Временные рамки рококо: Диссертация на тему «Рококо: этапы развития и проблемы стиля. Опыт Франции и Германии», скачать бесплатно автореферат по специальности ВАК РФ 17.00.04

Барокко. Временные рамки барокко — презентация онлайн

По-испански Borokko — странный,
причудливый, по-итальянски Borokko –
причудливый, вычурный.
Начало барокко условно относят к 70-80-м
годам XVI в., однако истоки этого стиля
восходят к эпохе Возрождения, в
частности к творчеству Микеланджело,
которого нередко называют «отцом
барокко»
Родиной барокко считается Рим, а
наиболее яркие образцы архитектуры
этого стиля были созданы в Италии,
Испании, Португалии, Южной Германии,
Чехии, Польше, Литве, испанских и
португальских колониях в Латинской
Америке.

4. Временные рамки барокко

Этот стиль свойственен
искусству Западной Европы
с конца XVI века (Италия) до
середины XVIII века
(Россия).
“Время барокко” включает в
себя много стилей и
направлений (маньеризм,
классицизм, барокко и
рококо) и “стиль барокко”.
Церковь Сан
Карло алле
Кватро
Фонтане, Рим

5.

Характеристика стиля Для барокко характерно тяготение к
синтезу искусств.
Создаются огромные ансамбли, в
которых архитектура, живопись,
скульптура, театр, музыка, декоративноприкладное и садово-парковое
искусство сливаются в единое целое,
отмеченное печатью торжественности,
пышности, парадности.
Собор Св. Петра, Рим
Церковь
Сант- Иво
алла
Сапиенца,
Рим
Искусство барокко отличается
экзальтацией образов; ему свойственны
контрастность, напряженность,
динамичность образов, стремление к
совмещению реальности и иллюзии.
Архитектуре этого стиля
свойственны
пространственный
размах, слитность,
текучесть сложных,
обычно криволинейных
форм. Часто встречаются
развернутые масштабные
колоннады, изобилие
скульптуры на фасадах и
в интерьерах,
рустованные колонны и
пилястры. Купола
приобретают сложные
формы, часто они
многоярусны.
Характерные детали
барокко — атланты,
кариатиды, маскароны
Собор св. Петра в
Риме
Преобладающие и
модные цвета
Пастельные тона; красный,
розовый, белый, голубой с
желтым акцентом.
Сочетание контрастных
цветов, богатые цветовые
палитры (от изумрудного
до бордо). Популярное
сочетание – белый с
золотом.
Линии
Интересный выпукловогнутый асимметричный
рисунок; в формах
полуокружности,
прямоугольника, овала;
вертикальные линии
колонн; выраженное
горизонтальное членение.
Форма
Куполообразные, сводчатые и прямоугольные;
башни, балконы, эркеры.
Характерные элементы интерьера
Движение — стремление к величию и пышности;
массивные парадные лестницы; колонны,
пилястры, скульптуры, лепнина и роспись, резной
орнамент; взаимосвязь элементов оформления.
Конструкции
Напряженные, контрастные,
динамичные; вычурные по фасаду
и вместе с тем массивные и устойчивые.
Окна
Прямоугольные, полуциркульные;
с растительным декором по периметру.
Двери стиля Барокко
Арочные проемы с колоннами;
растительный декор.
Скала Раджа в Ватикане

10. Формирование стиля

Формирование барокко, прежде всего,
связано с кризисом идеалов
Итальянского Возрождения в середине
XVI в. и стремительно меняющейся
«картиной мира» на рубеже XVI- XVII вв.
Это было время болезненных изменений
мировоззрения, неожиданных поворотов
человеческой мысли, отчасти вызванное
великими географическими и
естественно-научными открытиями.

11. Площадь св.Петра в Риме. 1656-1667

В XVIII веке барокко приживается и в России.
Новые манеры царского двора и нового
русского дворянства требовали и
европейского типа дворцов, где можно было
устраивать роскошные балы, торжественные
приемы, давать богатые обеды. Дочь Петра I,
Елизавета Петровна, склонялась к формам
пышного итальянского барокко.
В годы правления Елизаветы (1741-1761) были
созданы лучшие образцы русского барокко,
отличавшегося от итальянского мирской
жизнерадостностью и отсутствием
религиозного мистицизма, а от немецкого или
австрийского — подчеркнутой
масштабностью и монументальным
размахом архитектурных ансамблей.
В середине XVIII в. с началом эпохи
неоклассицизма и французского
Просвещения барокко уходит с
исторической арены. Французский
просветитель Жан Жак Руссо считал этот
стиль проявлением дурного вкуса и
искажением прекрасного. Но барокко –
закономерное продолжение эпохи
Возрождения и в единстве мировоззрения
люди эпохи Барокко «находили свободу
духа».
Барокко — это эпоха, великая своими
грандиозными разрушениями и столь же
грандиозными созиданиями, она
осталась в истории переломным
моментом развития мирового искусства.
Барокко стало стилем жизни целых
народов и культур.
Соколенко Даниил
Георгиевская ООШ ст I-III № 2
2017

Слушать Музыку Стиль Рококо

• Вход учащихся в класс под музыку П.И.Чайковского «Январь» (цикл « Времена года»). Стиль рококо появился во Франции в 17 веке. Учитель: Верно. Нам осталось послушать последнюю, четвёртую вариацию.
• Мы это наглядно чувствуем и ныне, слушая музыку барокко: в нас очевидным. Уже не изящные статуэтки в стиле рококо, не идеализированно-чистые.
• Юлия Лежнева: «Свои записи я слушаю на репетициях» Считается, что Хассе одним из первых композиторов обратился к стилю рококо. И для меня его музыка, а также его современника Карла Генриха.
• Стиль рококо в живописи. На заметку: За работой на компьютере удобно слушать онлайн музыку с iPlayer.fm. Хорошо. Урок музыки.

Фото · Блоги · Видео · Рецепты. Музыка; Главная; Моя музыка; Лента Композиции Инструментальный Ансамбль » Рококо «. Отображать:композиции.

В наши дни часто можно видеть афиши концертов с подзаголовком: «Вечер старинной музыки». В этих концертах исполняется музыка самая разная. В них могут звучать произведения Палестрины, созданные в XVI веке, Перселла, творившего в XVII столетии, композиторов XVIII века — Корелли, Вивальди, Баха, Бортнянского и других. Но вот сочинений Бетховена или Шуберта, жизнь которых отдалена от нашего времени тоже продолжительным историческим периодом — более полутора веков,— мы в таких программах не услышим. Что же скрывается за выражением «старинная музыка»? Каковы ее временные рамки? Существует ли единый «старинный» стиль в музыке? Попытаемся сначала ответить на первый вопрос. С момента зарождения музыки процесс ее создания никогда не прерывался, не приостанавливался. Мы знаем, что музыка создавалась в античном мире и в период средневековья. Но в силу определенных исторических причин этот огромный пласт музыки в наши дни практически не звучит*. Поэтому область «старинной музыки» хронологически начинается сегодня для нас с тех произведений, которые возникли в эпоху раннего Возрождения. Это нижний предел, которым ограничено понятие «старинная музыка». Верхний, условно говоря,— 1750 год, год смерти И. С. Баха. Этот момент оказывается во многих отношениях переломным в истории музыки. С уходом из жизни великого композитора закончился период господства полифонии. В общественно-политической жизни Европы проявляются новые ведущие тенденции, что незамедлительно отражается на музыкальном творчестве и быте. Так, например, начавшийся процесс демократизации музыкального искусства вызывает переворот в музыкальном инструментарии. Такие инструменты, как клавесин, клавикорд, лютня, виолы (характерно, что именно их сегодня называют старинными), выходят из употребления. Барокко (итал. barocco — причудливый) — художественный стиль в европейском искусстве XV1—XV11I веков, для которого характерно сочетание значительности содержания с монументальностью формы, сложности, порой перенасыщенности музыкального языка. Итак, временной интервал, в течение которого создавалась так называемая «старинная музыка», охватывает около трех столетий. Этот огромный исторический период вместил несколько крупных эпох в искусстве. Поэтому говорить о каком-то идеалом «старинном» стиле неправомерно. Причем даже не каждая эпоха создала свой стиль. Так, Ренессанс, имевший такие разные проявления и в Италии и в Англии, принесший музыке такие важные завоевания, как мадригал, опера, высокоразвитое клавирное, лютневое и вольное искусство, не оставил целостного художественного стиля. Гораздо более конкретные черты имеет стиль барокко. В этом стиле написаны многие произведения, относящиеся к старинной музыке. Но и в чисто инструментальных жанрах, таких, как, например, возникшие в этот период кончерто гроссо, органной прелюдии и фуги, тоже проявляются черты барокко (полифоническая манера письма — одна из самых характерных особенностей этого стиля). Они ощущаются и сегодня, когда мы слушаем в концертном зале, например, органные произведения Баха. Масштабные по звучанию, монументальные по форме, они в чем-то перекликаются с громадными размерами самого инструмента. Такая ассоциация вполне естественна: окончательный внешний вид органа, и его конструкция, и элементы декора сложились под влиянием стиля барокко. Обычно, когда речь заходит о музыке барокко, наиболее ярких ее проявлениях, в первую очередь вспоминается творчество Баха и Генделя. Действительно, баховские пассионы и Месса си минор или генделевские оратории ассоциируются у нас с произведениями других искусств, отмеченных чертами стиля барокко. Но, обладая гениальной интуицией, безупречным чувством меры, оба композитора сумели избежать тех преувеличений в пышности, экспрессии, которые были свойственны этому стилю в изобразительном искусстве, и создать глубочайшие по содержанию творения. В середине XVIII века в европейской музыке барокко уступает место новому стилевому течению, зародившемуся еще на рубеже XVII—XVIII веков и получившему название галантный стиль. Галантный стиль (франц. galant — учтивый, вежливый, изысканный) — стиль в европейской музыке начала и середины XVIII века. Эстетическими идеалами композиторов галантного стиля были изящество, легкость и вместе с тем выразительность музыкальной речи; музыка должна прежде всего была доставлять слушателям приятное наслаждение. Для творчества композиторов этого стиля характерен отказ от больших тем, от передачи в музыке сложных жизненных проблем. Синоним — рококо. Мелизмы (греч. melos— песнь, мелодия) — небольшие украшения, усложняющие мелодическую линию, делающие ее более изысканной, прихотливой. Сентиментализм (франц. sentimentalisme, от англ. sentiment —чувствительный) — течение в литературе второй половины XVIII века. В противовес классицизму композиторы-сентименталисты стремились показать внутренний мир не героических личностей, а обыкновенного человека, его чувства, страсти, переживания. Вместо усложненной, как в то время стало казаться, полифонической фактуры в музыке начинает господствовать более легкая для восприятия гомо-фонно-гармоническая манера письма. Мелкие пьесы, разного рода миниатюры предпочитаются крупным полотнам, монументальным произведениям. Вообще меняется вся эстетика музыки. Не разум, а чувство становится главным судьей, когда решается вопрос, хорошая ли звучит музыка или плохая, устаревшая. Под «хорошей» понималась музыка ясная, доступная, изящная, призванная, главным образом, доставлять наслаждение. Назначение подобной музыки, согласно эстетике галантного стиля, было примерно то же, что у непринужденной светской беседы,— развлекающей, но не заставляющей испытывать глубокие, сильные чувства. Характерной чертой нового стиля в музыке было обильное украшение мелодической линии мелизмами, что соответствовало модной отделке мебели, одежды. Причем наиболее характерной деталью отделки стал раковинообразный орнамент, откуда галантный стиль и получил свое французское название — рококо. Наибольшее распространение стиль рококо получил во Франции, где ему отдали дань выдающиеся композиторы Куперен и Рамо. Постепенно галантный стиль обретает новые черты. И в музыке таких авторов, как Дж. Перголезе, сыновья Баха — Филипп Эмануэль Бах и Иоганн Кристиан Бах, уже главный упор делается не столько на изящество, бесконфликтную утонченность музыки, сколько на психологическую ее выразительность. Первостепенное значение придается красоте и напевности мелодии. Так галантный стиль перерастает в сентиментализм. Один из теоретиков сентиментализма Ж. Ж. Руссо (он был, кстати сказать, не только философом, естествоиспытателем, но и композитором) писал: «Музыка — это язык чувств». Руссо считал, что исполнитель должен «затронуть сердца слушателей», а слушателю следует обладать «душою нежной и чувствительной». Но все лучшие качества, которые нес в себе галантный стиль — ясность музыкальной мысли, изящество, доступность, приятность,— нашли законченное воплощение в творчестве Гайдна и Моцарта, основоположников уже нового направления в музыке второй половины XVIII века — классицизма. Совсем даже немало рэп минусов можно найти на Хип-Хоп Арене! Есть даже возможность предпрослушать инструменталы перед скачиванием! Вот адрес: xx-arena.ru

Барокко — Рококо — галантный стиль — сентиментализм — буря и натиск — Совершенные музыкальные образцы Рококо мы находим в творчестве.

Наибольшее распространение стиль рококо получил во Франции, где ему отдали дань. Ищете, где можно скачать музыку mp3 бесплатно. На нашем.

МК шкатулка для перьев в стиле Рококо

Много ли вы используете стилей в своем творчестве? Шебби-шик, винтаж, гранж, микс медия, американский, clean and simpl….. Сколько сможете еще назвать?
Мы решили расширить свою эрудицию в области художественных стилей и поделиться результатами своих трудов с вами, уважаемые читатели. Наше следующее задание называется «Машина времени». Каждый дизайнер, и наши приглашенные дизайнеры выбрали себе какую-то эпоху, временные рамки, и творили в правилах и настроении выбранного времени.
И мой сегодняшний МК будет по шкатулочке для перьев в стиле «Рококо».
Почитать об этом стиле, наиболее популярным в XVIII веке подробно можно в Википедии.
Я расскажу что именно я старалась отразить в своей шкатулочке.

Рококо — это стиль изящества и воздушности. Витиеватых узоров, цветочных орнаментов, легкости и нежности, роскоши и богатства.В художественном искусстве тех времен главная тема — это молодость, цветение, наслаждение жизнью и всей ее красотой! В мебели это огромное количество искусных резных, объемных элементов. Много позолоты, но  в тоже время она не давит и не преобладает в интерьерах и архитектуре. Шикарная дамская мода на пышные драпировки, высокие и сложные прически, именно с перьями 😉
Итак, МК.
Для начала нам нужна основа — у меня это пластиковая баночка от ватных палочек, цилиндрической формы:

Этикетку нужно снять и тщательно прогрунтовать белой акриловой краской всю поверхность баночки и крышку. Тон должен быть ровный, не просвечивающий. Чтобы поверхность баночки была ровной и декупажные вставки легли ровно после полного высыхания краски нужно ее зашкурить мелкой шкуркой.

  Выбранную салфетку я прикладывала к монитору и обводила понравившиеся места по трафарету. Затем вырезала и сняла белые слои салфетки — остался полупрозрачный цветной слой.

