рисованием, сколько саморазвитием и арт-терапией.

Исторически суми-э зародилось в Китае, и только в XIV веке было принесено в Японию буддийскими монахами. Название «суми-э» создано из сочетания двух японских слов: «суми» (тушь) и «э» (живопись). Это древнее традиционное искусство близко к современной акварельной живописи. Отличие суми-э в том, что для рисования художники, как правило, используют только черный цвет, создавая широкую гамму серых оттенков туши, растворяя её в воде в разных пропорциях. Так было принято изначально, однако, со временем японские художники стали писать цветными минеральными красками, которые, проникая в рисовую бумагу, закрепляются на ней подобно туши.

Для рисования необходимы чёрная тушь и кисти для каллиграфии, рисовая бумага и немного воды. В суми-э не делают карандашных набросков, рисунок рождается спонтанно, когда рукой мастера руководят его чувства, ощущения и дух. Композиция и фигуры складываются из отдельных мазков. В задачу художника не входит фотографически точное воспроизведение действительности. В отличие от Западной манеры живописи для суми-э более важны техника рисования мазков и умение создать гармоничную композицию, отбросив все второстепенное и представив только суть вещей. Говорят, что в традиционных японских школах суми-э учащиеся первый год рисуют только отдельные мазки, и лишь после этого их допускают к созданию рисунков.

Прекрасные и изящные рисунки кажутся лишь делом техники, однако при их создании гораздо более важен философский смысл или так называемый «дух суми-э». В буддизме изобразительное искусство использовалось в качестве духовной практики. Не только процесс рисования, но и картины в технике суми-э подходят для медитации. Нанесенные на белую бумагу простые черные линии отвечают духу дзен, когда несколько произнесенных слов могут быть результатом многих лет душевных поисков.

Художник не стремится заполнить весь лист бумаги. Само изображение отличается лёгкостью и изяществом. Рисунок будто дышит и живёт своей жизнью. Мастер суми-э нарочно не прорисовывает картину полностью, оставляя кое-что за кадром. Это подарок зрителю, воображение которого откликается на лёгкие штрихи и начинает самостоятельно «дорисовывать» картину. В Японии говорят, что уметь рисовать — это искусство, но не меньшее искусство — уметь любоваться готовым рисунком.

Я сама более двух лет обучалась суми-э и готова подтвердить ценность этого вида искусства для психологической работы. Вот лишь немногое из того, что я подметила:

• Поначалу участники группы стремятся использовать исключительно чёрную тушь, но со временем арт-терапия способствует тому, что монохромных изображений почти не остаётся. Уже к концу второго года обучения все рисунки участников, как на подбор, были цветные. Новоявленные художники жаждали выразить себя с помощью ярких красок. Творчество сняло депрессивное настроение и дало дорогу разноцветным чувствам, ощущениям, проявлениям.
• Занятия японской живописью прекрасно прорабатывается страх совершить ошибку. Работая в стиле суми-э, приходится забыть о предварительных набросках. Если тушь ляжет на лист не так, как вам хотелось бы, то ничего уже изменить не получится, пигмент мгновенно проникает в бумагу и закрепляется намертво. Зато после нескольких месяцев тренировок, страх совершить ошибку отступает, как и стремление всё контролировать. Конечно, такие изменения касаются не того, как человек рисует, но и как ведёт себя изо дня в день. Появляется новое отношение к жизни, большая лёгкость и смелость в проявлениях. Так что рекомендую суми-э тем, кто работает с проблемой внутреннего сверх-контроля.
• Рисование помогает заметить, что каждый художник имеет свой стиль, свою манеру рисования, у каждого появляются излюбленные образы, композиции и материалы. Работу одного мастера никогда не спутаешь с работой другого. На бумаге со всей ясностью проступает индивидуальность человека, тот неуловимый аромат души, который так тяжело описать словами. Занятия суми-э способствуют осознанию и принятию различий между людьми, а также ощущение нашего внутреннего сходства. Это чрезвычайно важный опыт в процессе самопознания и саморазвития.
• Творчество самоценно. К этой мысли приходишь, когда после двух часов рисования, поднимаешься из-за стола, ощущая внутреннее спокойствие и гармонию. В этом проявляется целительное влияние медитации и творчества на человеческую душу.
• Просыпается наблюдательность и ощущение соединенности внутреннего и внешнего миров. Если вы решили рисовать, то в поисках вдохновения, начнёте обращать внимание на всё, что окружает вас, на сезонную смену природы, малейшие проявления красоты там, где раньше вы бы прошли мимо, ничего не заметив.
• Развивается спонтанность. Тушь растекается так, что никогда не знаешь, что получится в итоге. Особенно это характерно для новичков. Однако со временем начинаешь привыкать, что изначальная задумка в реальности воплощается иначе, и при этом не факт, что хуже. Возможно даже лучше, чем предполагалось. Весьма ценная мысль для жизни, не так ли?

В заключении хочу отметить, что в настоящее время суми-э становится всё более популярным видом искусства в России. В мегаполисах вы без труда сможете найти одну или даже несколько студий, занимающихся этим прекрасным видом творчества, а материалы для рисования можно заказывать в интернет-магазинах.

Желаю вам успехов и творческих свершений!

Суйбокуга (кит. шуймохуа, дословно «картина водой и тушью» или «живопись водой и тушью») – монохромная живопись тушью; картины, нарисованные чёрной тушью в тёмных и светлых оттенках на шёлке или бумаге. История развития суйбокуга.

Суйбокуга (水墨画, кит. шуймохуа, дословно «картина водой и тушью») – монохромная живопись тушью; картины, нарисованные чёрной тушью в тёмных и светлых оттенках на шёлке или бумаге. В Японии также известны другие названия — «бокуга» (墨画) или более разговорное «суми-э» (墨絵).

Сердце — что это
за штука такая?!
Как изъяснить?!
Написанный на суми-э
шум ветра в соснах. ..
Иккю Содзюн

В отличие от цветных картин, сайсикига (彩色画), и живописи в стиле хакубё (白描), суйбокуга использует градации чёрной туши для создания чувства света и тени, а также модулированные мазки кисти и линии для создания ощущения объёма и ритма.

ПейзажСэссю Тойо. «Пейзаж»

Суйбокуга имеет много общих черт с каллиграфией: это по существу монохромная композиция. Она обычно рисуется похожими кистями и ценится за такие качества, которыми восхищаются в каллиграфии, как твёрдость и упругость линий, экономичность мазков и туши, а также выразительность. Разделение каллиграфии на три стиля: формальный — Кай 楷, или Син (真), бегущий — Гё (行) и скорописный — Со (草), также применялось к суйбокуга.

Разговор Рыбака и ДровосекаСэссю Тойо. «Разговор Рыбака и Дровосека»

Родиной суйбокуга является Китай, хотя история её возникновения до конца не ясна. Из Китая этот стиль живописи попал позднее в Корею и Японию. С момента своего зарождения в китайской живописи преобладала линейность, но уже во времена династии Хань китайские художники начали исследовать и раскрывать объёмный и выразительный потенциал линий туши. Однако только с конца 7-го по начало 8-го века монохромная живопись тушью начала освобождаться от функции контура в полихромной живописи и превращаться в самостоятельный стиль живописи.

Птица и бамбукСэссю Тойо. «Птица и бамбук»

Применение одной лишь чёрной туши придавало суйбокуга видовые черты литературы. Положение о том, что полнота красок сама по себе не создает цельноистинное впечатление жизни, содержится еще в «Дао-дэ-Цзин»: «Пять цветов притупляют зрение» (§ 12). Применительно к искусству это впервые было высказано Чжан Яньюанем (815—875): «Можно сказать, что тот достиг своей цели, кто сумел написать картину так, чтобы в ней чувствовались все пять цветов, при помощи одной лишь чёрной туши. Но если сознание будет подвержено лишь пяти краскам, то тогда образы вещей будут неверными». Возможно, несколько ранее это было высказано Ван Вэем: «Среди путей живописца тушь простая превыше всего»

1.