Чтобы между декупажными вставками были равные расстояния я обмерила ширину своей баночки (25,5 см) поделила на кол-во фрагментов (5) и получила длину промежутка, который мне нужно отложить. При этом между фрагментами как раз остается небольшой промежуток.

Чтобы приклеить ровно салфетку на немного выпуклую поверхность нужно быть аккуратной. Я Наношу капельку клея (ПВА напополам с водой) в середину фрагмента и начинаю осторожно водить пальцем по кругу. При этом сначала я как бы смачиваю ближайшую область салфетки клеем, и только вторым движением прижимаю ее к баночке плотнее. Медлить тут нельзя — салфетка намокнет и порвется. Советую посмотреть видео МК как приклеивать салфетку таким способом.

Когда салфетки полностью просохнут нужно покрыть баночку лаком — у меня это акриловый лак-спрей.

Белая «обводка» — это белая ниточка ириса, смоченная в ПВА.Наносится поверх залакированных салфеток. Чтобы если что-то пошло не так не испортить уже сделанный декупаж. Когда ниточки высохнут нужно покрыть все это лаком еще раз.

Надеюсь мой МК был для вас интересным!
Ждем ваших работ по этому заданию с 18 июля.
А задания, которые сейчас проходят в нашем блоге вы можете посмотреть в этом разделе.

Тема «Художественная культура XVIII века: стиль рококо».

В 18 в. вся система культуры подвергается пересмотру. Появляется множество течений, не имеющих точного обоснования. Одним из них является рококо, возникший во Франции как стиль камерный, стиль аристократических будуаров и гостиных. Центром формирования рококо стал салон частного дома, где тон задавали женщины. Женственность стала главным критерием красоты. Сюжеты – любовные, с эротическим подтекстом Вместо колонн теперь появились настенные панно, плафоны и «десюдепорты» — декоративные композиции над дверными и оконными проёмами в виде букетов, раковин, гирлянд, фигурок. Вместо карниза появилась падуга – полукруглый переход, декорированный рельефом из гипса в стиле рокайль (буквально бриллиант и украшение из раковин)– рельефные завитки, переходящие в роспись золотом по белому фону. Арабески – насыщенный, многократно повторяющийся узор. Использование большого количества зеркал над каминами и между окнами. Восточные мотивы: панно, вмонтированные в мебель; зонтики; фарфоровые статуэтки; шкатулки; вазы; подсвечники. Антуан Ватто – создатель нового направления в живописи – «галантные празднества» — это бессюжетные лирические сценки, на которых мужчины галантны, а женщины прелестны, но наивно распутны. Особенности стиля Ватто: эффект намёка рисунок изящен мерцающие краски серого, голубого, розового, лимонно-жёлтого, жемчужно-перламутровый новый стиль орнамента – сюжетная сцена в центре со сплошным кружевом вокруг Картины: «Актёры итальянской комедии», «Любовь во французском театре», «Общество в парке», «Праздник любви», «Урок любви», «Урок пения», «Урок музыки». Франсуа Буше – придворный художник Людовика XV. На своих полотнах изображал пастухов и пастушек (пастораль), мифологических персонажей (Венера, Марс, Вулкан, Амур), развлекающегося общества. Картины: « Триумф Венеры», «Туалет Венеры», «Купанье Дианы». Скульптор Этьен Морис Фальконе прославился работами из бисквита – непокрытый глазурью фарфор. «Милон Кротонский», «Грозящий амур», «Медный всадник». Эпоха Просвещения Эпоха Просвещения длится с 1689 по 1789гг и вызвана в разных странах революционными событиями. На смену старой, феодальной идеологии пришло время философов (рационализм), социологов, экономистов, литераторов, науки (естествознание). 1.Эпоха Просвещения утверждала идею равенства всех людей перед богом, законом и людьми. 2.Главная ценность – знания, всё подчинено определённой логике и разуму. 3.Бог – механик, только изначально сотворивший жизнь и в дальнейшем не вмешивающийся в действия человека – деизм. 4.«Золотой век утопии» — вера в изменение человека к лучшему, создание гармоничное общество. 5.Идеалы: счастье людей, благосостояние, ненасилие, терпимость, вольнодумство, критическое отношение к различным авторитетам.     Д/З Сообщения Английское Просвещение (Локк, Гоббс, Мандевиль, Бентам) Французское Просвещение (Вольтер, Бомарше, Руссо, Дидро Немецкое Просвещение (Гёте, Шиллер, Кант, Лессинг) Русское Просвещение (Бестужев, Ломоносов, Новиков, Радищев) Австрийское Просвещение (Моцарт, Бетховен, Гайдн)   СТИЛИ С XI в. в истории художественной культуры начинает проявляться понятие стиля. Художественный стиль как система комплексного символического отражения духа времени посредством образов искусства возник в европейском Средневековье. Первый общеевропейский стиль – романский, от латинского romanus – «римский». Его признаки: суровость и внешняя простота, сходство с ранними образцами древнеримской архитектуры. Временные рамки господства этого направления – X–XIII вв. Во многом сооружения этого стиля унаследовали черты римской архитектуры. Примером этого стиля могут служить многочисленные башни, крепости XII в. Это сооружения с маленьким количеством окон, толстыми прочными стенами, построенные обязательно в неприступном месте. Готика – один из двух ведущих художественных стилей европейского Средневековья, сочетающий легкость, изящество, декоративность. Он пришел на смену романскому искусству в XIII–XIV вв. Готические соборы стали символами единения небесного и земного, олицетворениями состоятельности города. Стрельчатые арки, окна, башенки и шпили устремляли готический храм к небу, к Богу; большие окна заливали его светом, который воплощал для католиков Божественный свет. Обширно использовался пышный декор с применением золота, резьбы по дереву, религиозной скульптуры. Ранняя готика – это собор Парижской Богоматери в Париже. Более поздняя готика – Руан-ский собор, Реймский собор. Культура XVI–XVIII вв. представлена стилями барокко и классицизма. Барокко – основное стилевое направление в художественной культуре Европы, сочетающее торжественность, пышность, композиционное разнообразие и динамичность форм. Барокко получило распространение преимущественно в католических странах. Барокко от итальянского barocco – «странный, причудливый». Этот стиль характеризуется излишней пышностью, праздностью. Барокко стремилось непосредственно воздействовать на чувства зрителей, ему присущи фантастичность, фееричность и карна-вальность наряду с интеллектуальностью и эмоциональность. Человек в искусстве барокко – многоплановая личность со сложным миром переживаний. Центром развития барокко в XVI–XVII вв. стал Рим. Парковые и дворцовые ансамбли, культовая архитектура, декоративная живопись и скульптура, парадный портрет, а также натюрморт и пейзаж становятся основными видами и жанрами барокко. Мастера римского барокко – зодчий Борромини и архитектор и скульптор Дж. Л. Бернини. Многие церкви построены по проектам этих архитекторов. Грандиозное создание Бернини – собор святого Петра и оформление гигантской площади у этого собора. Он создал множество скульптурных алтарей, явился родоначальником барочного портрета. Классицизм (от лат. dassicus – «образованный») – направление в художественной культуре XVII – начала XIX вв., обратившееся к эталонам древнегреческой классики, культивирующее строгость, прямолинейность, гармоничность, упорядоченность. Эстетика классицизма основана на принципе «облагороженной природы», на стремлении к идеализации действительности. Герой в культуре классицизма исполняет долг перед государством, подчиняет свои личные страсти разуму. Основной эстетический постулат классицизма – верность природе, закономерной разумности мира с объективно присущей ему красотой, находящий выражение в симметрии, пропорции, мере, гармонии, которые и должны воссоздаваться в искусстве в совершенном виде. Художественные произведения подвергались определенной систематизации и иерархии. В XVIII в. западноевропейское искусство находилось в стадии пересмотра всех существовавших ранее ценностей. Новый стиль рококо отразил вкус двора Людовика XV и аристократии, являясь символом пресыщенности и меланхолии. Рококо от французского rocail – «раковина». Этот стиль возник во Франции. Определяющие черты стиля: стремление к изяществу, мелкая деталировка формы, контраст между внешней строгостью зданий и изысканностью их внутреннего убранства, скульптура и живопись отличаются утонченностью, грациозностью. В конце XVIII в. на культурную сцену вышел романтизм. Романтизм – идейно-художественное направление в европейской культуре, связанное с абсолютизацией чувственного начала и интересом к неординарным проявлениям человеческого существа и жизни. Романтизм символизировал интерес к необычному и экстремальному, во главу угла ставил воображение, эмоциональность и творческую одухотворенность художника. Романтизм интересовало все, кроме усредненности. В творчестве писателей представлен: 1) воспевание красоты; 2) культ героических личностей; 3) тема смерти; 4) мистические мотивы. Центральная для романтиков – проблема личности. Познание мира начинается с самопознания. Вторая половина XIX в. ознаменована приходом реализма. Реализм – идейно-художественное направление культуры, связанное со стремлением осмыслить действительность во всей ее полноте и разнообразии с учетом наиболее существенных и типических черт. Реализм противопоставлен романтизму, это символ уравновешенного, спокойного, критического взгляда на жизнь и место человека в ней. Произведения реалистов отличаются: 1) широким образом проблем общественной жизни; 2) тщательным изучением обстоятельств жизни героев. Наиболее полно эти черты отражены в социальном романе. Выступая как ведущий метод, прежде всего в литературе и живописи, реализм ярко проявляет себя в связанных с ними синтетических, «технических» видах искусства – театре, балете, кино, фотоискусстве. Натурализм(от лат. natura – «природа») – идейно-художественное направление в европейской культуре последней трети XIX в., характеризующееся повышенным вниманием к среде обитания людей, к ее влиянию на человека. По мнению натуралистов, художник должен изображать мир без прикрас, подчиняясь лишь правде позитивной, экспериментальной науки. Главные признаки натурализма – фотографичность и деэсте-тизация художественной формы. Модернизм (от франц. modern – «новый, новейший») – совокупность эстетических школ и течений конца XIX – начала XX вв. Это направление характеризуется разрывом с традициями реализма и других предшествующих школ. Существует большое количество модернистских школ и направлений. Особо широкое распространение получили: символизм, сюрреализм, абстракционизм, футуризм. В конце 60 – начале 70-х гг. XIX в. во Франции сформировался импрессионизм, характеризующийся стремлением запечатлеть мир во всей его подвижности и изменчивости. Темой и сюжетом импрессионистского произведения может стать одно только непосредственное впечатление от увиденного. Импрессионизм стал новым художественным видением мира. Сюрреализм – это течение затронуло почти все виды искусства. Его специфика заключается в исключительно фрейдистском подходе к творчеству. Его метод – чистый психический автоматизм, разрыв логических связей. В манифесте сюрреалистов главным пунктом было освобождение от оков интеллекта, от морали и традиционной эстетики. К этому направлению относится творчество С. Дали, П. Пикассо, В. Кандинского. Символизм – идейно-художественное направление в европейском искусстве рубежа XIX–XX вв., использующее в качестве выразительных средств разнообразные символы: идеи-символы, образы-идеи и т. д. Свою задачу символисты видели в познании и художественном воспроизведении сущности, которую можно понять только с помощью интуиции. Настроение и идеи художники-символисты выражали через символику цвета, линии и формы. Русские символисты – В. Иванов, А. Белый, В. Хлебников, А. Блок. Постимпрессионизм возник в конце XIX в. как реакция на импрессионизм. Он имеет следующие отличительные черты: 1) особое внимание к форме, декоративная стимуляция; 2) символика использования цвета; 3) новые приемы построения пространства и объема. Постмодернизм. Постмодерн – совокупность идей, характеризующая современную культуру; течение, охватывающее философию, литературу, искусство, гуманитарные науки. XX столетие – век постмодернистской культуры. Термин «постмодерн» впервые употребил Р. Панвиц для характеристики кризиса европейской культуры. Этот термин широко используется, но однозначного определения этого термина нет. Можно выделить основные черты, характерные для постмодернистского мировоззрения: 1) главные его ценности – новизна, свобода во всем, стихийность, отказ от любых авторитетов; 2) негативное восприятие прошлого, стремление избавиться от власти традиций, пренебрежительное отношение к старости, культ молодежи; 3) критическая оценка способности разума к познанию истины; 4) стремление освободиться от власти языка, т. к. слова упорядочивают мир, т. е. язык является средством принуждения; 5) абсолютизация нового, понимание новизны как способа получения наслаждения, стремление к новому; 6) электризм (игра с хаосом), где смешаны ценности и ориентиры, где рушатся и вновь создаются мнения и предпочтения; 7) принцип деконструкции – освобождение текста от культурных наслоений, «освобождение» культуры от истории. Бинарная оппозиция понятий модерна и постмодерна говорит о том, что принципы постмодернизма не были заимствованы из предыдущей эпохи. Они сформировались самостоятельно. Постмодернизм ничего не заимствует из традиции. Он просто порывает с ней. Ортега-и-Гассет в своей работе пришел к выводу, что основные принципы искусства XX в. – это дегуманизация, отказ от изображения живых форм, превращение творчества в игру, тяготение к иронии, отказ от трансцендентности. Негативное отношение к прошлому, к классике, к традиции – норма для культуры постмодерна. В своих исканиях постмодерн дошел до крайности: смешал стили, уровнял греховное и святое, высокое и низкое, превратил текст в шизофренические высказывания, начал играть с языком вне всяких правил грамматики.     Не нашли то, что искали? Воспользуйтесь поиском гугл на сайте:

Архитектурные стили и их особенности. Романская архитектура. Готика. Барокко. Конструктивизм

Содержание статьи:

Архитектура — это и процесс, и продукт планирования, проектирования и строительства зданий или любых других сооружений. Архитектурные работы в материальной форме зданий часто воспринимаются как культурные символы и как произведения искусства. Исторические цивилизации часто отождествляются с их сохранившимися достижениями.

В разрезе архитектуры мы конечно же можем поговорить о ее разновидностях, а именно стилях, каждый из которых отличается, вносит что-то новое. Сочетаясь друг с другом, они и создают то самое архитектурное разнообразие, к которому мы так привыкли.

Вам будет интересно:Игорь Ожиганов: картины, биография, отзывы

В статье рассматриваются главные архитектурные стили и их особенности (Западная, Центральная Европа и Россия), начиная со средних веков, определяются особенности и отличительные признаки различных стилей, отмечаются лучшие образцы сооружений, различия разработки стиля в разных странах, указываются основоположники и продолжатели каждого из стилей, описываются временные рамки существования стилей и переходы от одно стиля к другому.

Что такое архитектурный стиль

Начальные его варианты появились при возникновении первых больших цивилизаций, каждая из которых оставила свой след в архитектуре. Кто не знает о египетских пирамидах, сфинксах или о зиккуратах Южной Америки. Пожалуй, не найдется ни одного человека хотя бы немного знакомого со строениями разных цивилизаций.

Но тема главных архитектурных стилей и их особенностей в глобальном масштабе слишком обширна, вернемся к Европе. Именно здесь есть множество различий и можно рассмотреть их главные особенности.

Романский стиль и его особенности

Вам будет интересно:Лучезарные картины Александра Маранова

Одним из первых стилей зодчества в средние века следует считать романский стиль, который широко распространился в XI-XII веках и был порождением крестовых походов, междоусобных войн и Европы, еще не разделенной на государства. Наличие общего стиля не исключало существования различных местных архитектурных школ. Пока выделяются только города, имеющие свою власть, сами себя защищающие, концентрирующие товары и деньги и часто переходящие из рук в руки. От архитектурных сооружений того времени требовалась прежде всего защитная функция. Поэтому как крепостные стены городов, так и здания в городах должны были быть прежде всего большими, массивными и способными защитить горожан.

Уходят от применяемых ранее материалов, заменяют дерево на другие, более прочные. Это камень и кирпич, дополненные металлическими деталями (железо, бронза). Окна в таких зданиях (обычно это храмы и замки, а затем и дворцы феодалов) делались небольшими и узкими, стрельчатыми, расположенными в верхних частях зданий для защиты от огня и стрел. Большинство замков располагались на горе или вершине одного или ряда холмов. Сооружения возвышались над окружающими постройками и воспринимались как одна нерушимая твердыня. Ядро крепости составляла обычно круглая (реже квадратная) башня – донжон — убежище феодала. К раннему романскому стилю можно отнести замки и дворцы в большинстве стран Западной и Средней Европы. Замок в Лоше (X век), крепость Гайар, город–крепость Каркассон (XIII-XIV века), Аббатство Мон Сен Мишель (заложен в XI веке) во Франции лучше других сохранили свой первоначальный облик. Характерны для романских храмов и сводчатые подземные помещения – крипты, которые предназначались для хранения реликвий и погребений. В плане романский храм – латинский крест и башня со шпилем в центре. Интерьер воздействует мощью пространства, удлиненной и высокой средней частью, обилием тяжелых арок и массивных колонн. Он порождал ощущение спокойного величия и неподвижности. Традиционные римские формы были приняты без изменений: гладкие стены, полуциркульные арки, колонны и столбы. В ранний период капители колонн покрывались орнаментом. Это были изображения растений и животных, в эпоху зрелости стиля частенько применяется уже капитель со скульптурами.

Готическая архитектура

Вам будет интересно:Фердинанд Ходлер: краткая биография, карьера художника, известные произведения

Романский и готический стили в средневековье были исключительными и повсеместными в Европе. Религиозное по форме сурово-торжественное готическое искусство более духовно, чутко к жизни и человеку. Это храмы статики, привязанные к месту согласно архитектурному стилю. Готика – более зрелый представитель средневековья, чем романский.

Каждый средневековый город гордился в XIII-XVII веках соборами, ратушами, биржами, крытыми рынками, госпиталями, сосредоточенными обычно вокруг треугольной площади, к которой текли разномастные улочки. Грандиозные готические соборы резко отличались от церквей романского стиля. Они были высоки, вместительны, нарядно декорированы. Их формы поражали динамичностью, легкостью и живописностью, определяли и строили пейзаж. Вслед за соборами вверх устремлялись жилые застройки: увеличивалось количество этажей, вытягивались вверх двускатные щипцовые крыши. Город развивался вверх. Собор был центром жизни города. Движение построек вверх обусловливалось стремлением души к небу и теснотой городской застройки внутри крепостных стен. Башни соборов были одновременно дозорными и играли роль пожарной вышки. Иногда их увенчивали фигурой петуха — символом бдительности.

Готика, как и другие архитектурные стили и их особенности, применяла множество конструктивных новинок: сложной и логичной становится система свода, появляется устойчивая каркасная система, появляются внутренние ребра-нервюры и внешние опоры – контрфорсы. Сводчатые перекрытия до предела облегчаются, широкие пролеты и различные отрезки пространства перекрываются, свод поднимается и храм наполняется светом. Характерная черта готики как стиля – стрельчатая арка. Ее повторение в рисунке свода, окон, порталов усиливает ощущение легкости и изящества. Классические примеры готики – соборы Франции в Париже, в Амьене, Реймсе, Шартре.

Ренессанс в архитектуре

Говоря об архитектурных стилях, нельзя обойти вниманием и сооружения эпохи Ренессанса, характеризующейся интересом к человеку как мыслящей и чувствующей личности, возвращению к лучшим образцам античности. Первым архитектором ренессанса принято считать Ф. Брунелески — мастера возведения куполов. Он применяет в своих работах во Флоренции новые конструкции, каркасную систему зданий, новые формы и способы постройки купола. В этом же городе работают и его последователи, создатели дворцов Ручеллаи и Строцци, Альберти и Бенедетто да Майано.

Представители высокого Возрождения: Браманте, Сангалло и Палладио работали в Риме, соединяя античные римские элементы с современными им традициями. Творчество Палладио несомненно продвинуло развитие зодчества, обусловив архитектуру классицизма в Англии, Франции и России.

Вам будет интересно:Средневековый орнамент: виды рисунков, их роль в искусстве и описание с фото

Наступление феодально-католической реакции в XVI веке приводит к тому, что в архитектуре усиливаются условно декоративные элементы. На смену Ренессансу приходит эпоха барокко.

Архитектурный стиль барокко и его особенности

В лучших произведениях каждого стиля явно просматривается общее направление движения: вниз — у романского стиля, вверх — у готики, к алтарю — у барокко.

Черты барокко: тяготение к максимально большим размерам, сложным формам, монументальности и пафосу. Отсюда идет идеализация образных решений, повышенная эмоциональность, гиперболичность, изобилие богатых аксессуаров и деталей. Архитекторы барокко используют сложные ракурсы, световые и цветовые контрасты. Скульптура и живопись подчиняются архитектуре, находясь с ней в постоянном взаимодействии. В это время создаются архитектурные ансамбли, включающие природу, преобразованную человеком. Блестящим центром барочной архитектуры становится Рим.

Архитекторы барокко не вводят новые типы зданий, но находят для старых построек новые композиционные и декоративные приемы, которые совершенно меняют форму и содержание архитектурного образа. Ф. Борромини заменяет прямые линии и плоскости изогнутыми, скругленными, извивающимися. В палаццо Барберини, вилле дЭсте в Тиволи зодчим мастерски использованы рельеф местности, водоемы, павильоны и скульптурные группы.

Барочные Работы Бернини (архитектор, скульптор, живописец): церковь Сант Андреа в Риме, окончание многолетнего строительства собора Св. Петра в Риме. В проект строительства собора, кроме грандиозной колоннады (сотни колонн), включены были два фонтана и обелиск между ними.

Следующим этапом и ступенью развития архитектуры становится классицизм.

Сравнение барокко и классицизма

Триумф централизованного государства и единовластия отражается в монументальных сооружениях. Ансамбли обретают невиданные масштабы. Самый яркий пример такого ансамбля – Версаль в 17 км от Парижа. При его строительстве были применены ордерные системы античности. Целостность в построении объемов и композиций зданий повторяет Рим и Грецию, утверждается строгий порядок и симметрия (французские парки).

Лувр как произведение зрелого классицизма послужил образцом для многих государственных учреждений Европы.

А в Риме продолжается парадное шествие барокко: Испанская лестница, большие христианские базилики Сан Джованни и Санта Мария Маджоре, перегруженная деталями композиция фонтана Треви. Барокко и классицизм идут рядом.

Стиль барокко предполагал рассматривание и любование деталями. Классицизм же требовал зрительского охвата всего ансамбля разом с его природным и созданным человеком окружением.

Изысканный стиль рококо

С угасанием XVII века стили барокко и классицизма сменяются новым художественным направлением — рококо. Архитектура в этом стиле постепенно отходит от грандиозных ансамблей, однако тяга к роскоши лишь приобретает новую форму. На смену замку XVII века приходит городской дом – отель, утопающий в зелени садов. Это, как правило, небольшой особняк аристократии или разбогатевших купцов и ростовщиков. В особняках рококо характерное для классицизма единство наружного внутреннего распадается, нарушается логическая ясность, четкость и подчинение частей целому, но криволинейность и изящество способствуют впечатлению легкости и жизнерадостности.

Типичный образец интерьера рококо – интерьер отеля Субиз Ж. Боффана. Пространство задается овалом в плане отеля. Все детали отделки переплетаются, играют и сверкают, зеркала многократно отражают изгибы, расширяя пространство и уводя от реальности. Отличительные признаки архитектурного стиля рококо налицо.

К середине 1750-х стиль рококо подвергается резкой критике. Сравнение рококо, барокко и классицизма оставляет победу за последним.

В Париже Ж. А.Габриэль (площадь Согласия) и Суфло (Храм Пантеон) уже возвращаются в работах к тенденциям божественных пропорций классицизма.

Работа К. Н. Леду — проект промышленного города

Проблему городского ансамбля К. Н. Леду решает, идя от классики, но в то же время смело ломая ее каноны, отказываясь от ее деталей и украшений. Основное значение в его работах имели суровые геометрические объемы, мощная каменная кладка.

Леду создал проект промышленного города Шо и частично его осуществил. В ансамбль входили Дом Дружбы, Дом Братства, Дом Воспитания. Этот проект — предтеча конструктивистских идей и построек советского периода в России.

Ампир как архитектурный стиль

Во время Наполеона искусство как при Людовике XIV подвергается строгой государственной опеке. Классицизм перерождается в тяжеловесный и торжественный стиль ампир. Он умел придавать зданиям самого различного назначения античные архитектурные формы. Излюбленным мотивом ампира становится мотив триумфальной арки. Архитектор Ф. Шальгрен завершает Триумфальную арку в честь императора на площади Звезды в Париже, которая заканчивает панораму города. Арка несет печать холодной парадности. Ш. Персье воспроизводит античную арку на площади Карусель. Стиль ампир забирается в тяжеловесную мебель, в дополнения интерьеров, где присутствуют мотивы сфинксов, грифонов, химер.

Ампир – последний большой стиль XIX века.

Эклектика

Промышленное производство ширится, прирост населения вызывает жилищную нужду, проблемы дорог требуют развития архитектурных направлений. Архитекторы напрямую зависят от заказчиков-предпринимателей. Строительство в городах ведется без генеральных планов. Главное условие строительства – экономичность, дешевизна и удобство. Появляются всевозможные элементы эклектики, старые стили смешиваются в новых постройках. Специфический язык, основанный на применении в архитектуре новых инженерно-конструктивных форм, еще не успели выработать. Господство эклектики и подражание самым разным архитектурным образцам будет тянуться до конца века.

Новый век — новая архитектура

Все более общественным становится техническое развитие, бурно растет производство. Потребность в размещении рабочей силы требует ликвидации жилищной нужды. Все это вызывает массу насущных, требующих безотлагательного решения, архитектурных проблем.

Зодчество не может быть оторвано от решения этих задач, поставленных жизнью. Поэтому в XX веке сложились все условия для подъема архитектуры. На смену эклектике XIX века приходят поиски цельного стиля, основанного на применении новых конструкций и материалов. Это сталь, бетон и железобетон, стекло, висячие покрытия, фермы.

Предвестником его архитектуры стала Эйфелева башня, возведенная на Всемирной Парижской выставке 1889 года. Г. Эйфель изначально понимал, что она лишена какого-либо утилитарного значения и использования. Сколько же упреков и ругани выдержал за этот самый посещаемый туристами объект архитектуры Парижа его автор.

Стиль модерн значит «современный»

Вам будет интересно:Обратная перспектива в иконописи: описание, техника исполнения

В конце XIX века заявило о себе направление, получившее название «модерн». Создатели конструкций этого стиля стремились к рационализации сооружений, применяя железобетон, стекло, облицовочную керамику и другие новые материалы. Но получение свободы из-за новых свойств разнообразных материалов привело к развитию поверхностного декоративизма, к нарочитой подчеркнутости кривизны.

Католики окрестили новый стиль «богохульством из стали, стекла и наглости».

Извилистые узоры металлических переплетов, балконных ограждений, изгибов кровли, криволинейные формы проемов, стилизованный орнамент нередко очень напоминали исторические стили прошлого. Модерн оказал большое влияние на декоративное и прикладное искусство, но не создал новой художественно-архитектурной системы. Решающий перелом в развитии архитектуры наступает после первой мировой войны.

Основные принципы и архитекторы постмодернизма

Постмодернизм в архитектуре 1970-2000 годов – движение, стремящееся в первую очередь к максимальной выразительности каждого из своих творений и оригинальности. Для этого постмодернизм широко пользуется творениями других архитекторов всех эпох, повторяет их, применяя самые новые строительные материалы и вписывая знакомые объекты в совершенно иную среду, частично дополняя и меняя их декор. В творениях сквозят то черты барокко, то элементы готики. Известные практики постмодернизма: Р. Вентури, А. Росси, П. Айзенман и другие. Примером постройки постмодернизма в архитектуре 1970-2000 годов может служить Кривой дом в городе Сопоте.

Появление и широкая поступь конструктивизма

Старые города не отвечают духу времени. Экономичность и недостаток места требуют новых форм расселения рабочих и новых проектов расширения городов. Вокруг больших городов появляются города-сады с индивидуальными жилыми домами, рабочие поселки, промышленные города. Появляются проекты жилья с экономными типовыми квартирами для населения. Требования к домам, как и к автомашинам, типизированы. В проектирование городов нового типа, заводских поселков и крупных промышленных объектов все больше внедряются принципы унылой функционально-конструктивной системы.

В художественном образе города растет роль автострад, мостов, транспортных развязок.

Пожалуй, самое большое воздействие на архитектуру XX века оказал мэтр мировой науки зодчества Ле Корбюзье – основоположник конструктивизма, постоянно вызывавший на себя перекрестный огонь. Его идеал — простота и доскональная выверенность объемов, применение железобетона, открывшего сверх возможности для непривычных городских композиций. Именно Ле Корбюзье выдвинул идею застройки города небоскребами, полную замену его транспортной системы, мудрое зонирование всех территорий города.

Его проекты просто сметают старые представления о способах городской застройки, остающейся еще с эпохи феодализма. Наиболее известные работы Корбюзье: общежитие в Париже, вилла в Пуасси и др. В экспериментальном 17-этажном жилом доме в Марселе он стремится создать жилье, наполненное светом, воздухом и жителями.

Характер конструктивизма пояснен в здании Баухауза в Дессау. Оно включает несколько корпусов-прямоугольников. Его особенности: контрасты гладкого бетона (стены) и горизонтальных огромных окон в виде прорезей, отсутствие любых украшающих деталей, крайние степени лаконизма, т. е. наиболее типичные черты конструктивистского стиля.

Такое точное следование стилю конструктивизма сделало ансамбль сухим и скучным.