Заснеженный пейзаж с рекойВан Вэй. «Заснеженный пейзаж с рекой»

У Даоцзы (呉道子; начало 8 века) считается одним из самых ранних мастеров живописи тушью. Как говорят, в его работах каждая линия была наполнена жизненной силой и выразительностью. Однако большинство из приписываемых ему монохромных картин, сохранившихся до нашего времени (в т.ч. в копиях), выполнены в стиле хакубё.

Шакьямуни | КонфуцийУ Даоцзы. «Будда Шакьямуни» (слева)
«Конфуций» (справа)

В то время как У Даоцзы прославился своей портретной живописью, его более молодой современник Ван Вэй (王維; ок. 699 — ок.759), увековечил своё имя живописными пейзажами. Своим творчеством Ван Вэй доказал, что пейзажная живопись тушью способна быть средством личного самовыражения. Тем самым он подготовил почву для дальнейшего расцвета пейзажной живописи, которая по праву считается самой славной страницей в истории всей китайской живописи. Особенностью творчества Ван Вэя является стремление к передаче воздушного пространства путем живописной нюансировки, созданной размывами черной туши. По некоторым сведениям Ван Вэй впервые использовал технику хабоку (破墨, «ломанная тушь»), чтобы придать ощущение объёма и текстуры пейзажным формам.

К сожалению, пейзажи Ван Вэя дошли до нас лишь в поздних копиях, весьма приблизительно передающих его подлинную живопись.

Прояснение после снегопадаВан Вэй. «Прояснение после снегопада». Фрагмент свитка
Живопись на шелке. 8 век. Копия периода Мин

Большое количество легенд, окружающих У Даоцзы и Ван Вэя, не позволяет составить реальное представление об их творчестве, хотя сохранившиеся картины и росписи 8-го века в субхраме Сёсо-ин (正倉院) храма Тодай-дзи (東大東) в городе Нара указывают на мастерство китайских художников в передаче динамичных и пластичных форм с помощью одной только туши. Известный пример — росписи ширмы в стиле хакубё «Дамы с птичьими перьями» (鳥毛立女図, «Торигерюдзё-но-дзу»), которая сохранилась до наших дней, разобранная на шесть отдельных панелей. Это самый ранний и наиболее ценный из сохранившихся в Японии образцов росписей на ширмах (бёобу-э).

Ширма из храма Сёсо-инШирма из субхрама Сёсо-ин
8 век

Ван Мо (王墨; ? – после 804 г.), ещё один китайский художник, обычно упоминается в связи с происхождением другой техники суйбокуга – хацубоку (溌墨, «разбрызганная тушь»).

Художник разбрызгивал тушь с кисти или другого инструмента или давал туши как бы свободно стекать с кисти на бумагу, заботясь лишь об общей выразительности, чтобы создать мягкий, рассеянный эффект, без четко определенных контурных линий или явных деталей.

Пейзаж хабокуСэссю Тойо. «Пейзаж хабоку»

Оригинальные (китайские) названия обеих техник («ломанная тушь» и «разбрызганная тушь») произносятся одинаково – «помо» (хотя записываются разными иероглифами и имеют разный смысл). Из-за этого эти два термина часто путают друг с другом.

Роскошный лес среди отдаленных пиковЛи Чэн. «Роскошный лес среди отдаленных пиков» (фрагмент)

Ранний период развития китайской живописи тушью, образцы которой попадали в Корею и Японию, приходится на период династии Тан. В начале периода династии Северная Сун китайская живопись достигла новых высот в монументальных монохромных пейзажах таких художников, как Цзин Хао (荊浩; творческий период: около 870-930), Ли Чэн (李成 ; 919-967), Фань Куань (范寛 ; ок.

960-ок.1030), и Дун Юань (董源; творческий период: 937-976).

Холодный лес в заснеженной равнинеФань Куань. «Холодный лес в заснеженной равнине»

Чуть позже, в 11-ом веке, группа литераторов-художников, в том числе Су Дунпо (蘇東坡, 1036-1101) и Ми Фу (米ふつ, 1052-1107), превратили суйбокуга в идеализированное искусство, полагая, что живопись, как и поэзия, — прекрасный способ для благородных мужей выразить свои возвышенные мысли и чувства.

Дерево и скалаСу Дунпо (Су Ши). «Дерево и скала»

В конце 12-го – середине 13-го века получило развитие ещё одно, стоящее особняком от Академии, направление живописи в стиле суйбокуга. Представителями этого направления были чаньские монахи. Наиболее известные из них – Му Ци, Лян Кай и Жофэнь Юйцзянь.

Развитие суйбокуга при династии Сун вышло за национальные рамки и оказало заметное влияние на корейских и японских художников в 12-х и 13-х веках.

Историю японской суйбокуга условно делят на четыре этапа развития. Первый этап длился с середины 13 века до конца 14 века. Именно в этот период живопись тушью проникла в Японию, благодаря прибывавшим из Китая дзенским монахам. Своё дальнейшее развитие и феноменальный всплеск популярности к концу периода Камакура суйбокуга получила именно в этой, сравнительно молодой, буддийской школе: в дзенских монастырях (в основном системы «годзан»).

Кандзан и ДзиттокуКао Нинга. Начало 14-го века
«Портрет Кандзана» (слева)
«Портрет Дзиттоку» (справа)

Для первых монахов-художников, работавших в этом стиле, суйбокуга была частью дзенской практики, а основным жанром их живописи тушью была даосско-буддийская портретная живопись, досякуга (道釈画). Самые известные представители ранних дзенрин-га-со – Мокуан Рэйэн (黙庵霊淵, ? – 1343/1345) и Као Нинга (可翁仁賀, 14 век). Они использовали в своём творчестве технику «

гэнпицу» (減筆, сокращённое рисование кистью), создавая эскизы, непосредственность исполнения которых отражает веру школы Дзен в спонтанное духовное просветление. Но этот стиль сосуществовал с другим художественным стилем, который представляли Такума Эйга (宅磨栄賀, начало 14 века) и Рёдзен (良全, середина 14 века). Работая в том же жанре (досякуга), они стремились к созданию тщательно проработанных изображений.

ХотейМокуан Рэйен. «Хотей»

На втором этапе, с конца 14 века до середины 15 века, наметилась тенденция к жанровой специализации и постепенной секуляризации суйбокуга. Известный японский художник Китидзан Минтё (吉山明兆, 1352-1431) и его последователи основали и развивали в Тофуку-дзи (東福寺) влиятельную студию живописи, специализирующуюся на создании даосско-буддийских картин, в том числе в стиле суйбокуга. Созданная Минтё студия стала ведущей студией, работающей в жанре

досякуга, и была широко известна по всей Японии. В то же время Китидзану Минтё принадлежит одна из первых картин в жанре сансуйга — «Хижина в горном ущелье, 書斎図» (1413 год). Помимо прочего эта картина оформлена в виде «сигадзику» (свиток живописи и поэзии), особой формы вертикального свитка, вошедшей в моду в конце 14 — первой половине 15 века.

Хижина в горном ущельеКитидзан Минтё. «Хижина в горном ущелье»

Китайская культура оказала большое влияние и на другие области искусства, о чём свидетельствуют стихи в китайском стиле, помещавшиеся на «сигадзику». Монахи-художники писали абстрактные пейзажи и «сёсай» (書斎, «этюды») в китайском стиле, а представители

годзан-бунгаку, как правило высокопоставленные монахи из монастырей системы «годзан», сопровождали картины своими поэтическими комментариями на китайском языке.