Особое значение архитектурный стиль конструктивизм приобрел в России. После Октябрьской революции он стал поддерживаться властями. Его направленность на коммунальную жизнь народа, на строительство сооружений, объединяющих людей по каким-то признакам (Фабрики-кухни, Дома культуры, Дворцы пионеров или Металлургов и т. д.) помогали поддерживать господствующие всюду идеи и лозунги единства, братства, коллективизма и прочее, что вполне устраивало советскую власть. Жилые дома строились без архитектурных излишеств, проекты стали типовыми и похожими, как близнецы, квартиры — малогабаритными. Затем одинаковые здания начали красить в разные цвета — делать красивыми и недорогими.

А врагами власти стали архитекторы, отстаивающие архитектуру как искусство, пытающиеся сохранить памятники зодчества со всякими архитектурными излишками.

Стиль хай-тек в архитектуре

Этот стиль предполагает использование сверхсовременных материалов для воплощения сверх оригинальных проектов, похожих на декорации фильмов о будущем или жизни на других планетах. Функциональность и яркость, необычность пространственных решений и жилых застроек, уникальность транспортных магистралей, промышленных комплексов переносят нас в далекое будущее. Однако постройки хай-тека выглядят достаточно тяжеловесными из-за использования брутальных материалов. Этот стиль зачастую создает напряжение и беспокойство, а иногда и страх внушает. Хай-тек лучше применять там, где нужна динамика, драйв: стадионы, концертные и кинозалы.

В основу хай-тека легли работы таких архитекторов как Н. Фостер, Р. Роджерс, Н. Гримшоу и Р. Пиано в 70-х годах XX века. Но первые попытки хай-тека начались еще в XIX веке – это Хрустальный Дворец Д. Пакстона.

Ярким примером хай-тека может служить здание «Фуджи TV», построенное в столице Японии.

Деконструктивизм как архитектурный стиль

Линейку архитектурных стилей и их особенностей закончит деконструктивизм. Он явно навеян фильмами катастроф. Стиль деконструктивизм — это архитектурное течение (началось в 80-х годах прошлого века), которое предполагает мощное агрессивное вторжение конструкций и сооружений в городской пейзаж. Работы деконструктивистов визуально разбивают устойчивость окружающей городской среды, просто деморализуют ее размерами и формой сооружений. Примерами деконструктивизма могут служить Пожарная часть Захи Хадид и Музей Фрэнка Гери.

Источник

Пожалуйста.Проанализируйте архитектуру классицизма,барокко и рококо.Выявите характерные черты каждого стиля.

Петр I

Итоги правления

На протяжении почти всей своей деятельности Петр вынужден был вести тяжелую, жестокую войну. Но при этом он не был завоевателем. Территориальные присоединения при Петре были оправданы жизненно необходимыми интересами страны. Географически Россия всегда была частью Европы и лишь историческая судьба разделила развитие западной и восточной части одного континента. Значение петровских преобразований в том и состоит, что они сделали международные отношения на нашем континенте подлинно общеевропейскими. Это всемирно-историческое событие приобрело огромную важность для всей последующей истории Европы, вплоть до наших дней.

В правление Петра отсталая страна совершила огромный скачок в промышленном развитии. Появилась первая печатная газета, были открыты первые военные и профессиональные школы, возникли первые типографии, музеи, публичные библиотеки, театры и многое другое.

Детищем Петра по праву считается военно-морской флот, а также регулярная армия, великолепно обученная и столь же хорошо вооруженная. При Петре они навеки прославили русское оружие.

Перечисленные новшества позволили России сокрушить первоклассную Шведскую армию и войти в ранг великих держав.

Оценивая положительное значение преобразований Петра, нужно помнить, что его политика носила классовый характер. Преобразования эпохи осуществлялись за счет огромных жертв трудового населения. Это его усилиями воздвигался Петербург, строились корабли, сооружались крепости, каналы, дворцы. На плечи народа легли новые тяготы: были увеличены налоги, введена рекрутчина, производились мобилизации на строительные работы. Русские воины проявляли чудеса храбрости в сражениях.

Политика Петра была направлена на возвышение дворянства. Его реформы укрепили господствующее положение дворянства в феодальном обществе. Дворянское сословие стало более монолитным и образованным, повысилась его роль в армии и государственном аппарате, расширились права на труд крепостных крестьян. Приобретенные морские гавани обеспечили помещикам и богатым купцам выгодные условия сбыта продуктов крепостного хозяйства.

Но при этом классовая направленность преобразований не исключает их громадной общенациональной значимости. Они вывели Россию на путь ускоренного экономического, политического и культурного развития и вписали имя Петра, инициатора этих преобразований, в плеяду выдающихся государственных деятелей нашей страны.

Петр I вовсе не был богочеловеком, которому следует воздвигать алтари во всех российских городах. Просто он был и навсегда останется тем коронованным деятелем России, который действительно заслужил всемирную славу и вечную признательность русских людей

Рококо В Петербурге

Скидки и цены на рококо в Санкт-Петербурге от надежных продавцов.

Строительство коттеджей в стиле рококо в Санкт-Петербурге

Здание Главного штаба с комплексом из трех Триумфальных арок было сооружено на Дворцовой площади в 1819-1823 годах (скульпторы В. И. Демут-Малиновский и С. С. Пименов). В большинстве своем все это позолочено. Их можно сравнить с изящными коробочками-бонбоньерками. Элементы архитектурных ордеров рельефно выступали на фасадах и внутренних стенах.

Это простое и в то же время элегантное снаружи здание. Южная граница города дошла до Фонтанки. Идея Леблона принимается, а план— нет. К нему примыкают четыре флигеля по бокам. Тем не менее швы до сих пор остаются «больным местом» крупнопанельных зданий и требуют постоянного ремонта.

Также были уничтожены целые кварталы исторической застройки. Стены — светло-жёлтые, позолоченные оконные переплёты, тёмно-розовые барельефы и красная кирпичная крыша с флюгером в виде фигуры Георгия Победоносца. Архитектура рококо меньше всего заботилась о целесообразности и рациональности. Период 1932-1936 годов иногда называют «Постконструктивизмом», он характеризует переходный период к монументальной пропаганде сталинского периода.

Клавесин XVII в. Крупные музыкальные формы (оперы, балеты) состояли из небольших номеров, обычно связанных между собой. Так и Каменный дом больше похож на парковый павильон, чем на настоящий дворец. В архитектуре церквей, таких, как церковь в Фирценхайлигене (1743-1772 гг. ) (архитектор Нёйман), пространственные конструкции, торжественность барокко превосходно сочетаются со свойственным Рококо изысканным скульптурным и живописным внутренним убранством, создавая впечатление лёгкости и сказочного изобилия.

Для таких грунтов характерны значительные и неравномерные осадки зданий, продолжающиеся в течение десятков и даже сотен лет. Однако здания одних и тех же архитектурных направлений есть во многих российских городах. Были обновлены правила градостроительного зонирования и высотные ограничения застройки. Как правило, это прямоугольные здания, стены которых ориентированы по сторонам света. А могло быть осмыслением наследия эпохи ренессанс — как Московский и Ленинградский вокзалы.

Техника рококо в Санкт-Петербурге

Для обширных торжественных залов характерно наличие двух рядов окон. В них, например, проходит значительная часть тоннелей петербургского метро. Могло быть готическим — так была возведена усадьба Царицыно в Москве. Но в целом зданий в стиле неоготики в Санкт-Петербурге очень мало.

Причиной популярности хаотизма по мнению архитекторов также послужила его дешевизна, по сравнению со стаканизмом, а также то, что постройки не так сильно диссонируют с историческим ансамблем, оживляют архитектуру города и делают его более динамичным при этом архитекторы стремятся не нарушать «красную линию города» и проектируют здания в основном для внутренних дворов56. выше), особняк Н. В. Спиридонова (1895—1896, А. Н. Померанцев, Фурштатская улица, 58). Над внешним видом каждого «фасада» могут работать разные архитекторы. Louis-Roland – французский скульптор и резчик, работал в России в 1746 г, возглавлял класс «орнаментальной скульптуры» в Академии Художеств), Н. Ф.

Модерн, проявившийся прежде всего в особняках, являлся (как и в своё время барокко) отходом от прямолинейных, упрощенных форм, диктуемых часто несовершенством строительных конструкций. А также здание Банка России и Сандуновские бани. Пушкина (Москва)Картина иллюстрирует эпизод новеллы Лафонтена «Отшельник». Таким образом, стиль ампир (в ином прочтении поздний классицизм), обрамленный в начале и в конце периода двумя грандиозными храмовыми зданиями— Казанским и Исаакиевским соборами, завершил важнейший этап в развитии города, во время которого были созданы множество уникальных архитектурных произведений. В 1790 году здание реконструировалось по проекту архитектора Андрея Воронихина.

Мебель в стиле барокко в интерьерных салонах в СПб

р. Фонтанки, 21 оригинальные круглые окна второго света) и здания Городской думы (Думская ул., 1-3). Это был поворот к традициям Древней Греции и Древнего Рима. Первый раз готические мотивы появляются в Санкт-Петербурге в 1777 году, когда Ю. М. Фельтен строит Чесменский дворец, Чесменскую церковь (ныне улица Гастелло, 15), а также Церковь Рождества Иоанна Предтечи на Каменном острове. Ты не можешь это сделать, тебе нужно заново покупать билет.

В составе парка присутствуют искусственные водоемы, многочисленные декоративные деревья и кустарники. К этому стилю иногда относят Храм Спаса-на-Крови (см. И внешний облик дворца и композиция интерьеров создавали эффект бесконечной протяженности (лента дворца составляла 306 м) при нарастании масштабов к центру. Архитекторы выбирали («эклектика») элементы стилей различных исторических эпох («историзм») для постройки современных сооружений. Он жил и творил только в России и стал истинно русским зодчим.

Барокко в архитектуре Санкт-Петербурга

Как и барокко, рококо отличает неумеренная, пышная декоративность. Различные течения постмодернизма могут не иметь ничего общего между собой и даже противоречить друг другу. Валлен-Деламот возводит Северный павильон и Висячий сад Малого Эрмитажа (1764-1775 годы, Дворцовая наб., 36), откуда берёт своё начало знаменитый музей.

Обводного канала, 118). Развивалось жилищное строительство.

Ф. Буше «Пейзаж с отшельником» (1742). Туалеты сложно найти. 1949г. ) и его последователей.

На фасадах использовались рустика, мозаика, майолика, витражи, металл. Предполагалось проживание к 2005 году в Ленинграде 5400-5500 тыс. Необычна его форма — квадрат с одним срезанным по плавной дуге углом. Над роскошным зданием трудились зодчие Джованни Фонтана и Готфрид Шедель.

Тем самым было временно ограничено «расползание» столицы вширь, ускорена застройка центральных районов. чел., (больше, чем в Москве, но меньше, чем в Лондоне, Нью-Йорке, Париже, Берлине, Вене). В этом стиле работали Ф. И. Лидваль, А. А. Парланд, А. Н. Померанцев и др. Рамо, «Венецианские празднества» и «Галантная Европа» Кампра. Их обвинили в том, что «башенные надстройки, декоративные колоннады, портики и другие архитектурные излишества» отвлекают финансовые средства от строительства необходимого жилья.

Мягкая мебель в стиле рококо или барокко б/у по низким ценам

Он имеет типичную прямоугольную форму. Каменный дом напоминает парковый павильон. А. С. В плане он является квадратом с одним срезанным по дуге углом. В конце века население города увеличивалось примерно на 40 тыс. После демонтажа, грандиозной перестройки и строительных работ, которые длились четыре года и появился современный дворец, выполненный в стиле Русское барокко.

Кресла и диваны с удобными спинками и мягкими сиденьями изящная мебель малых форм, украшенная изогнутыми ножками, сложным орнаментом, в котором присутствовали мотивы причудливых растений и птиц, фигурки крылатых младенцев и т. д. Ансамбль площади завершил в 1834 году Огюст Рикар Монферран, воздвигнув в центре площади, триумфальную колонну в честь победы над Наполеоном.

Украшением здания стал фронтон с гербом династии Строгановых. Эти слои почти везде покрыты слабыми и неоднородными водонасыщенными пылевато-глинистыми грунтами прочностью не выше 0, 15 МПа, что затрудняет наземное строительство2. Фасад также украшает лепнина, горельефы с ангельскими ликами, а парадные колонны составляют портик. Но если «золотой век» русской литературы, живописи и музыки только начинался, то «золотой век» русской архитектуры близился к закату. Рукава платья украшают лентами, каскадами кружев. Рядом со зданием находится парк.

Сооружения в стиле барокко ослепляют пышностью, роскошью. Временные рамки той поры относительно невелики: примерно 1740-1760 годы. Женская мода Рококо отличается неимоверно пышными юбками – панье, которые держаться на каркасе и корсеты.

Зимой 2008г. Фонтанки, 183) и др. Компоновка помещений принята анфиладной, аналогично барокко. Основоположником этого направления в архитектуре считается К. А. Тон. Среди тканей наибольшей популярностью пользуются сатин и атлас. В России классицизм проявился тоже ярко и самобытно. Неорусский (иногда называемый «псевдорусским») стиль возник в 1830—1840-х годах под влиянием роста интереса к истории России и следования имперской официальной концепции народности Николая I императора Всероссийского в 1825—1855 годах.

Если Вы хорошо учились в школе, то помните, как А. С. Сама по себе эклектика, понимаемая как смешение различных стилей, не являлась новым явлением: смесь архитектурных ордеров встречаются в оформлении Адмиралтейства, Дома Чичерина на Невском проспекте и других зданий ряд творений (например, Чесменский дворец Ю. М. Фельтена) выбивался из стилистического ряда своего времени. Допетровская архитектура XVII века в России носит название «русское узорочье», воплощенное в основном в храмовой архитектуре и носившее следы византийских традиций Московской Руси.

Ещё одно здание в «петровском манире» находится в Царском селе и украшает его уже 300 лет. А сейчас об этом даже опасно говорить: заплюют и засвистят, если не больше. Суть хаотизма заключается в том, что здание строится в простой геометрической форме, а его окна расставлены в несимметричном порядке. В 1765 году введены ограничения на высоту зданий (10 сажен), на размещение промышленных предприятий, утверждены образцовые проекты зданий.

«Кирпичный стиль» формировался на рубеже перехода от эклектики к модерну (в основном под влиянием немецких архитекторов) и характеризовался наличием значительных неоштукатуренных фасадных поверхностей, не исключая, однако, керамических и каменных вставок. Пушкин, начинавший с разных «гениев» и «Аполлонов», впоследствии создал «Дубровского» и «Капитанскую дочку» безо всяких античных аллюзий. В. П. Стасов является предтечей неорусского стиля XIX века.

Рококо, Санкт-Петербург, Северо-Западный округ

Михаила (1874-1877 годы, архитекторы Р. Е. Бергман и К. К. Бульмеринг, Средний проспект Васильевского острова, 18), но и в светских зданиях, например, в здании приюта им. по проекту Пьера Алексиса Деламера (1675—1745).

Часто этот стиль называют «эклектизмом», в отличие от более ранней эклектики и датируют довольно чётко: между 1932 и 1955 годами, с перерывом на Великую Отечественную войну. С. П. Елисеева (пр. По его рисункам работали мастера И. Дункер (Иоганн Дункер – резчик изготавливающий макеты-образцы), Л. Роллан (Луи Роллан. Архитектура XVIII века в Англии и англоязычных странах получила название георгианской (от имени короля Георга).

Для вашего вдохновения: мировые архитектурные стили

18— нач. На памятнике, созданном скульптором М. М. Шемякиным и архитектором В. Бухаевым, нанесены фамилии мастеров: Шлютер (1669—1714) Жан Батист Александр Леблон (1670—1719) Доменико Андреа Трезини (1670—1734) Бартоломео Карло Растрелли (1673—1744) Бартоломео Франческо Растрелли (1700—1771). При этом постмодернизм— скорее идеологическое понятие, чем конкретный стиль47.

Среди жилых домов Ленинграда, построенных в стиле конструктивизма, выделяются две условные категории: «дома для специалистов» и «дома для рабочих», характеристики которых значительно отличались. Композиции зданий строго симметричны, торжественны. В интерьере отеля особенно интересен Овальный салон («салон Принцессы»), созданный в стиле рококо архитектором, скульптором и декоратором Жерменом Боффраном (1667—1754).

Экскурсия в терем духовных Христиан Трезвенников, Вырица

При этом создаваемые здания были и функциональны и красивы. Без Дворцовой площади и набережной Зимний представить нельзя то же и Петергофе и в Ораниебауме и везде. Нет фудкорта существующие пару кафе внутри здания очень дорогие и всегда забитые. Среди них Андрей Воронихин, Андрей Штакеншнейдер и Луиджи Руска. человек. апостолов Петра и Павла в Шуваловском парке (1831—1836 годы, А. П. Брюллов, Парголово, улица Вологдина, 13) Лютеранская кирха св.

Огромные юбки принимают уже даже не круглую, а овальную форму. Это Екатерининский дворец в Царском Селе.

Эпоха барокко в Санкт-Петербурге

Жизнь-удовольствие, такова идея искусства этого периода. Эти панели обычно имели размер «на комнату» для уменьшения количества наружных швов. 19 в. ).

Отныне декор интерьера становится отдельной частью архитектуры. Для него также характерны большие размеры (около 500 м) и строгая внешняя прямоугольная форма. В целом площадь образует торжественный ансамбль, посвящённый воинским победам. В основном здания представляют собой сооружения простой геометрической формы с преимущественно остеклённым фасадом, при этом архитектор фасада при попытке в некотором смысле подражать исторической фоновой постройке делал фасад более округленным и дополнял его частично или полностью стеклянными башнями на крыше или прикреплёнными в углу здания, которые иногда дополнялись стержнями— «псевдоколоннами». Но если формы барокко пластичны, то в рококо они измельчены. Фасад Зимнего дворца складывается из четырёх частей.

Но как при этом избежать скучного однообразия и монотонности в их оформлении. Н. В. Клейгельса для петербургской полиции с церковью св. Наиболее известное здание архитектурного направления— элитная жилая многоэтажка «Монблан» высотой в 74, 5 метра, построенная у берега большой Невки (архитекторы Кислова С. В., Орешкин С. И., Гайкович С. В., 2008г., Большой Сампсониевский проспект, 4-8).

Традиции празднования Нового Года в России и Петербурге

В специальной ложе над портиком играл оркестр, встречающий гостей. В начале губернаторства Г. С. Полтавченко постепенно утеряло свою популярность54. Для застройки были разработаны «образцовые проекты». Благодаря тому, что русское барокко, созданное Растрелли имеет много классических черт, общая композиция зданий не потребовала изменений, даже когда рококо вышло из моды, достаточно было убрать рокайль. Его центр слегка акцентирован плоским куполом с платформой.

Ринальди строит в Ораниенбауме, в крепости Петерштадт, дворец, получивший название «Каменный дом» (сейчас здесь расположен музей «Дворец Петра III»), можно считать одним из образцов русского рококо. На потолках выполнялись живописные плафоны. Ряд новых строительных проектов, активно поддерживаемых городской администрацией и заинтересованными фирмами (например, «Охта-центр», ранее носил название «Газпром-сити»), реконструкция существующих архитектурных комплексов («Новая Голландия»), нарастающий объём сноса зданий фоновой застройки центра (в том числе и выявленных памятников истории и архитектуры)6061 и появление в центре новых зданий, разрывающих ансамбли и искажающих виды626364, вызывают возражения у общественности и профессиональных организаций. Также имеются фасады.

Жилле (Николя Жиле – французский скульптор). Отличительными чертами зданий являлись асимметрия фасадов и свободная планировка.

Рококо на европейском континенте

В 1959—1962 годах в Ленинграде было организовано несколько домостроительных комбинатов (Полюстровский ДСК-1, Обуховский ДСК-2, Автовский ДСК-3, Кузнецовский ДСК-4, Колпинский ДСК-5, Невский ДСК-6, Гатчинский ДСК и др. ), на которых впервые был внедрен комплексный метод возведения крупнопанельных зданий с включением изготовления, доставки и монтажа панелей в единый цикл22. Растрелли строил в стиле барокко, но всегда вносил в этот стиль что-то исконно русское, за что и был назван «певцом русского барокко». Это действительно привело к возникновению ряда интересных пластических решений.

Рококо. По собственному проекту им построен «безордерный» Большой Эрмитаж (1771-1787 годы, Дворцовая наб., 34), а также Армянская церковь (1771-1776 годы, Невский пр., 40-42 действует), лютеранские церкви святой Екатерины ( (1768-1771 годы, Большой проспект Васильевского острова, 1 действует) и святой Анны (1775-1779 годы, Кирочная, 8). Архитектурный (точнее — декоративный) стиль рококо появился во Франции во времена регентства (1715-1723) и достиг апогея при Людовике XV, перешел в другие страны Европы и господствовал в ней до 1780-х годов. Рококо быстро распространялся в других странах благодаря французским художникам, работавшим за границей, а также публикациям проектов французских архитекторов. В 40-х – 50-х годах 18-го века при царице Елизавете по-настоящему развернулся талант отца и сына Растрелли.

Берега водоемов украшены античными статуями. Ряд дворцов Петергофа по своей структуре напоминают Екатерининский дворец. Наличествуют в архитектуре Санкт-Петербурга и здания, относящиеся к специфическому ответвлению барокко – «екатерининскому». Декабристов, 34), которое вызвало неоднозначную реакцию у горожан. Некоторые из снесённых домов имели официальный статус памятников архитектуры.

Между тем ни один из фасадов не повторял другой, в определённых ракурсах (издали или на близком расстоянии) каждый воспринимался по-своему, так как был декорирован особым образом колоннами, скульптурными масками, вазами и статуями. К 1900 году в городе проживало 1248 тыс. Вокруг Петербурга и даже в Финляндии создавались десятки дачных поселений18. До 2005 года развитие города шло в основном в соответствии с этим генпланом. Отечественная война 1812 года ненадолго прервала застройку столицы. В 1780-1790-х годах упомянутая комиссия носила название «Комиссия о каменном строении Санкт— петербурга и Москвы».

Наряду с элементами конструктивизма появляются арки, карнизы, лоджии, колонны. Она сосредоточилась на разработке градостроительной планировки, а контроль за проектной деятельностью и градостроительством осуществляли штатные архитекторы Управы Благочиния. Это здания, построенные в стиле барокко, но с учетом русской зодческой школы. Меня уже очень давно удивляет отношение в стране к взаимопроникновению культур, которое существовало в России со времен Петра и было порушено после революции. Сам центр выделен лишь более высокой крышей изогнутым фронтоном и тремя ризалитами.

Для стиля рококо в музыке характерны те же черты, что в живописи и в архитектуре: множество мелких звуковых украшений и завитков (мелизмов), преобладание маленьких форм, галантных образов, отсутствие драматических эффектов. Архитектура отреагировала на это противоречие отходом от классических канонов, смешением стилей, попытками по-иному взглянуть на прошлое то есть началом новой эпохи, которая впоследствии получила немного обидное, но ёмкое название «эклектика». Парадные черты заметны и в экстерьере дворца. Не сохранились Греческая церковь св. В виде исключения приводятся данные строителей (не архитекторов), внесших большой творческий вклад в создание облика города.

Так, фасад Николаевского вокзала напоминает венецианские здания XVI века: двойные арки первого яруса с колоннами посередине, равномерно расставленные полуколонны второго яруса, квадратная башня с часами, «окна Браманте» (арочные окна с замковым камнем) на первом ярусе боковых крыльев40. Особенно рококо в литературе получило распространение в Италии и Германии. Б. Миних продолжил устройство дорог на Выборг, Архангельск, Москву. Это направление возникло хаотично и не имеет своего «родоначальника». Осталась и усилилась цветовая гамма барокко в сочетании с белыми ордерными вставками.

Поздний этап в развитии стиля, датируемый примерно 1870—1900 годами, соответствует периоду развития капиталистических отношений в российском обществе. Главная особенность историзма — обращение архитектора к наследию прошлого. Главным создателем сада, который уже в 1710-е годы поражал современников своей красотой и изобретательностью затей, был сам Петр I. Летний сад был разбит не по французской моде, господствовавшей тогда в Европе, а по голландской: без радиальных аллей, по квадратной схеме, со стрижеными шпалерами (рядами ровно подстриженных деревьев и кустов по обеим сторонам дорожки), с асимметричным расположением в нем дворца. То, что в литературе называлось романтизмом, в архитектуре получило название «историзма» или «эклектики». Обводного канала, 120), Варшавский вокзал (1857—1860, архитектор П. О. Сальманович, наб.

Проявления рококо в архитектуре северной столицы России

Отель Субиз в Париже построен для принца де Субиза в 1705 — 1709 гг. Он возводил дворец на набережной Мойки с 1753 по 1754 год. Присутствуют элементы ручной работы, множество углов изгибов, завитков и т. д. Положение спас Бурхард Миних, генерал-губернатор в 1728-1734 годах. Наиболее известные произведения того времени: «Галантная Индия» Ж. Ф. В нём была развита идея концентрического радиально-лучевого развития по всем направлениям с сохранением исторического центра города.

Однако некоторые архитекторы идентифицируют и жилые строения, как стиль хай-тек50. Кирпично-белый дом Александра Кикина — сподвижника Петра I — отличается сдержанностью в использовании декоративных элементов (один из признаков «петровского» барокко). Так, например, Этьен Морис Фальконе известный в России прежде всего как автор монументального Медного всадника, в Париже для особняка маркизы де Помпадур изваял в стиле рококо небольшую статую «Грозящий Амур»: сидящий амур шаловливо прижимает указательный палец к губам.

Напротив, в 1766—1767 годах территория города даже несколько сократилась. Территория города до недавнего времени подвергалась опасности значительных наводнений, превышающих 4м, а по древним летописям— более 7м. Предполагалось также, что они будут служить защитой от наводнения.

Комиссией к 1769 году выполнены градостроительные проекты всех частей города, установлены стабильные границы городской застройки, предместий, выгонных земель (последние застраивать запрещалось). ВойтиПосетитьЧитатьСмотретьАфишаАтласСпецпроектыКиноМузеиМузыкаТеатрыАрхитектураЛитератураТрадицииЛекцииОбразы РоссииВойтиАрхитектураПубликации раздела АрхитектураПубликации раздела АрхитектураАрхитектура на вашей улицеЭльдар Рязанов в картине «Ирония судьбы или С легким паром. » несколько преувеличил то, насколько российские улицы похожи друг на друга. В XIX веке палаты перестраивали.

Стены Кабинета в Каменном доме были во время Петра и Екатерины затянуты серебристо-зеленым штофом, в Спальне — серебристо-малиновым, а в Будуаре — голубым с вышивками. К. Росси является также автором проекта застройки Михайловской площади (ныне Площадь искусств). Даже имя его стало звучать по-русски: Федор Варфоламеевич. Правда, большое количество зданий и этого и более позднего периода можно условно отнести к конструктивистским, но это скорее отсутствие стиля, как такового, при максимальном упрощении внешнего облика и максимальной экономии внутреннего пространства.

В 1874 году у главного корпуса появились два симметричных помещения. Украшением колокольни является высокий шпиль. Сложные пропорции средневековой архитектуры сменяются упорядоченным построением колонн.

Он являлся ярким представителем позднего петербургского ампира: ему принадлежат торжественные, парадные проекты зданий Российской Академии наук на Васильевском острове, Павловских казарм на Марсовом поле (1817—1821), Спасо-Преображенского собора (1827—1829), Троице-Измайловского собора (1828—1835), Нарвских (1827—1834) и Московских триумфальных ворот (1834—1838), а также великолепные дворцы в предместьях Санкт-Петербурга. Первый этаж занимают хозяйственные постройки, на втором – просторные светлые залы. Клавесин обязательно был украшен богатой отделкой. Над центральной дверью расположен балкон с кованой решеткой. Часто также называют стили «Регионализм», «Хай-тек», «Био-тек», «Техно», «Кантри», «Деконструктивизм», «Виртуальная архитектура», «Минимализм», «Лофт» и др.

Иногда выделяют индустриальный, геометрический и бионический хай-тек— см. Этот стиль зародился в Италии в конце 16 века, а в России только в 18-м веке. Итальянское барокко отражало расцвет эпохи абсолютизма в XVI-XVIII веках.

Отличительные особенности рококо

Комнаты, оформленные в стиле рококо, производят впечатление элегантности, утонченности изнеженности и уюта. Зданий этого стиля в Петербурге сохранилось мало, к их числу относится Церковь Милующей иконы Божией Матери (Большой проспект Васильевского острова, 100, архитектор В. А. Косяков инженер Д. К. Пруссак, 1889—1898), Спасо-Парголовская церковь на Шуваловском кладбище (Выборгское шоссе, 106, проект инженера К. А. Кузьмина, 1876—1880).

При Анне Иоанновне Б. Миних вернулся к военной карьере. Сейчас это музей изобразительного искусства, Эрмитаж. Для архитектуры рококо, в отличие от монументального и пышного барокко, характерны легкость изящество и манерность.

Рококо во внутреннем убранстве зданий

Сложившееся название новых зданий с современном стиле, которые массово строились во время губернаторства В. И. Матвиенко (2003—2011гг. )53. Каждый из них отделан с изыском на свой лад, свою тему. Центром дворца выступает «Большой салон» или Зеркальный зал. С помощью чередования окон, зеркал и дверей, посредством игры естественного и отраженного света достигается ощущение, что границы зала исчезают, вы оказываетесь как бы в открытом павильоне с высоким небесным сводом в виде купола. Было отмечено как недостаток, что из строящихся в Ленинграде 353 жилых домов только 14 возводились по типовым проектам. Большое значение придавалось различным аксессуарам таким, как муфта, перчатки, веер, которым дамы подавали особые знаки своим кавалерам.