Ловля сома с помощью тыквыДзёсэцу
«Ловля сома с помощью тыквы-горлянки»

В другом важном дзенском монастыре системы годзан, Сёкоку-дзи (相国寺), с начала 15 века открылась Художественная Академия при сёгунате Асикага. Её возглавлял Дзёсэцу Тайко (如拙), выходец из Китая, основатель новой школы живописи, работавший в стиле академических художников Южной Сун Ма Юаня (馬遠 ; около 1190-1264) и Ся Гуя (夏珪; начало 13 в.). Позднее Тэнсё Сюбун (周文), ученик и преемник Тайко Дзёсэцу на посту главы Художественной Академии в Сёкоку-дзи, продолжил дело своего учителя и полностью ассимилировал в японскую суйбокуга стили Ма Юаня и Ся Гуя. Сюбуну приписывается большое количество работ в жанре сансуйга, предмет которых никак не был связан с буддийской тематикой.

Во многом благодаря Сюбуну в период Муромати суйбокуга стала излюбленным художественным стилем.

Чтение в одинокой хижине в бамбуковой рощеСюбун Тэнсё.
«Чтение в одинокой хижине в бамбуковой роще»

Третий этап в развитии суйбокуга приходится на вторую половину 15 в. На этом этапе ученик Сюбуна Сэссю Тойо (雪舟等楊, 1420-1506), как считается, полностью интегрировал китайские стили живописи тушью в японскую суйбокуга. Сэссю создал мощную уникальную манеру живописи, которая оказала большое влияние на более поздних художников. Одной из техник, которой Сэссю обучился в Китае, изучая творчество Жофэнь Юйцзяня и Му Ци, и которую первым привнёс в японскую суйбокуга, была техника хацубоку. Самой известной картиной, в которой Сэссю применил эту технику, является «Пейзаж в технике хабоку, 破墨山水図» (1495 г., Токийский Национальный музей).

Пейзаж в стиле хабокуСэссю Тойо. «Пейзаж в стиле хабоку». 1495

На третьем этапе развития суйбокуга возникло несколько художественных школ. Эти школы, как правило, были связаны с дзенскими монастырями, но не обязательно состояли только из монахов-художников. Основателями этих школ стали Сэссю Тойо, Ноами (能阿弥, 1397-1471), Сога Дзясоку (曾我蛇足, середина-конец 15 века) и Огури Сотан (小栗宗湛, 1413-1481), преемник Тэнсё Сюбуна на должности официального художника сёгуната Асикага. Каждая из этих школ создала своеобразную манеру живописи тушью.

Весенний пейзажОгури Сотан. «Весенний пейзаж»

В конце 15 века должность гойо-эси (официального художника сёгуната) впервые получил не представитель дзенских художников-монахов из школы Дзёсэцу, а светский художник-профессионал Кано Масанобу (1434-1530). В дальнейшем это стало традицией: должности официальных художников сёгуната занимали выходцы из самурайского сословия, все — представители школы Кано (狩野派), а сама школа получила финансовую поддержку со стороны сёгуната.

ПейзажиКано Масанобу. Пейзажи

Этот период, конец 15-го – начало 16-го веков, принято считать четвертым этапом развития суйбокуга. В этот последний период живопись тушью приобрела черты светскости и декоративности, что олицетворялось искусством Кано Мотонобу (狩野元信, 1476-1559), который прославился своим мастерским синтезом «ямато-э» (やまと絵, живопись в национальном японском стиле) и «кара-э» (唐絵, живопись в китайском стиле). Этот стиль получил название «канга» и стал фирменным стилем школы Кано.

Патриархи ДзенКано Мотонобу. «Патриархи Дзен»

До этого момента живопись тушью, как правило, ограничивалась небольшими форматами, создавалась на вертикальных висячих свитках (какэмоно) или горизонтальных свитках. На заключительном этапе своего развития суйбокуга стала монументальной, в связи с ростом популярности росписей на стенных панелях, раздвижных перегородках (фусума-э) и многостворчатых ширмах (бёбу-э) в монастырях, замках высокородных даймё и жилищах богатых купцов. Эти крупномасштабные картины создавались как в стиле суйбокуга (монохромной тушью), так и яркими и многоцветными, в стиле кинпэки, или же сочетали в себе оба стиля.

Пейзаж в лунном светеСэссон Сюкэй. «Пейзаж в лунном свете»
Техника хацубоку ПейзажКано Эйтоку. «Пейзаж»

Стремление к монументальности и декоративности в живописи достигло кульминации в период Момоямы и связано с именами Кано Эйтоку (狩野永徳, 1543 — 90), который рисовал драматические картины тушью широкой и грубой кистью; Хасэгава Тохаку (長谷川等伯, 1539-1610), который с лирической порывом передавал красоту и чистоту природы в своих картинах тушью; и Кайхо Юсё (海北友松, 1533-1615), который сочетал суйбокуга с золотым фоном.

Горный пейзажКайхо Юсё. «Горный пейзаж». 1602 г.

В ранний период Эдо школу Кано официально возглавил Кано Танъю (狩野探幽, 1602-74), продолжив её славные традиции. Его элегантный стиль живописи тушью оказал сильное влияние на художников 17 века.

Учёный муж, созерцающий озероКано Танъю. «Учёный муж, созерцающий озеро»

Ещё одним крупным художником, активно работавшим в начале периода Эдо, был Таварая Сотацу (俵屋 宗達, 1570? – 1640), который в своей живописи тушью создавал богатые и утончённые эффекты, используя технику «тарасикоми» (溜込). Основанная им школа живописи известна как «Ринпа» (琳派).

Дракон в облакахТаварая Сотацу. «Дракон в облаках»

Позднее, в период Эдо, Маруяма Окё (円山応挙, 1733-95) и его ученик Нагасава Росэцу (長沢蘆雪, 1754-99) добивались реалистических эффектов объёма и трёхмерности с помощью техник живописи тушью, в т.ч. «цукетатэ» (付立).

Летняя ночь | Зимний деньМаруяма Окё. «Летняя ночь»
Маруяма Окё. «Зимний день»

Икэ-но Тайга (池大雅, 1723-76), Ёса Бусон (与謝蕪村, 1716-84) и Урагами Гёкудо (浦上玉堂, 1745-1820) изучали мягкий и гибкий «литературный» стиль живописи тушью Южного Китая, известный как бундзинга (文人画) или нанга (南画), и использовали его в своем репертуаре.

Вороны и коршунЁса Бусон. «Вороны и коршун»

Ито Дзякутю (伊藤若冲, 1716-1800) и Сога Сёхаку (曽我蕭白, 1730-81) часто писали картины тушью в самобытной, выразительной манере. Художники, работавшие в стиле нихонга (日本画), адаптировали традиционные черты суйбокуга, создав тем самым новую манеру живописи.

Художники-абстракционисты 20-х годов также опирались на технику суйбокуги.

¹ Штейнер Е.С. Дзэн-жизнь: Иккю и окрестности. стр. 179

Японская живопись Суми-э | Клуб восточной культуры «Две империи»

Чтобы в полной мере понять и оценить Суми-э, надо немножко познакомиться с этим необычным для нас восточным искусством.
Суми-э это вдохновение и индивидуальность мастера. Это чувствительная рисовая бумага, на которой раскованным танцем нежная кисть, вобравшая в себя чернила, оставляет настроение художника и частичку его самого.

Здесь недопустима никакая медлительность. Картина пишется без эскизов, набросков и исправлений – одним порывом души. Кисть держится очень нежно, что позволяет ей легко скользить по бумаге.