В стиле рококо, по сравнению с отличающимся обилием позолоты и ярких красок барокко, цветовая палитра была приглушена, стала нежнее, мягче интимнее — более подходящей для создания домашнего уюта в основном использовались пастельные тона. Нет возможности покушать или отдохнуть внутри зданий. Разностильные элементы и кариатиды использованы архитектором также при строительстве Ново-Михайловского дворца (1857—1858, Дворцовая наб., 18). Большой Царскосельский дворец в 1910 году был переименован в Екатерининский. Отказ от симметричных форм и ровных линий являлся формой особого протеста, брожения в умах и в обществе. В 1762 году указом Екатерины II создана «Комиссия для устройства городов Санкт-Петербурга и Москвы», получившая затем название «Комиссия о каменном строении Санкт-Петербурга и Москвы». Здание двухэтажное. С каждой стороны света здание выглядит по-разному.

Женское начало в архитектурном рококо

Каждая комната богато украшена. Были уничтожены казармы Преображенского полка (одного из старейших в России) и сапёрного батальона (Кирочная улица), 5 домов на Невском проспекте, корпус XVIII века и интерьеры дома Чичерина, несколько домов на ул. Барочная архитектура СМОТРИТСЯ с больших пространств, с расстояния Вблизи она многое теряет. наб. Допускался оштукатуренный белый орнамент. Если барокко выражает пафос активности, то задача рококо — достичь не более чем приятного впечатления.

Вводятся противопожарные разрывы, сносятся деревянные строения, хотя они ещё преобладают. А) и др. Николая (1902-1903 годы, архитектор С. И. Андреев, улица Зои Космодемьянской, 27). Неудивительно, что у стиля, помимо сторонников, были и ярые противники, называвшие авангардные здания «бетонными опухолями» на теле Москвы. В частности, был подвергнут критике Главный архитектор Ленинграда в 1951-1971 годах В. А. Каменский за строительство домов на проспекте Стачек с «архаичным оформлением фасадов», архитектор Б. Н. Журавлёв за проект крупноблочного жилого дома на проспекте Сталина (ныне Московский проспект) с «приставной колоннадой». Обводного канала, 99, не сохр. ).

Примерно с 1710 года начинается регулярная застройка города. Они освещаются двойным рядом больших окон. Внутреннее убранство залов роскошно. Между тем в действительности здание весом в 300 тысяч тонн покоится на слабых грунтах (водонасыщенных озерно-ледниковых пылеватых суглинках), давление на которые близко к критическому36. Здание признано крупнейшей градостроительной ошибкой в городе, а её название получило негативный оттенок55. Между Большой Невой и Фонтанкой запрещалось строить деревянные здания. Оригинальный ансамбль, в создание которого внес свою лепту художник европейского масштаба и исключительного дарования Жан Батист Леблон (1679-1719), соединил в себе черты большого стиля Людовика XIV итальянского ренессанса и голландской архитектуры. В настоящее время в домах этого класса в Санкт-Петербурге проживает 900 тысяч жителей46.

Он мог быть в виде арок или пилястр.

В 1830 году запрет на деревянное строительство распространяется на всю территорию города. В архитектуре рококо определял не столько внешний вид зданий (хотя и мог проявляться на фасадах в избыточно прихотливой лепнине или орнаменте из золоченых завитков), сколько их интерьеры, лишенные и барочной тяжести и регулярной планировки в духе классицизма. На территории коттеджного посёлка Ленэкспо был построен дом «Дельфин» (впоследствии снесён). Несколько слов о барокко, как об архиктетурной форме, выполненной в С. П., в основном, на примере Франции и, в частности, на примере Версаля.

В Санкт-Петербурге им построены пятикупольный собор Введения во Храм Пресвятой Богородицы лейб-гвардии Семеновского полка (1837—1842, Загородный просп., 45, не сохр. ) и Церковь во имя священномученика Мирония лейб-гвардии Егерского полка (1849—1855, наб. Современники называли постройку «каменные палаты». Наружные стены с часовнями по внешним углам ограды также повторяли форму креста.

Большое влияние стиль рококо оказал на мелкую пластику (миниатюрную скульптуру), производимую на знаменитых фарфоровых заводах — французских (Севр), немецких (Мейсен), австрийских (Вена) и русских (Санкт-Петербург, Императорский фарфоровый завод). Ужасно организован сервис для посетителей. Богатый декор сооружений сочетается с экономными строениями из красного кирпича.

Отзывы про Рококо в Санкт-Петербурге

Каждый прохожий замедлит шаг, проходя мимо этого здания, чтобы рассмотреть шедевральную работу придворного зодчего Франческо Растрелли. Фасад со стороны Невы выглядит как непрерывная двухъярусная колоннада. В стиле позднего классицизма и русского ампира работали замечательные петербургские мастера XIX века Доменико Адамини (Дом Адамини, 1823—1827, набережная реки Мойки, 1), В. И. Беретти (Гауптвахта на Сенном рынке, 1818—1820, Садовая улица, 37), А. П. Брюллов (Михайловский театр, 1831—1833, Площадь искусств, 1, здание штаба Гвардейского корпуса, 1837—1843, Дворцовая площадь, 2-4) Давид Висконти (костёл Святого Станислава, 1823—1825, улица Союза Печатников, 22), В. А. Глинка (перестройка особняка графа Н. П. Румянцева, 1820-е годы, Английская набережная, 44), Поль Жако (здание Дворянского собрания, 1834—1839, Михайловская улица, 2), Джовани Лукини (здание портовой таможни, 1829—1832, набережная Макарова, 4), А. И. Мельников (здание единоверческой Никольской церкви, 1820—1838, улица Марата, 24), А. А. Михайлов 2-й (рисовальный корпус Академии художеств, 1819—1821, Университетская набережная, 17, дом А. И. Корсакова, 1826—1828, Владимирский проспект, 12), П. С. Плавов (женское отделение Обуховской больницы, 1836—1839, Загородный проспект, 47), Антонио Порто (здание Военно-медицинской академии, 1799—1803, улица Академика Лебедева, 6), Луиджи Руска (Дом ордена иезуитов, канал Грибоедова, 8/1), И. И. Шарлемань (Скотопригонный двор, 1823—1826, Московский проспект, 65), Гаспаре Фосатти (перестройка дома З. Н. Юсуповой, 1835, Невский проспект, 86), С. Л. Шустов (Каменноостровский театр, 1827—1835, набережная Крестовки, 10, лит.

К ним относятся Аничков дворец (1741—1753), Строгановский дворец (1753—1754), Воронцовский дворец (1749—1757), Смольный собор (1748—1754), Екатерининский дворец в Царском Селе (перестроен в 1752—1758), Зимний дворец (1754—1762), Большой Петергофский дворец (перестроен в 1745—1755), Николо-Богоявленский морской собор (1753—1762), дом И. И. Шувалова на Итальянской улице (1753—1755), здания Александро-Невской лавры и др. Часто эти течения называют собирательно «Современная архитектура», что само по себе не говорит об их содержании. Это входит в необходимое содержание барокко. Несмотря на то, что стиль «модерн» являлся последним большим стилем в истории искусства, он не имел единого названия, так, во Франции, например, его называли «ар-нуво», а в Англии— стиль «либерти». В стиле рококо в предместьях Парижа были построены многочисленные роскошные особняки французской аристократии (так называемые «отели»), окруженные зелеными садами. Несмотря на широту своих влияний, оно лишь в нескольких странах приобрело значение действительно ведущего стиля.

Основой новой архитектуры стал функциональный подход, провозглашавший примат функционального содержания здания над его формой: всё должно идти от функциональных задач, стоящих перед архитектором (в этом конструктивизм, возможно, неосознанно, был солидарен с модерном). Возводятся каменные стены Петропавловской крепости. В 1920-е в Советском государстве появился такой же революционный, как и новая власть, архитектурный стиль.

Предпосылки Рококо в архитектуре

Шведы, владевшие Ингерманландией в XVII веке, знали о наводнениях на Неве и не застраивали низкую дельту Невы: крепость Ниеншанц стояла на сравнительно высоком месте в устье Охты при впадении в Неву (напротив нынешнего Смольного на этом месте собирались возводить «Охта-центр»). Стиль «модерн» появился и быстро расцвёл в 1890-е— 1900-е годы. Здание и Ростральные колонны украшены аллегорическими скульптурами (Ф.

Смольного, 3). Называется он также высоким, русским, растреллиевским барокко. Дворянство проводило время в развлечениях. 4 ноября 1955 года было принято Постановление «Об устранении излишеств в проектировании и строительстве»44, в котором были подвергнуты резкой критике архитекторы и проектные организации, увлекшиеся «внешне-показной стороной архитектуры». Позже эта архитектурная особенность распространилась и на каменное строительство.

Основные элементы в Рококо архитектуре

Южная граница города проходила по реке Мье. Она изображена с книгой в своём изысканно обставленном будуаре.

В некоторых случаях и в условиях индустриализации можно было создать выразительные архитектурные композиции (например, первый в Ленинграде 12-этажный жилой дом на Кузнецовской улице, архитекторы Б. Н. Журавлев, А. Д. Кац инженер Н. И. Дюбов, 1957 год). Помещения украшаются гобеленами, статуями, зеркалами. После многих десятилетий неоклассицизма античность наконец всем надоела. Фасад второго и третьего этажей (с графскими апартаментами) украшен колоннами и богатой скульптурной отделкой. Такой же приём использован Н. Е. Ефимовым при перестройке Шуваловского дворца (наб.

Неслучайно, наверно, этому стилю приписывают женское начало. Большие приемы и празднества происходили не во дворце, а в саду. ниже. Основными элементами декора стали колонны, маскароны и картуши.

Стиль Рококо в архитектуре Италии

Ранний классицизм в архитектуре Петербурга датируется примерно 1760-1780 годами. Клавесин был особенно популярен в эпоху рококо. Благодаря большим окнам второго этажа здание кажется более высоким, дворец венчает балюстрада. В его центре находится двор. В Санкт-Петербурге встречается мало, если, конечно, не считать промышленных предприятий. В «елизаветинском барокко» оно отсутствует. В дальнейшем барокко в Санкт-Петербурге, впрочем, как и во всей Европе, эволюционирует до лёгкости стиля рококо, растворяясь со временем в строгости классицизма.

Барокко стремится потрясти, рококо — развлечь. человек и в Ленинградской области 1800—1850 тыс. В России подобные интерьеры, для которых главное — удобство и свобода хозяев дома, создавались Франческо Бартоломео Растрелли, Саввой Ивановичем Чевакинским, Антонио Ринальди (в Петербурге) и Дмитрием Васильевичем Ухтомским (в Москве), то есть мастерами позднего барокко и раннего классицизма, которые в убранстве жилых покоев шли за модой или вкусами заказчиков. Восстания, 2), Балтийский вокзал (1853—1858, архитектор А. И. Кракау, наб. Уже в 1816 году создан «Комитет для приведения в лучшее устройство всех строений и гидравлических работ в Санкт-Петербурге и прикосновенных к оному мест», председателем которого назначен архитектор и инженер А. А. Бетанкур.

чел., с пригородами 1439 тыс. С 1860-х годов расширяется строительство зданий из кирпича, металлических конструкций. Над проектом здания по приказу Елизаветы I трудился Франческо Растрелли. Репина, Университетская наб., 17) корпус «для игры в мяч» Кадетского корпуса (1771-1773 годы, ныне кафедра физической культуры и спорта СПбГУ, Университетская наб., 9)32 дворец графа А. П. Шувалова (1770-е годы, ныне Юсуповский дворец, наб.

Елизаветинское Рококо в архитектуре Санкт-Петербурга

Верхней одеждой в эпоху рококо служило манто – свободный плащ, ниспадающий с плеч. В типовых проектах применялись принципы минимизации требований к зданиям, вот таким образом указанный период может быть назван «минимализмом», не имеющим, однако, отношения к современному нарочито лапидарному минимализму.

Одним из первых творений необарокко считается перестроенный А. Штакеншнейдером Дворец Белосельских-Белозерских (1846—1848, Невский проспект, 41). К позднему, «высокому» классицизму можно отнести работы Тома де Томона: перестройка здания Большого театра (Театральная площадь, 3, 1804-1805 годы, сохранилось частично), перестройка дома графини А. Г. Лаваль (1806-1809 годы, Английская набережная, 4), строительство здания Новой биржи и всего комплекса стрелки Васильевского острова с Ростральными колоннами (Биржевая площадь, 4, 1805-1810 годы).

Чтобы ускорить в Санкт-Петербурге каменное строительство и уберечь столицу от пожаров, Пётр в 1714 году издает указ о повсеместном (кроме Санкт-Петербурга) запрете каменного строительства (указ продержался до 1728 года). Сегодня композиция дворца удивит даже самого искушённого гостя. В дальнейшем это послужило одной из основ своеобразия архитектуры Санкт-Петербурга. Окна обрамлены наличниками с барочным мотивом.

Особенности домов в стиле рококо

Если вы видите здание, которое «хочет казаться старше, чем есть на самом деле» — вероятно, это памятник историзма. Стилистика конструктивизма хорошо подходила для новых видов строений: многоквартирных домов-коммун, общественных зданий (домов и дворцов культуры, рабочих клубов, универмагов), учреждений и особенно для промышленных строек. Музей изобразительных искусств им.

В Петербурге такие здания редки можно привести в пример Фрунзенский универмаг (1934-1938 годы, архитекторы Е. И. Катонин, Л. С. Катонин, Е. М. Соколов, К. Л. Иогансен, Московский проспект, 60), здание ОГПУ-НКВД («Большой дом»), 1931—1932 годы, архитекторы А. И. Гегелло, А. А. Оль, Н. А. Троцкий с участием Н. Е. Лансере, Ю. В. Щуко, А. Н. Душкина и др. ), а также здание бывшего Гидрометеорологического техникума (ныне Санкт-Петербургский финансово-экономический колледж) на Съезжинской улице, 15-17, построенное в 1938 году. Самая высокая в своё время каменная постройка в городе тянулась от Большой до Малой Невы.

От русской школы зодчества здесь особая гармоничность с окружающим пространством. Один из старейших дворцов Петербурга возводили с 1710 по 1714 годы. Однако на рубеже 1980-х и 1990-х годов произошло радикальное изменение общественно-политического устройства страны, что не могло не сказаться на выполнимости генерального плана, принятого в иное время. Мойки, 94).

При этом внешний вид колонн или самих зданий напоминает гранёные стеклянные стаканы, за что стиль был прозван «стаканизмом». Отсюда возникает небольшая терминологическая путаница, связанная с тем, что в остальном мире в 20 веке под термином «модерн» было объединено все многообразие течений современного искусства XX век, в то время как в России, в силу того, что данный термин уже охарактеризовал стиль искусства конца 19, начала 20го века искусство XX века было объединено под термином модернизм. Все это объединено в целостный архитектурный комплекс в стиле барокко. По проекту Н. Е. Ефимова в 1844—1853 годах построены здания Министерства государственных имуществ (Исаакиевская площадь, 4 и 13 закончены после смерти архитектора), ныне институт растениеводства. В основном стиль проявился в храмовой архитектуре и отличался крестово-купольной компоновкой, наличием сферических и полусферических куполов, барабанов с сопряженными арочными окнами, декора с каменной резьбой и мозаикой, богатым внутренним убранством.