Даже монохромные работы в стиле суми-э вызывают ощущение присутствия полной палитры красок.
Такая отзывчивость и согласованность кисти, чернил и бумаги неизвестна в западном искусстве. Западные техники кажутся вялыми и инертными по сравнению с волшебством японской живописи суми-э.

Немного истории

Свои корни суми-э берет в Китае, там оно зародилось и благодаря миссионерству буддийских монахов.

Японское название «суми-э» состоит из двух слов: тушь («суми») и живопись («э»).

Изначально Суми-э, как и стиль китайской живописи Се-и была монохромной и писалась лишь при помощи туши, но со временем японские мастера начали использовать цветные минеральные краски.

Живопись суми-э сегодня

Живопись Суми-э давно уже перешагнула границы Японии и разбросала зернышки по всему миру, ростки которых не замедлили взойти и превратиться в крепкие деревца, в частности России. В Москве сегодня существуют школы живописи Суми-э, одна из них находится в клубе «Две империи», собственно, на страницах сайта, которого вы сейчас и находитесь.

Что вам нужно, чтобы начать?

Ученик суми-э должен распознавать различные типы кистей и знать то, как они устроены. Если вы приобретете недорогие кисти ширпотреба, в ближайшем магазине канцтоваров, вас ждет большое разочарование, потому что кисть будет вести себя не так, как ожидалось. А разочарованный человек со временем отказывается от учебы. По этой причине даже новичок должен начать свое знакомство с удивительным миром суми-э используя качественную, пускай и дорогую кисть. Такие инвестиции в дальнейшем себя оправдают. Тем более, что хорошая, профессиональная кисть прослужит вам верой и правдой долгие полные вдохновения творческие годы.

Настоящие профессиональные кисти для японской живописи изготавливаются из натурального ворса: зайца, колонка, медведя, барсука, козла и так далее. Натуральные кисти хорошо впитывают и удерживают тушь.

Для каждого стиля живописи и каллиграфии подходят определенные кисти, их насчитывается более двухсот; часто они маркируются, чтобы было понятно, для чего именно предназначена та или иная кисть.

Также кисти различаются также по размеру, жесткости и длине ворса. Для каждого вида работ можно использовать свои кисти, например, для изображения цветов, животных и листьев используют мягкие кисти, изготовленные из шерсти козы или овцы, а иногда из меха кролика. А вот для прорисовки мелких деталей в стиле гунби, лучше купить кисти пожестче — из волос лошадей, медведей и барсуков.
В своем арсенале художник должен иметь разные кисти.

Как ухаживать за вашей кисточкой

Ну вот, наконец-то потратив кучу времени выбирая кисть, вы не пожадничали и купили-таки дорогущий инструмент. И тут перед вами встает законный вопрос, а как же сделать так чтобы кисть прослужила нам долгие годы.

Так вот запомните простые правила. Каждый раз, после того как вы написали свой очередной шедевр, тщательно промойте свою кисть от чернил. Никогда не используйте горячую воду. Щетинки кистей обычно склеены клеем животного происхождения, в котором есть желатин, который в свою очередь, не сразу, конечно, но постепенно может растворяться в воде. Если кисть для суми-э оставить в воде на некоторое время, то щетинки могут выпадать.

Особое внимание необходимо уделить мытью основания щетинок, иначе тушь высохнет вокруг волосков и ворсинки будут растопыриваться, кисть не будет образовывать острый кончик.

При сушке кисти необходимо держать в подвешенном состоянии до полного высыхания, и только затем при необходимости надевать колпачок для транспортировки во избежание деформации пучка.

Какую использовать бумагу для японской живописи

Традиционная бумага для японской живописи Васи (和紙,hé zhǐ) — производится из волокон коры кодзо, мицумата и гампи. Процесс производства длительный и сложный, но и бумага получается прочной, долговечной и красивой. Для нее характерна неровная структура и белый цвет. Такая бумага считается лучшей для каллиграфии и живописи.

Как выбрать чернила для суми-э

По консистенции тушь бывает жидкой (готовый раствор во флаконе) и сухой (в брикетах). Многие художники используют готовую жидкую тушь, так проще, но при выполнении рисунка сухой тушью легче получить желаемый оттенок.
Да и есть в этом определенное таинство, когда растираешь сухую тушь в тушечнице и вдыхаешь тончайший аромат свежей туши.

Более подробно про тушь можно почитать в статье «Тушь, секреты и полезные мелочи».

С чего начать

Чтобы научиться наносить характерные мазки для японской живописи, надо научиться правильно держать кисть.

Учимся держать кисть вертикально, перпендикулярно бумаге. Для этого надо взять кисть за ручку по середине, большим пальцем с одной стороны и указательным и средним пальцами с другой, поддерживая безымянным пальцем, слегка нажимая на него мизинцем.
В процессе рисования, чтобы регулировать ширину штриха, кисть можно наклонять под разными углами вплоть до того момента, когда кисть становить почти параллельно бумаге.

Что дальше

Ну вот, вы научились держать кисть, наносить на бумагу разные штрихи. Пришла пора испытать себя в деле.

Относительно легкий предмет для начинающих изучать суми-э это стебли и листья бамбука. Сложность заключается в том, что большинство из нас никогда не видели растение бамбук в природе, а тем более растущего в роще.

Но надо помнить, что ваше творение в данном стиле не предназначено для детального изучения бамбука. Суми-э это прежде всего живопись идеи.

Если вас заинтересовала такая загадочная японская живопись суми-э, если вы тонко чувствуете мир и хотите создавать картины — мы приглашаем на занятия в наш клуб Две империи.
У нас вы найдете замечательных учителей, которые поделятся своим опытом и подскажут какие моменты вашего творчества необходимо совершенствовать, ценить и развивать.
Все очень просто, доступно и увлекательно!

Японская живопись — древнейший вид искусства

Японская живопись является древнейшим видом искусства. Она включает в себя различные формы, жанры и разнообразное содержание.

Японская живопись Суми-э является древнейшим видом искусства. Она включает в себя различные формы, жанры и разнообразное содержание. Элегантное искусство являет миру картины, представляющие собой ширмы, росписи на стенах, свитки из шелка или бумаги, веера, станковые картины и гравюры.

СУМИ-Э — японская монохромная живопись.  В переводе с японского «суми-э» обозначает — рисование тушью (суми-тушь, э — рисунок). В суми-э художники используют чёрную тушь и широкую гамму серых тонов, возникающих при смешении туши с водой.

Японскую живопись отличает большое количество разнообразных жанров и стилей. Ведущее место в японской живописи, как и в литературе, занимает природа. Она преподносится в качестве хранителя божественного начала. Японская живопись берет свое начало в китайском искусстве, поэтому ее жанры очень схожи с жанрами Поднебесной. В наше время многие японские художники предпочитают проходить обучение именно в Китае.

Курсы японской живописи. Погрузись в очарование монохромного рисунка. Обучение владению кистью, постижение красоты и японского понимания прекрасного
Звоните по тел. +7 (903) 774-67-01

Живопись в Японии имеет в своей истории развития несколько этапов. Каждый из них отличается своеобразными характеристиками и особенными чертами.

Начальным этапом развития считается временной промежуток с середины седьмого века по конец восьмого века, называемый Нара. В этот период был расписан храм Хорюдзи, он является отличным доказательством влияния на японскую культуру индийской и китайской традиции.

Следующий период развития японской живописи называется Хэйан. Он прославлен активным процветанием храмовой живописи и примерами светского искусства изображения. В этот период создаются иллюстрации к романам и повестям, призванным развлекать знатных господ.

Период Камакура (занимает временной промежуток с конца XIIвека по первую половину XIV века), занимавший временной отрезок с конца двенадцатого века и по первую половину четырнадцатого века, характеризуется изменением стилей, поисками новых способов изображения жизни. Настроение японской живописи круто меняется. Раньше картины передавали оптимистичную, легкую и радостную атмосферу. В этот период сделан большой шаг в сторону реалистичного изображения, а также придания картине практически военного характера. Характерные сюжеты живописи — батальные сцены из мифов и истории, религиозные сцены из буддийской традиции. Широко распространено изображение портретов важных государственных деятелей.

В период Муромати (временной отрезок с первой половины XIV века по вторую половину XVI века) на первый план выходит тенденция, прославившая японскую живопись на весь мир. Философия дзэн-буддизма оказала значительное влияние на живопись, в результате чего популярность приобрело пейзажное искусство. Особенную элегантность получила монохромная техника. В этот период на японскую живопись оказал влияние Китай. Самый известный художник Японии того времени Тоё Ода, специализировавшийся на написании пейзажей, создал первые картины, когда путешествовал по Поднебесной. Развил направление он уже на родине.

Вышеописанная тенденция активно развивалась и дополнялась во время двух следующих периодов развития японской живописи — Монояма и Эдо. Монохромная техника представляла собой более утонченный вариант. Тщательно прорабатывали и вырисовывали детали. Художники не побоялись экспериментов и стали применять приемы, ранее использовавшиеся в живописи на свитках и ширмах, в настенной росписи. Пейзажи и массовые сцены стали дополняться психологическими историями, демонстрирующими героя в момент сильного эмоционального напряжения. Помимо традиционной живописи в Японии активное распространение получила гравюра на дереве. Она разделялась на два вида: театральная гравюра и бытописательная гравюра. Самым известным мастером театральной гравюры является Тёсюсай Сяраку. Бытописательная гравюра активно развивалась в творчестве Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро.

Магия восточного искусства, Китайская и Японская живопись.

Магия восточного искусства, Китайская и Японская живопись.

Мы говорили о бумаге, туши, красках, делились секретами. С удовольствием продолжим знакомить вас с секретами.  С радостью отмечаем, что любителей восточной живописью становится все больше, мы хотели бы помочь определиться в выборе своего стиля, приглашаем в мир восточной живописи.  Мы посещаем занятия, которые нам ближе по характеру, по атмосфере, у каждого из нас есть свой ритм и есть свои предпочтения.

Китайская живопись

Стиль Се-и

Современное Се-И. Светлана Плакасова

Се-И – передача фактуры, образа, подразумевает владение кистью, и, хотя о стиле говорят, что это грубое владение кистью, не многие мастера владеют этой изящной техникой. Набор туши и краски на кисть, точная передача формы и фактуры предмета, всего несколько движений кистью, высокое мастерство и неповторимые образы.  Животные, растения, птицы, насекомые и, конечно, удивительные пейзажи.

Стиль Гунби

Гунби – тонкий, изысканный стиль, для создания работы в стиле гунби необходима усидчивость и готовность к длительному процессу, тщательная проработка мельчайших деталей. Следование ритуалу в создании работы: контур, тени, многослойная работа с тенями и цветом, детальная тщательная проработка.

Стиль Могуфа

Могуфа – «бескостный» или «бесконтурный», создание легкого полупрозрачного образа с красивыми переливами оттенков.  Изображение нежное, мягкое, изысканное.

Японская живопись

Японская живопись – Суми-е и суйбокуга.  Очарование монохромной живописи, владение кистью, широчайший диапазон технических приемов.  Бокусайга – японская живопись, когда в работе помимо туши участвует цвет.  Глубокие пейзажи, передача состояний природы.

Каждое из перечисленных выше направлений восточной живописи имеет свой собственный характер, манеру и стиль исполнения, технику владения кистью, цвето- и светопередачи образа, особые композиционные моменты.

Проникая в особенности монохромной живописи, важно разложить изображение на несколько оттенков туши, представить его в нескольких планах: ближе, дальше, учесть состояние света и атмосферу.  Каждое «пятно» в работе привлекает внимание «зрителя».  Техника исполнения работы, как и в других видах живописи, бесспорно, здесь есть масса приемов владения кистью.

Во время проведения занятий, преподаватель знакомит учеников с техниками, какая техника более выигрышно и полно отобразит то, что мы хотим нарисовать.  Если в работу вводится цвет, он является вспомогательным, не основным.  Современные японские художники с удовольствием используют цвет, но это уже бокусайга, поскольку в бокусайга предполагается применение цвета, как вспомогательный элемент, не контрастирующий с тушью.

Философия минимализма и вместе с тем тонкое чувство света, передача состояния природы посредством оттенков туши, света, яркого или приглушенного.  Объем в изображении передается движением кисти, набор туши на кисть может быть градиентный, от светлого у основания кисти до темного у кончика.  Каким будет «пятно» — элемент изображения, зависит и от положения кисти по отношению к бумаге, от свойств бумаги поглощать влагу, от набора туши на кисть. Художники, создавая пейзаж, иногда используют обе стороны картины, чтобы создать эффект дополнительного света, вечерние или ночные пейзажи.

Пейзажи, есть множество интересных технических приемов для отображения: дождя, тумана, мягкого снега, грозы, водопадов и морские пейзажи.

И, конечно, учимся, учимся у природы! Рассматриваем форму листиков, лепестков, веточки, форму кроны. Делаем зарисовки, скетчи. Чтобы легче было отобразить пейзаж в оттенках при монохромной живописи, выбираем фотографию, убираем насыщенность и цвет, получаем монохром, хорошо бы «сепию». Пробуем рисовать скетчи угольным карандашиком, делаем зарисовки.

Несколько полезных советов

• При работе в технике «гунби» — чтобы на работе не образовалась трещинка, обратите внимание, на натяжение листа бумаги на планшет, работая кистью в самых темных местах, при многократном нанесении тона, могут появится трещинки, и бумага может порваться. Будет жаль, если работу придется переделывать.
• Для работы в стиле «гунби», чтобы лучше понимать цвет, изучите таблицу сочетания цветов. При нанесении оттенков последовательно один на другой можно получить желаемый цвет. Лучше «дружить» с цветом, чтобы не было ошибок.
• Если работаем над монохромным изображением (японская живопись), пробуя снять излишний темный оттенок, промокнув аккуратно салфеткой, не затираем, можем повредить бумагу, во влажном виде она хрупкая.
• Помним о композиции, выбираем наиболее выигрышный ракурс и помним, что в восточной живописи белое поле тоже имеет значение!
• При работе с бумагой в пейзажах, помним, что есть бумага с памятью, которая запоминает движение кистью, ровного заднего плана не получится. Бумагу с памятью можно обработать резервами предварительно, лучше использовать бумагу без эффекта памяти.
• Если хотим красивые разводы туши, выбираем бумагу с хорошей впитываемостью. На кисть набираем тушь градиентно, и не забываем проверять, сколько влаги на кисти, чтобы не испортить рисунок.
• Если устали, лучше сделать перерыв и продолжить работу позже, после отдыха.
• Мастер класс — это занятие, во время которого мы учимся. Дома Вы можете повторить работу или нарисовать ее в более длительные сроки, соблюдая последовательность выполнения манипуляций, о которых говорил преподаватель.

О направлениях и стилях китайской живописи, японской живописи, а также историческая справка представлены на страницах Клуба Две Империи:

Китайская живопись Гохуа

Китайская живопись. Стиль Се-И

Китайская живопись. Стиль Гунби

Китайская живопись. Стиль Могуфа

Японская живопись. Суми-э

Мастер-класс по японской живописи суми-э: гортензия: nihon81 — LiveJournal

Как я уже писала, в прошлое воскресенье ходила на мастер-класс по японской живописи суми-э. Занятие было посвящено гортензии. Мастер-классы проводит Юлия Егорова, здесь можно посмотреть ссылку на группу в ВК, фотографии с занятий, выставок, а также работы, которые можно приобрести.
Занятия проходят недалеко от станции метро Ленинский проспект, либо Горьковская.