Заказать постройку дома в стиле рококо

Возникают декоративные архитектурные сооружения: триумфальные арки, памятные колонны. Слово «барокко» в буквальном переводе с итальянского обозначает «причудливый», «вычурный». Его замечательной работой ещё в духе позднего классицизма является Мариинский дворец (1839—1844, Исаакиевская пл., 6, ныне— Законодательное собрание Санкт-Петербурга).

Рококо не было стилем эпохи даже в том смысле, в каком это иногда говорят применительно к барокко в искусстве XVIIвека. Применены металлические конструкции балок и стропил. Здания богато украшены, часто без меры, разнообразными деталями. Меншиковскую усадьбу занял Сухопутный шляхетный корпус. Так, например, современники оценили мельниковский Дом культуры имени Русакова.

Стиль хай-тек (англ. hi-tech, сокращение от high technology)— высокие технологии) зародился за рубежом в конце 1970-х годов. человек за год, в основном за счёт приезжавших на заработки крестьян, а также учащихся. Сегодня Зимний дворец входит в состав музея Государственный Эрмитаж.

Северная часть с тремя крупными членениями и чётким ритмом колонн. Одновременно началась реализация градостроительных принципов, заложенных в Генеральном плане: создание крупных жилых комплексов в новых (в основном южных) районах, прокладка веерных, дуговых и диагональных магистралей, разбивка приморских и городских парков, формирование лесопарковой зоны. В полковых слободах строились казармы.

Тибо, И. Камберлен, С. К. Суханов и др. 35). Чайковского, Фурштатской ул., Кирочной ул.

Главный корпус здания в виде буквы «Г» выходит на набережную реки Мойки и Невский проспект, вот таким образом архитектор максимально украсил фасады дворца. При этом под восточной частью собора остались старые сваи длиной 8-10, 5м, а под западной частью были забиты просмоленные сваи длиной 6-8м, что впоследствии привело к разности осадок до полуметра (юго-западный угол оседает сильнее). Период эклектики или эклектизма в архитектуре можно условно ограничить 1830-1900 годами, при этом часто выделяются периоды ранней (1830—1870) и поздней (1870—1900) эклектики.

Цена на техника «рококо» в магазинах Санкт-Петербурга

Вначале Петром предполагалась традиционная русская планировка: на Городском острове (первоначально Берёзовом, позже Троицком, Петербургском, ныне— Петроградском) предусматривались царские слободы, огороженные палисадным укреплением, вокруг должны были располагаться царские, вельможные и прочие усадьбы. Этот период часто называют постмодернизмом, символизируя «отрицание отрицания», то есть частичный отказ от нигилистического модернизма. Почти во всех крупных городах России есть архитектура классицизма, даже в городах Сибири. Когда хозяйкой дворца стала Елизавета I, она решила изменить архитектуру поместья и пригласила для этого архитекторов: Михаила Земцова, Доменико Трезини и Франческо Растрелли. Первый этаж — для прислуги — Растрелли оформил рустом.

Существовал он и в начале XX века. Он уделял внимание мельчайшим деталям, сам разрабатывал изящные рисунки паркета, лепнины. Древние достаточно прочные осадочные и моренные грунты залегают на глубине 20-30м.

В год строилось до 500 каменных домов, разрешалось строить дома высотой 11 сажен (5-6 этажей), однако этого не хватало. Невыполнимым оказалось провозглашённое в генплане перемещение части промышленных производств из города в область, открытие в области филиалов городских предприятий и научных учреждений. Это богатый, лепной, с завитками, орнамент, портики, галереи со статуями атлантов и кариатид. Помимо них неплохо знать неоренессанс, мавританский и помпеянский стили.

Пётр Великий лично заложил первый камень в фундамент дворца в 1720 году. Кроме лент использовались и цветы, причём как натуральные, так и искусственные. Ряд городских территорий был объявлен предместьями: Петербургская сторона за Кронверком, Васильевский остров за Малым проспектом, левобережье реки Фонтанной (Александро-Невское, Лифляндское, Московское предместья). Большой, величественный, просторный Зимний дворец претерпел множество перестроек со времён своего рождения в 1754 году.

Петергоф был задуман им как соединение вод источников и моря. В той же тональности выдержаны интерьеры. Последний, четвёртый генеральный план советского времени («Генеральный план развития Ленинграда и Ленинградской области на период до 2005 года», Г. Н. Булдаков, В. С. Немцев, Г. В. Филатов, В. Ф. Назаров, М. А. Пиир и др. ) был утверждён Советом Министров СССР в 1987 году. Неовизантийский стиль ориентировался на архитектуру средневековой Византии примерно VI—VIII веков н. э.

Актуальными становятся идеи гедонизма (этическое учение, согласно которому высшим благом и целью жизни является удовольствие). Однако уже можно заметить элементы европейского возрождения: появился сложный декор и мелкая рустовка фасадов, колонны и пилястры снабжены двойными каннелюрами. Другой причиной было полное отсутствие в историческом прошлом Руси готической архитектуры.

Окна, выходящие на Неву, обрамляют фигурные наличники. Пример дома для специалистов: Каменноостровский проспект, 55.

Одним из крупнейших архитекторов раннего периода эклектики является А. И. Штакеншнейдер. Египтизирующий стиль). Растрелли создал много великолепных памятников архитектуры в стиле барокко в Петербурге: Большой Царскосельский дворец (Екатерининский), собор Смольного монастыря, дворец в Петергофе, Зимний дворец — вот лучшие образцы его творений. В. И. Ленина (1970-1981 год, архитекторы И. М. Чайко, Н. В. Баранов, Ф. Н. Яковлев, Н. А. Владиславлева инженеры А. П. Морозов, О. А. Курбатов, Ю. А. Елисеев, проспект Гагарина, 8) и др.

Формы литературных произведений в основном малые: пасторали, комедии масок, эротические поэмы игривые стихи и новеллы, галантные романы и сказки Луве де Кувре, графа Кейлюса и др. Лирика в основном проявилась в форме игривых посланий, мадригалов, сонетов и эпиграмм (Эвариста Парни, маркиз де Лафар и др. ). А некоторые видят в современных зданиях Санкт-Петербурга возрождение северного модерна48. «Русский Версаль» в Стрельне принадлежал царской семье до 1917 года. Вернее, если ты вошёл, ты не можешь выйти в течение того же дня и снова зайти по тому же билету, тебе нужно покупать новый билет чтобы зайти во второй раз.

Древнерусская крестово-купольная архитектура

Другие же здания того времени, в которых прослеживается определённая стилистика, создавали красивую витрину нового социально-экономического строя, называемую сейчас «Сталинской архитектурой», «монументальным классицизмом», «Сталинским ампиром», «Сталинским неоренессансом» ит. д. Фронтоны (завершение фасада здания), представляя ломающиеся выпуклые и впалые линии, увенчиваются вазами, пирамидами, скульптурными фигурами и т. п. Тот же процесс.

Однако в тяжелых случаях не помогали и сваи, которые «засасывало». В Санкт-Петербурге известны здания В. А. Шрётера, построенные им для себя (1891—1899гг. У столичной (двор вернулся в Петербург в 1730 году) знати, осознавшей себя империей, появилось стремление к парадности, пышности, величию.

В центре Растрелли поместил пятиглавый крестообразный в плане собор, который окружали двухэтажные монастырские кельи, создающие форму крестообразного обширного двора, четыре внутренних угла которого подчеркивались одноглавыми церквами. Во дворце Пётр I провёл последние годы жизни. Колонны также зачастую выполняли только эстетические функции. великомученика Димитрия Солунского (Лиговский просп., 6, архитектор Р. И. Кузьмин, 1861—1865), Церковь Казанской иконы Божией Матери при Доме призрения бедных им. Архитекторы больше не выстраивают длинные анфилады залов, они строят множество маленьких комнат с высокими окнами, группирующихся вокруг центральной лестницы таким образом, чтобы предоставить хозяевам максимальные удобства.

Билеты действует на одно посещение, на один вход. Это очень неудобно. Теперь советской архитектуре надлежало уделять главное внимание вопросам экономики ибо «архитектуре должна быть свойственна простота, строгость форм и экономичность решений».

Древнерусская шатровая архитектура

Этим объясняется продуманность в подборе статуй. Наряду с крупнопанельными домами возводили и крупноблочные здания (с меньшими размерами сборных элементов), а также кирпичные дома. и др., например, особняк А. Л. Штиглица (1858-1862 годы, архитектор А. И. Кракау, Английская наб., 68). Поскольку влияние готики мало отражалось на несущих конструкциях здания, а было связано в основном с особенностями фасадов (стрельчатые арки окон, высокие шпили, обилие башенок ит. п. ), вот таким образом в России прижилось название «Псевдоготика».

Затем готические элементы появляются уже во второй половине XIX века. На основе синтеза этих течений возникло «русское барокко»: вначале московское, затем петровское, хотя они значительно отличаются друг от друга, а вместе— от западноевропейского барокко. Женственность чувствовалась совершенно во всем. Это время в истории России часто называют эпохой «просвещённого абсолютизма», подчеркивая противоречивый характер правления Екатерины Великой.

Многоэтажное строительство, когда каждый последующий этаж не был похож на предыдущий, тоже являло собой форму протеста против устоявшихся общественных норм. С середины 1840-х годов снимается ряд ограничений на архитектурные, цветовые и конструктивные решения частных домов, намечается отход от классицизма, появляется разнообразие историзма (эклектики). В этот период строятся такие запоминающиеся объекты, как Дворец спорта «Юбилейный» (1967 год, архитекторы Г. П. Морозов, И. П. Сусликов, А. Я. Левханьян, Ф. Н. Яковлев инженеры А. П. Морозов, Ю. А. Елисеев, О. А. Курбатов, Б. А. Миронков и др., проспект Добролюбова, 18) здание Детской музыкальной школы 5 имени Е. А. Мравинского (1971 год, архитектор В. В. Попов, Варшавская улица, 44) ансамбль Площади Победы (1971-1975 годы, архитекторы С. Б. Сперанский, В. А. Каменский, скульптор М. К. Аникушин, площадь Победы) гостиница «Прибалтийская» (1970-1978 годы, архитекторы Н. Н. Баранов, С. И. Евдокимов, В. И. Ковалева, улица Кораблестроителей, 14) спортивно-концертный комплекс им.

---

Обзор движения рококо | TheArtStory

Посадка на Киферу (1717)

Художник: Жан-Антуан Ватто

На этой картине изображены влюбленные пары в элегантных аристократических платьях в идеализированной пасторальной обстановке на Кифере, мифическом острове, где находится Венера, богиня любви. рожденный от моря. Жесты и язык тела вызывают воспоминания, так как мужчина, стоящий ниже центра, его рука обвивает талию женщины рядом с ним, кажется, искренне умоляет ее, в то время как она оборачивается, чтобы с тоской смотреть на другие пары.Обнаженная статуя богини возвышается с пьедестала, украшенного гирляндами цветов справа, как если бы председательствовала на торжествах. Слева она дважды изображена в золотой статуе, которая помещает ее на носу лодки. Обнаженные путти появляются на протяжении всей сцены, парят в небе слева или появляются между парами и подталкивают их вперед, а природа — вялое, но плодотворное присутствие. В целом картина воспевает путешествие любви. Как писал современный критик Джеб Перл, «влюбленные Ватто, замкнутые в своей мучительной, восхитительной нерешительности, являются символами постоянно приближающейся и постоянно уменьшающейся возможности любви.«

Как писала искусствовед Холли Брубах,« образы Ватто идеально подвешены между моментом непосредственно перед и моментом после… люди, которых он изображает, заняты разыгрыванием не одного, а нескольких возможных сценариев ». Его фигуры не так легко узнаваемы. люди, как аристократические типы, с гладкими напудренными лицами, которые вместе создают своего рода хореографию цвета и удовольствия.

С этой работой, приемной для Академии Ватто, он впервые создал fête galante , или живопись ухаживания, и запустил движение рококо.Как писал Джонатан Джонс: «В туманных, тающих пейзажах картин … он недвусмысленно связывает пейзаж и желание: если искусство Ватто обращается к придворным любителям средневековья, оно начинает современную историю чувственности во французском искусстве».

Рококо — концепции и стили

Начало рококо

В живописи рококо в первую очередь находилось под влиянием венецианской школы использования цвета, эротических сюжетов и аркадских пейзажей, а школа Фонтенбло стала основой дизайна интерьера в стиле рококо.

Венецианская школа

Известные художники Джорджоне и Тициан, среди прочих, оказали влияние на акцент в эпоху рококо на вихревые цвета и эротические темы. Пасторальный концерт (около 1509 г.), впервые приписываемый Джорджоне, хотя теперь он считается одним из ранних произведений Тициана большинством ученых, был классифицирован Лувром как Fête champêtre , или вечеринка на открытом воздухе, когда он впервые стал частью собрание музея. Произведения эпохи Возрождения, изображающие двух обнаженных женщин и двух мужчин-аристократов, играющих музыку в идеализированном пасторальном пейзаже, сильно повлияли на развитие рококо Fête galante или картин ухаживания.Этот термин относится к историческим картинам приятных прошлых времен и стал популяризироваться в работах Жана-Антуана Ватто.

Школа Фонтенбло 1528–1630

В 1530 году король Франциск I, известный меценат, пригласил итальянского художника Россо Флорентино во французский двор, где, став пионером изысканного стиля французского маньеризма, Россо основал школу Фонтенбло. Школа стала известна своим уникальным стилем дизайна интерьера, в котором все элементы создавали хореографическое единство.Россо первым начал использовать большие лепные рельефы в качестве рам, украшенных декоративными и позолоченными мотивами, которые сильно повлияли на акцент рококо на сложных декорациях.

Золочение было ключевым вкладом Фонтенбло, придавая изысканное великолепие объектам, представленным в знаменитом соляном погребе Беневенто Челлини (1543), который Франциск I заказал в золоте. Даже простые элементы интерьеров в стиле рококо стали сильно акцентироваться, о чем свидетельствует популярность часов картеля, встраивания обычных часов в замысловатые декорации, напоминающие скульптуры и органично дополняющие общий вид и ощущение окружающих их интерьеров.

Эпоха дизайна в стиле рококо

Рококо дебютировал в дизайне интерьеров, когда гравер Пьер Ле Потр работал с архитектором Жюлем Ардуэном-Мансаром над Шато-де-Марли (1679-1684), а затем в Версале в 1701 году, когда он перепроектировал частные апартаменты Людовика XIV. . Le Pautre впервые использовал арабески, используя s-образную или c-образную линию, размещенную на белых стенах и потолке. Он также использовал вставные панели с позолоченной деревянной отделкой, создав причудливый и легкий стиль. Le Pautre был прежде всего известен как an ornemaniste , или дизайнер орнаментов, что отражает популярную роль ремесленников в то время в развитии высокодекоративного стиля.