Суми-э 墨絵 — это буквально «тушь» и «картина». У нас было сочетание туши и минеральных красок.
1. Для занятия подготовлены: воды, несколько блюдечек (для туши и краски отдально), кисти, подстилка для бумаги.

Из описания группы:

Суми-э — одновременно техника живописи, ощущение и философия. Всё это представляет собой целостный аккорд, не существующий по отдельности. Это лёгкий ветер и аромат цветка.
Это энергия и дисциплина.

На занятиях вы знакомитесь с техникой и философией японской живописи суми-э. Прикоснетесь к удивительному миру монохромной живописи, сможете создать свои рисунки и получить удовольствие от процесса.

Один из эффектов, который достигает художник при рисовании суми-э — это состояние расслабленной сосредоточенности. Происходит очищение души, обогащение радостью, улучшение здоровья и состояния, гармонизируется ритм жизни.

2. Сначала Юлия говорит о теме занятия, показывает рисунки гортензии на планшете, затем раздает нам распечатки. Она пользуется таким японским пособием, которое называется «рисование цветов»:

3. Заглядываю внутрь, допустим, как рисовать сакуру:

4. Это распечатки. Гортензия по-японски «адзисаи» (紫陽花).

5.

6.

7. Выбрали одну из композиций, и Юлия показывает, как рисовать лепестки. Кисть сначала увлажняем, затем окунаем в голубую краску, а на кончик берём фиолетовую, таким образом цветок получается с фиолетовой серединкой.
Сначала я тренировалась на обычной бумаге, за тем на рисовой. При работе с

Токийский университет искусств

Токийский университет искусств

Поиск ИДТИ

| Японский | Доступ | FAQ и почта |

• О НАС
  • Приветствие Президента
  • Профиль
  • Краткая история университета
  • План Действий
  • Миссия и цели
  • Образовательные и исследовательские цели
  • Стандарты практики
  • Схема организации
  • Совет директоров
  • Управление
  • Преподавательский состав
  • Видео о Токийском университете искусств
  • Наброски (Брошюра)
  • Доступ
• ИСКУССТВО
  • Очерк изящных искусств
  • Политика приема
  • Учебная политика
  • Дипломная Политика
  • Картина
  • Скульптура
  • Ремесла
  • дизайн
  • Архитектура
  • Интермедиа Арт
  • Эстетика и история искусства
  • Специальные выпускные курсы
  • Услуги
• МУЗЫКА
  • Краткое содержание музыки
  • Политика приема
  • Учебная политика
  • Дипломная Политика
  • Сочинение
  • Вокальная музыка
  • Инструментальная музыка
  • Проведение
  • Традиционная японская музыка
  • Музыковедение
  • Музыкальное творчество и окружающая среда
  • Специальные выпускные курсы
  • Услуги
• ФИЛЬМ И НОВЫЕ МЕДИА
  • Очерк о Высшей школе кино и новых медиа
  • Политика приема
  • Учебная политика
  • Дипломная Политика
  • Производство фильмов
  • Кино и новые медиа исследования
  • Новые средства массовой информации
  • Анимация
• ГЛОБАЛЬНОЕ ИСКУССТВО
  • Очерк о Высшей школе глобального искусства
  • Три политики
• ПРИЕМ
  • Программа международного обмена
  • Прием, обучение и сборы
  • Стипендии, отказ от платы / отсрочка
  • Информация для иностранных заявителей
  • Информация для стипендии правительства Японии (MEXT)
  • заявка
  • Цифры поступлений
  • Учебный персонал
  • Учебный план
  • Система GPA
• ОБЪЕКТЫ
  • Международный Дом
  • Глобальный центр поддержки
  • Библиотека университета
  • Художественный музей университета
  • Центр общественного сотрудничества
  • Учебный центр иностранных языков
  • Концертный зал Согакудо
  • Центр исполнительских искусств
  • Арт Медиа Центр
  • Центр обслуживания здоровья
  • Университетский зал
  • Гимназия
  • Кампус Toride
  • Тонегавасо
  • Иокогамский кампус
  • Кампус Сенджу
• СТУДЕНЧЕСКАЯ ДЕЯТЕЛЬНОСТЬ
  • Студенческая деятельность
  • Учебно-исследовательская деятельность студентов
  • Клубы и группы
  • Кредитная служба

ВСЕ 2021 г.01.08 Реакция университета на повторение объявления о чрезвычайном положении 2020.10.14 Студентам и преподавателям, которые (повторно) въедут в Японию — Просьба сообщить университету о вашем иммиграционном статусе и состоянии здоровья — 2020.10.06 Меры предосторожности при COVID-19 на второй семестр 2020.09.16 【Иностранные студенты, финансируемые из частных источников]】 Специальная дополнительная поддержка Гакушу-Шорейхи 2020.07.07 Заявление правительства Японии на участие в Программе экстренной поддержки студентов для продолжения образования (второй раунд) (Мы не можем принимать заявки после указанного срока). СТУДЕНТ 2021 г.01.08 Реакция университета на повторение объявления о чрезвычайном положении 2020.10.14 Студентам и преподавателям, которые (повторно) въедут в Японию — Просьба сообщить университету о вашем иммиграционном статусе и состоянии здоровья — 2020.10.06 Меры предосторожности при COVID-19 на второй семестр 2020.07.07 Заявление правительства Японии на участие в Программе экстренной поддержки студентов для продолжения образования (второй раунд) (Мы не можем принимать заявки после указанного срока). 2020.06.09

Университет Киото Сэйка ： Курс японской живописи

В поисках красоты в природном ландшафте

Глядя на меняющиеся цвета горы, на цветы в поле, или чувствуя шелест листьев на ветру, или чувствуя гребень океанской волны.Японская живопись, рожденная и культивированная в богатстве четырех сезонов, всегда откликалась на природу, выражая красоту пейзажа на холсте. Изображать красоту природы — даже несмотря на то, что времена меняются, это важнейшее качество японской живописи остается неизменным.

Это не то же самое, что сделать точную копию ландшафта. С помощью фруктов вы рисуете, чтобы вызвать ощущение свежести и вкуса, или с помощью цветка вы рисуете, понимая естественный цикл растения, от прорастания до бутонов и цветения.Нарисовать так называемую японскую живопись (Нихонга) — значит ощутить невидимую «сущность» природы и выразить ее как мощный образ.

Первый шаг к такому осознанию — это погрузиться в природу, а затем ощутить окружающий пейзаж. SEIKA отличается богатой окружающей средой и окружен лесами, в которых обитают мелкие животные и птицы. Кроме того, Киото, как город, окруженный горами, долгое время сохранял традиционную культуру ва (японскую), которая привносит природу в повседневную жизнь.Нет лучшего места, чем Киото, для изучения техники, творчества, истории и духовности японской живописи.

Чтобы любить природу и наслаждаться прекрасным образом жизни, можно начать с простого обычного занятия, например, сажать цветы каждый день. Вы обязательно найдете то, что хотите раскрасить, что нужно раскрасить. И это потому, что японская живопись — это искусство, которое изображает человеческий разум через природу.

Четыре года на курсах японской живописи

• 1-й год

  Передача текстуры и запаха яблока через изображение

  Первый год посвящен рисованию с натуры, и классы SEIKA полностью тренируют студентов в этой области.Начиная с растений, овощей и фруктов, затем переходя к маленьким животным и деревьям и постепенно работая над более сложными предметами, учащиеся развивают свои навыки.

  Но способность, необходимая для японской живописи, заключается не в том, чтобы просто изобразить точную форму предмета, а, скорее, передать его внутренние характеристики, его окружение и атмосферу. Если, например, вы рисуете яблоко, вам нужно будет передать его свежесть, сочность и запах.Вы можете получить эту способность обращаться к пяти чувствам, только пересекая границу между вами и объектом, подойдя к ней очень близко. А потом, когда вы нарисуете яблоко или кролика, вы увидите, что вы должны соответственно изобразить для каждого. Усердно работая над изображением ряда предметов, студенты овладевают такими приемами.

  Одновременно с пониманием навыков наблюдения, уникальных для японской живописи, студенты первого курса также изучают, как работать с материалами японской живописи, такими как иваэногу (минеральные пигменты), никава (связующее), японская бумага и т. Д.Если вы начали замечать пейзаж, мимо которого проходите каждый день, это доказывает, что вы приобрели чувствительность к созданию японской живописи.

  Цели 1-го года

  Продолжение практики рисования для овладения базовыми навыками. Оценивая радость общения с природой, суть японской живописи.

• 2-й год

  Значение написания природного цикла цветов

  Следуя основам рисования жизни, которым они научились в первый год, студенты теперь углубляют свое отношение к природе как предмету и совершенствуют свои навыки.Например, изображение цветущей сакуры — это не просто захват ее в «лучшее» время года, а деликатное изображение всего цикла, от момента, когда цветение является бутоном, до набухания бутона, цветения и, наконец, увядания цветка. Наблюдая за этим естественным круговоротом цветов, вы поймете постоянные изменения природы и красоту быстротечности.

  По мере того, как вы улучшаете свою технику рисования, размер вашего холста также увеличивается с 30 до 50. Основываясь на практических навыках работы с материалами, которые они приобрели на первом курсе, студенты изучают весь производственный процесс, от набросков до диаграмм, чертежей и заключительная работа, расширяющая сферу их творчества.

  Не только мотивы, но и пустые места и фон также являются частью изображения. Также очень важно уметь передать через картину ощущение воздуха и влажности. Студенты изучают традиционные техники и впитывают классическую эстетику, в том числе кенпон (художественное произведение, нарисованное на шелке), создают складной веер, украшенный сусальным золотом, и копируют пейзажную картину Маруямы Окё. Студенты второго курса сильно растут и технически, и духовно.

  Цели 2-го года

  Углубление взаимоотношений с предметом (природой), развитие базовых способностей к рисованию и изучение ряда техник, в том числе традиционных.

• 3-й год

  Что бы вы нарисовали на большом холсте в традиционных формах?

  Разделенные на два класса, студенты теперь проводят год, совершенствуя свои специальности. В классе японской живописи учащиеся расширяют свой диапазон мотивов, включая людей и пейзажи, и начинают работать над крупномасштабными японскими картинами.Студенты впервые занимаются портретами, для чего курс предлагает обширное обучение, начиная с основ рисования. Учащиеся приобретают способность изображать вэй

Японская живопись Амарна от RubisFirenos на DeviantArt

Сделано за

Материал: кофе / пигменты / чернила / акварель

Моя FA: www.furaffinity.net/user/meora…
Мой Twitter: @RFirenosArt
My Tumblr (WIP и т. Д.): Rubisfirenos.tumblr.com/
My Society6 (репродукции изобразительного искусства, подушки, картины в рамах и т. Д.): Society6.com / RubisFirenos
My Redbubble: www.redbubble.com/people/rubis…

КОММЕНТАРИИ, ПОЖАЛУЙСТА!

Материал: кофе / пигменты / чернила / акварель

Часто задаваемые вопросы: Что такое O Ka-Fée?

O Ka-Fée — это термин, относящийся ко всем моим картинам, написанным с кофе. Это касается способа рисования и получения текстуры кофе. Речь идет о проекциях кофе, которые, оказавшись в пятнах на листе, подвергаются впрыскиванию пигментов. (Пудра, колорекс, акварель.)

Текстуры, получаемые при сушке кофе (более или менее подслащенные), уникальны, они более интересны, чем получаемые при помощи воды.
Кофе — довольно сложная среда, которую нужно освоить, необходимо знать ее реакции, чтобы иметь возможность манипулировать ею с помощью пигментов, мы изучаем это каждый день.

O Ka-Fée также касается моего графического стиля и всей вселенной, которая от него освобождается. Это для этого термин мой собственный бренд.

Пожалуйста, уважайте мою вселенную и мою работу.

/ Версия FR

Часто задаваемые вопросы: Qu’est ce que O Ka-Fée?

O Ka-Fée est le terme Concerant mes peintures réalisées avec pour base de café.Заготовка создания созданных и созданных текстур для кафе. Dans un premier temps ce sont des projection de cafe dans lesquelles ensuite on injecte des пигменты. (Poudres, colorex, aquarelle.)

Les textures réalisées par le café (plus ou moins sucré et selon la marque.) Sont unique, elles sont plus fortes et intéressantes que celles réalisées avec l’eau.

Le café est un médium complexe a maitriser, самый важный de connaître ses reactions afin de les манипуляторы с пигментами, на apprend tous les jours de part ce médium.

O Ka-Fée — это австралийский универсальный и графический стиль, ce sont souvent des peintures и универсальные библиотеки, avec du mouvement и de la poésie.

Merci de respecter mon travail et универс.

Японская живопись — Японский перевод — Linguee

По мере изменения архитектурных стилей и чайной церемонии a n d Японская живопись b e ca me more..] — чисто японский процесс. kansai.gr.jp	仏 教 と と も に 伝 来 し た 巻 物 が 起源 建築 様 式 の 変 化 の 湯 ・ 日本 90 2 の.gr.jp
С этой комбинацией n o f Японская живопись a n d лаковые работы, эта выставка […] предоставил отличную возможность прикоснуться к […] эстетическое сознание, которое японцы культивировали с древних времен. group.shiseido.com	日 本 画 と 漆 芸 、 い に し え か 日 本 人 の 美意 人 の 美意 美意 9026 9026 70 26 9026 。 group.shiseido.co.jp
Она покинула rn e d Японская живопись a t u университет и аспирантура, но она использует другие методы, кроме fr o m Японская живопись t e ch niques, например, использование подложки для рисования фарфоровой глины на конопляной ткани, a n d картина w это h японский i n k, минеральное […] пигмент, древесный уголь, древесный уголь для костей животных и почва. kalons.net	田 が 大学 ・ 大 学院 と 学 ん だ 領域 は 日 本 画 だ 、 布.木炭 、 獣 骨灰 、 採取 し た 土 を 用 い て 描 く な ど 、 そ の 手法 わ ゆ る 日本 画 け ま ら кал.
Для этой выставки мы выбрали четыре ключевые работы из коллекции Художественного музея DIC Мемориального музея Кавамуры. […] Западная живопись и […] покажите их wi t h Японские картины f r om период Мэйдзи и далее, которые показывают влияние или сходство с каждой из этих четырех западных работ в надежде обеспечить идеи в t o японская живопись o f t he Modern […] Эпоха с разных точек зрения. kawamura-museum.dic.co.jp	本 展 は ､ DIC 川村 記念 美術館 の コ レ ク ョ ン か ら 選 ん だ 画 を 起点 と す る る 4 つ の 柱 も と に ､ そ ら 間 間 に 間 間 に 90 90 90 90 90 同性 90 90 • 26 • • • • • • • • • •… す る こ と で ､ 日 本 近代 画 の jp
В прошлом фусума украшали в различных стилях и темах, например, […] караками (украшение в китайском стиле), […] Ямато-э (medi ev a l Японская живопись ) , an d suiboku-ga […] (черно-белая индийская тушь), […] были замечены в резиденциях знати и воинов-самураев, а также в храмах и святынях, где каждая комната имела свой собственный дизайн фусума. kansai.gr.jp

japanese painting — Перевод на японский — примеры английский

Эти примеры могут содержать грубые слова на основании вашего поиска.

Эти примеры могут содержать разговорные слова, основанные на вашем поиске.

Возможно, я уловил эту черту, изучая Японская живопись .

日本 画 を 学 ん だ こ と が そ の よ う な 発 想 に を 導 い て い ろ か。

Это почти похоже на красоту японской картины .

日本 画 の よ う な 美 し さ に 見 と れ て し ま う ど だ。

Его натуралистический стиль, включающий техники пленэра, стал основным направлением современной японской живописи .

外 光 派 的 技法 を と り い れ た 写 実 的 画風 は 近代 日本 絵 画 の 主流 に。

Начиная с династий Тан и Сун, китайские картины, привезенные в Японию, сильно повлияли на развитие японской живописи .

唐 ・ 宋 以来 、 日本 に 請来 れ 中国 絵 画 は 、 日本 絵 画 の 発 展 に も 大 き な を 与 え ま し た。

Японская живопись до сих пор увековечена с использованием натурального и экологически чистого сырья.

日本 画 は 、 自然 で エ コ な 原料 を 、 未 だ に 貫 き し て る ん だ。

Окончил факультет японской живописи Художественного колледжа Канадзавы.

金 沢 美術 工 芸 大学 日本 画 科 卒業。

Учится на курсе «Японская живопись », Университет искусства и дизайна Тохоку.

東北 芸 術 工科 大学 芸 術 学部 美術 科 日本 画 コ ー ス 在 籍。

Он имеет стиль для свитков, очень похожий на Японская живопись .

日本 画 も そ う で す が 巻 物 と い う ス タ イ ル あ り ま す よ ね。

Курс масляной живописи; Курс Нихонга ( Японская живопись ); курс скульптуры

画 コ ー ス ／ 日本 画 コ ー ス ／ 立体 造形 コ ー ス

Росписи перегородок — работа Сейхо ТАКЕУТИ и других современных мастеров традиционной японской живописи .

障 壁画 は 竹 内 栖鳳 な ど 、 近代 日本 画 の 巨匠 が 担当 し い る。

Природные минеральные пигменты в сырых средах Японская живопись представляют собой битые частицы.

日本 画 の 素材 で あ る 岩 絵 具 は 、 砕 か れ た 粒子 だ。

«Хогай Кано и Большая четверка: Современная Японская живопись , Другая жила» Мероприятие завершилось.

狩 野 芳 崖 と 四 天王 — 近代 日本 画 、 も う ひ と つ 水 脈 — こ の イ ベ ン ト は ま た。

Я рисую цветы тушью и каменной краской на шелке, которая использовалась в Японская живопись с древних времен.

古 く か ら 日本 画 で 使 わ れ て き た 絹 に 、 墨 岩 絵 具 を 使 花 を 描 き ま す。

На этой выставке представлены работы пяти выпускников курса японской живописи Тамаского художественного университета.

多 摩 美術 大学 日本 画 専 攻 卒業 生 に よ る 展 覧 会 開 催 致 ま す。

Перед тем, как остановиться в Studio Kura, Аврора пройдет курс по созданию традиционной японской живописи .

ス タ ジ オ ク ラ に 滞 在 る 前 に 、 オ ー ロ ラ は 伝 統 的 な 日本 画 制作 を 学 ぶ 予 定 で す。

Серия Тоса «Космический цветок» является данью уважения Римпе, исторической школе японской живописи , основанной в Киото в 17 веке.

土 佐 の 『ス ペ ー ス — フ ラ ワ ー』 シ リ ー ズ は 、 17 に 京都 で 生 ま れ た 日本 画 の 歴 史 で 派 へ

Сугито окончил Префектурный университет изящных искусств и музыки по специальности Японская живопись в 1992 году.

Ранняя фламандская живопись: многослойный подход

Наслоение по-прежнему является самым разумным подходом к маслу живопись, несмотря на разнообразие техник и материалов обязательно шире, чем используемые во фламандском картины.Метод длительный, и лучше всего подходит для миниатюры, фотореализма и живописи что требует очень высокой степени детализации и поверхности Конец.

Шаги:

Либо 1a. начнем с точного рисунка (старше художники, вероятно, использовали камеру-обскуру, для которой фотографии можно заменить сегодня)

Или 1б.начать как акварель с несколькими карандашами линии и широкие пятна краски, разбавленной скипидаром.

2. Сухой.

3. Прокладываю тонким телом в цвет

4. Просушиваем.

5. Нанести второй тонкий корпус цвета по контурам. первого слоя или перекрашивая его.

6. Продолжайте наращивать подмалевок в долгий, непрерывный процесс проб и ошибок с использованием полный спектр живописных техник.

7. Тщательно просушите.

8. Нанесите глазурь и при необходимости нанесите мокрый на влажный.

9. Сухой.

10. Нанесите более толстые глазури, изменив предыдущие глазури. где необходимо.

11. Добавьте цвет тела, чтобы восстановить остекленные области. сильно.

Также возможно чередование цвета корпуса и глазировать, а не оставлять все остекление до конца.Тени могут быть созданы глазурью, а финальная изображение гармонизировано.

мокрый во влажный — влажный цвет внутри, над или рядом другой цвет «мокрый»

«мокрый по сухому» — традиционный подход позволяет систематический контроль.

Покраска до конца или по частям — подробнее контроль с последним, но несвязным внешним видом опасность.

Послойная покраска — принцип за традиционным техника.

Тональный крем Refining Foundation — добавление цвета кузова с большей тонкостью цвета и тона.

Отделка глазурью — окончательные модификации основы и слои глазури.

Различная толщина краски — изменение тона и цвет по толщине краски: обычно, но необходимо большое мастерство.

Мертвая окраска — первое нанесение послойно технику, либо встроенную в дальнейшую слоями или в подмалевок.

Underpainting — картина, оформленная для сочетания с более поздней росписью (часто, но не обязательно глазури) для достижения желаемого эффекта.

Использование земли — позволяя земле частично просвечивать на готовом изображении.

Цвет кузова — окраска данного кузова: густая краска: Обычно краску делают матовой, добавляя белил.

Grisaille — подмалевок полностью в оттенках серого.

Scumble — частичное покрытие белой краской пока краска внизу еще влажная.

Frottie — цельная пленка полупрозрачная. краска, либо глазурью, либо намазанная тонким слоем.

Царапина с обратной стороны — краска соскабливается и обнажается призрак последнего приложения или некоторых из предыдущих.

Растирание — втирание краски пальцами: a контролируемая и полезная техника.

Остекление — слой прозрачного цвета: наклеенный когда краска внизу практически высохла: любой цвет можно использовать с глазурью средней, но прозрачной цвета самые лучшие.

Impasto — густая краска, гордящаяся окружающим поверхность: используется для текстурных эффектов, а также с глазури.

Растушевка — смягчение краев краски после они были нанесены, как правило, чистой кистью.

Поддразнивание — манипулирование краской после того, как она был установлен.

Штриховка — штрихи или поперечные штрихи во влажном состоянии краски, которые смешиваются на расстоянии.

Подсчет очков — возврат к нижележащему слою: часто используется для обозначения волос или складок на коже.

Промасливание. Когда картина или часть картины сохнет тускло и непрозрачно (т. е. краска впитывается) перед продолжением окраски целесообразно осторожно втирать ретуширующий лак, чтобы правильно судить цвета.

.