Во время правления Людовика XIV Франция стала доминирующей европейской державой, и сочетание большого богатства и мирной стабильности побудило французов обратить свое внимание на личные дела и наслаждение мирскими удовольствиями. Когда король умер в 1715 году, его наследнику Людовику XV было всего пять лет, поэтому Регентство во главе с герцогом Орлеанским правило Францией до тех пор, пока дофин не достиг совершеннолетия. Герцог был известен своим гедонистическим образом жизни, а эстетика рококо казалась идеальным выражением чувственности той эпохи.Взойдя на трон в 1723 году, Людовик XV также стал известным сторонником и покровителем архитектуры и дизайна рококо. Поскольку Франция была художественным центром Европы, художественные дворы других европейских стран вскоре последовали ее примеру в своем энтузиазме в отношении подобных украшений.

Жан-Антуан Ватто

Жан-Антуан Ватто возглавил период рококо в живописи. Он родился в Валансьене, небольшой провинциальной деревушке в Бельгии, недавно присоединившейся к французам. Его ранние познания в искусстве и рисовании привели к его раннему обучению у местного художника.Впоследствии он уехал в Париж, где зарабатывал на жизнь копиями произведений Тициана и Паоло Веронезе. Он присоединился к студии Клода Одрана, который был известным декоратором, где он познакомился и стал коллегой по творчеству Клода Жилло, известного своим оформлением комедии commedia dell’arte или постановок комического театра. В результате работы Ватто часто выражали театральный подход, показывая фигуры в костюмах среди декораций, освещенных искусственным светом.

В 1712 году Ватто принял участие в конкурсе Prix de Rome Королевской академии скульптуры и искусства, и Академия приняла его в качестве действительного члена.Его «приемная» для Академии, Посадка на Cythera (1717), фактически положила начало движению рококо. Академия ввела термин Fête galante , или вечеринка для ухаживания, для обозначения работы, тем самым установив категорию, которая должна была стать доминирующим элементом живописи рококо. Fête galante Картины изображали fête champêtre , или вечеринку в саду, популярную среди аристократического сословия, где, одетые как для бала или в костюмах, они винили, обедали и занимались любовными занятиями в аркадских садах и парках. .Художественный предмет не только нравился частным посетителям, но и его мифологизированные пейзажи и обстановка соответствовали стандартам Академии, которая причисляла историческую живопись, в том числе мифологические сюжеты, к высшей категории.

Клод Одрен был официальным хранителем Люксембургского дворца, и, работая с ним, Ватто скопировал серию из двадцати четырех картин Питера Поля Рубена « Жизнь Марии Медичи » (1622-25), которые выставлялись в дворец. Серия Рубена, сочетающая аллегорические фигуры и мифологические сюжеты с изображениями королевы и аристократического двора, продолжала служить источником информации для творчества Ватто.Рубенс первым изобрел технику « trois crayons », что означает «три мелка», технику использования красного, черного и белого цветов для создания колористических эффектов. Ватто овладел техникой до такой степени, что его имя стало ассоциироваться с ней, и она была широко принята более поздними художниками рококо, включая Франсуа Буше.

Франсуа Буше

Под влиянием Рубенса и Ватто Франсуа Буше стал самым известным художником периода зрелого рококо, начиная с 1730 года и до 1760-х годов.Известный своей картиной, в которой аристократическая элегантность сочетается с эротической обработкой обнаженной натуры, как показано в его Туалет Венеры (1751), он был одинаково влиятельным в декоративном искусстве, театральных постановках и дизайне гобеленов. Он был назначен первым художником короля в 1765 году, но наиболее известен своими долгими отношениями с мадам де Помпадур, официальной первой любовницей короля Людовика XV и известным покровителем искусств. В результате своего мастерства в искусстве и дизайне рококо и своего королевского покровительства Буше стал «одним из тех людей, которые представляют вкус века, выражают, олицетворяют и воплощают его», как писали известные авторы Эдмон и Жюль де Гонкур. .

Мадам де Помпадур

Мадам де Помпадур, урожденная Жанна-Антуанетта Пуассон, была названа «крестной матерью рококо» из-за ее центральной роли в продвижении этого стиля и превращении Парижа в художественную столицу Европы. Она повлияла на дальнейшее применение рококо из-за своего покровительства таким художникам, как Жан-Марк Наттье, скульптор Жан Батист Пигаль, дизайнер обоев Жан-Батист Ревейон и гравер по драгоценным камням Жак Гуай. Официальная первая любовница короля с 1745 по 1751 год, она оставалась его доверенным лицом и доверенным советником до своей смерти в возрасте 42 лет от туберкулеза.Ее роль и статус стали de facto определением королевского патронажа.

Рококо: концепции, стили и тенденции

Французское рококо

Франция была центром развития рококо. С точки зрения дизайна, салон, комната для развлечения и впечатления гостей, стал большим нововведением. Самым известным примером был Салон принцессы Шарля-Жозефа Натуара и Жермена Бофрана (1735-1740) в резиденции принца и принцессы Субиз. Белые стены цилиндрического интерьера, позолоченное дерево и множество зеркал создавали светлый и воздушный эффект.Арабески, часто ссылающиеся на римские мотивы, амуров и гирлянды, были представлены золотой лепниной и рельефными пластинами. Асимметричные кривые, иногда происходящие от органических форм, таких как ракушки или листья аканта, были сложными и преувеличенными. Минимальный акцент на архитектуре и максимальный акцент на декоре стал краеугольным камнем движения рококо.

Живопись была неотъемлемой частью движения рококо во Франции, и известные художники, руководившие этим стилем, Антуан Ватто, а затем Франсуа Буше, оказали влияние на все элементы дизайна от интерьеров до гобеленов и моды.Среди других известных художников были Жан-Батист ван Лоо, Жан-Марк Наттье и Франсуа Лемуан. Лемойн был известен своими историческими аллегорическими картинами, как видно из его Апофеоза Геракла (1733-1736), написанного на потолке Салона Геркулеса в Версале. Отмеченной особенностью французской живописи рококо была манера, в которой ряд известных семей художников, таких как Ван Лоос и Койпели, поддерживали последовательный стиль и тематику в своих мастерских.

Итальянское рококо

Живопись стала лидером итальянского рококо, примером которой являются работы венецианского художника Джамбаттисты Тьеполо.Сочетая акцент венецианской школы на цвете с quadratura или потолочными росписями, шедеврами Тьеполо были фрески и большие алтари. Прославленный во всей Европе, он получил множество королевских заказов, таких как его серия потолочных картин в Вюрцбургской резиденции в Германии и его Апофеоз испанской монархии (1762-1766) в Королевском дворце в Мадриде.

Итальянское рококо было также известно своими великими пейзажистами, известными как «живописцы с видом», особенно Джованни Антонио Канал, известным просто как Каналетто.Он был пионером в использовании двухточечной линейной перспективы при создании популярных сцен с каналами и зрелищем Венеции. Его работы, такие как его Venice: Santa Maria della Salute (c. 1740), пользовались большим спросом у английских аристократов. В 1700-х годах для молодых английских аристократов стало обычным совершать «Гранд-тур», посещая известные места Европы, чтобы изучить классические корни западной культуры. Поездки положили начало своего рода аристократическому туризму, и Венеция стала известной остановкой, славящейся своей гедонистической карнавальной атмосферой и живописными видами.Эти молодые аристократы также часто были коллекционерами произведений искусства и покровителями, и большинство работ Каналетто было продано английской публике, а в 1746 году он переехал в Англию, чтобы быть ближе к своему рынку произведений искусства, и прожил там почти десять лет.

Пастельные портреты Розальбы Каррьеры, миниатюрные и полноразмерные, а также ее аллегорические работы пользовались спросом во всей Европе, так как ее приглашали в королевские дворы Франции, Австрии и Польши. Она была пионером в использовании пастели, ранее использовавшейся только для подготовительных рисунков, в качестве средства для рисования, и, связав мел в палочки, разработала более широкий диапазон мазков и подготовленных цветов.Ее портрет Людовика XV как Дофина (1720-1721) установил новый стиль портретной живописи рококо, подчеркнув визуальную привлекательность и декоративный эффект.

В архитектуре Италия продолжала делать упор на барокко с его прочной связью с католической церковью до 1720-х годов, когда архитектор Филиппо Юварра построил несколько северных итальянских дворцов в стиле рококо. Его шедевром был дворец Ступиниги (1729-1731), построенный как охотничий домик короля Сардинии в Турине.В то же время интерьеры в стиле рококо стали популярными в Генуе, Сардинии, Сицилии и Венеции, где стиль приобрел региональные вариации, особенно в дизайне мебели. Итальянские интерьеры в стиле рококо были особенно известны своими венецианскими стеклянными люстрами и зеркалами, а также богатым использованием шелка и бархата.

Немецкое рококо

Энтузиазм Германии по поводу рококо ярко проявился, прежде всего, в архитектурных шедеврах и дизайне интерьеров, а также в прикладном искусстве.Заметным элементом немецкого рококо было использование ярких пастельных тонов, таких как сиреневый, лимонный, розовый и синий, как это видно в дизайне Франсуа де Кувильеса Амалиенбурга (1734-1739), охотничьего домика для императора Священной Римской империи Карла VII в Мюнхен. Его Зеркальный зал в Амалиенбурге историк искусства Хью Хонор описал как образец «легкой элегантности и тонкой тонкости».

Немецкие дизайнерские мотивы с использованием асимметрии и s- и c-изогнутых форм, часто опираются на цветочные или органические мотивы и используют больше деталей.Немецкие архитекторы также новаторски исследовали различные возможности дизайна помещений, вырезая стены или делая изогнутые стены, и сделали размещение новых зданий важным элементом этого эффекта, как это видно в Мелькском аббатстве Якоба Прандтауэра (1702-1736)

Английский рококо

Англия использовала рококо, который назывался «французским стилем», был более сдержанным, поскольку его излишества встречались с мрачным протестантизмом. В результате модель rocaille , представленная эмигрантским гравером Юбером-Франсуа Гравело и серебряным мастером Полем де Ламери, использовалась только в качестве деталей и эпизодических мотивов.Примерно в 1740 году стиль рококо начал использоваться в британской мебели, особенно в дизайне Томаса Чиппендейла. Его каталог Каталог для джентльменов и краснодеревщиков (1754), иллюстрирующий дизайн в стиле рококо, стал популярным отраслевым стандартом.

Рококо оказало большее влияние на британских художников, таких как Уильям Хогарт, Томас Гейнсборо и швейцарка Анжелика Кауфман. В своей работе The Analysis of Beauty (1753) Хогарт выступал за использование змеевидной линии, считая ее более органичной и эстетически идеальной.Гейнсборо сначала учился у Грейвло, бывшего ученика Буше, чья перистая манера письма и цветовая палитра повлияли на портретную живопись Гейнсборо в сторону плавности света и цвета. Анжелика Кауфман родилась в Швейцарии, но большую часть жизни провела в Риме и Лондоне. С 1766 по 1781 год она жила в Лондоне, где влиятельный сэр Джошуа Рейнольдс особенно восхищался ее портретами. Одна из двух женщин, избранных в Королевскую академию искусств в Лондоне, она сыграла значительную роль как в продвижении стиля рококо, так и, впоследствии, неоклассицизма.

Позднее развитие — после рококо

В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего племянника Абеля-Франсуа Пуассона де Вандиера изучать события в итальянском искусстве и археологии. Вернувшись с энтузиазмом к классическому искусству, Вандиер был назначен директором Королевских зданий, где начал выступать за неоклассический подход. Он также стал известным художественным критиком, осудившим Бушер petit style , или «маленький стиль». Известные мыслители того времени, в том числе философ Вольтер, искусствовед Дидро, также критиковали рококо как поверхностное и декадентское.Эти тенденции, наряду с растущим революционным пылом во Франции, к 1780 году привели к тому, что рококо потерял популярность.

Новое движение неоклассицизма, возглавляемое художником Жак-Луи Давидом, подчеркивало героизм и моральную добродетель. Студенты-художники Дэвида даже спели насмешливую песнь «Ванлоо, Помпадур, рококо», выделив стиль, одного из его ведущих исполнителей и самого известного покровителя. В результате к 1836 году оно использовалось для обозначения «старомодных», а к 1841 году использовалось для обозначения работ, которые считались «безвкусными и витиеватыми».«Негативные коннотации продолжались в 20 ^-м веках, как видно из описания в словаре 1902 года.« Следовательно, рококо, используется … для обозначения чего-либо слабо претенциозного и безвкусного в искусстве или литературе ».

Дизайн и живопись в стиле рококо будут отклоняться в сторону расходящихся путей, поскольку дизайн рококо, несмотря на новые тенденции в столице, продолжал быть популярным во французских провинциях. В 1820-х годах при восстановленной монархии короля Луи Филиппа стало популярным возрождение, названное «вторым рококо». и распространился на Британию и Баварию.В Великобритании это возрождение стало известно как викторианский рококо и продолжалось примерно до 1870 года, одновременно оказывая влияние на американское возрождение рококо в Соединенных Штатах, возглавляемое Джоном Генри Белтером. Этот стиль, широко используемый для высококлассных отелей, был назван «Le gout Ritz» в 20, ^и годах. Однако в живописи рококо потерял популярность, за исключением жанровых картин Шардена, высоко оцененных Дидро, которые продолжали оказывать влияние и позже оказали заметное влияние на Поля Сезанна, Эдуарда Мане и Винсента Ван Гога.

Эдмунд и Жюль де Гонкур заново открыли для себя крупного художника в стиле рококо Жана-Оноре Фрагонара в L’Art du XVIIIe siècle ( Eighteen-Century Art ) (1865). Впоследствии он оказал влияние на импрессионистов, особенно на Пьера-Огюста Ренуара и Берту Моризо, и впоследствии оказал влияние на современных художников, таких как Йинка Шонибаре, Кент Монкман и Лиза Юскаваге.

Также заново открытая братьями де Гонкур, сюжеты комедии дель арте Ватто оказали влияние на Пабло Пикассо, Сезанна и Анри Матисса, а также на многих поэтов, таких как Поль Верлен и его отец Гийом Аполлинер, композитор Арнольд Шёнберг, и хореограф Джордж Баланчин.

Термин рококо и художники, связанные с ним, начали подвергаться критической переоценке только в конце 20, ^-х, веках, когда движения поп-арта и работы таких художников, как Дэмиен Херст, Кехинде Вили и Джефф Кунс, создали новый контекст для искусства, выражающий те же витиеватые, стилистические и причудливые обработки. Рококо оказал влияние на современность, что видно в логотипе Ai Weiwei 2017 , где, как писал искусствовед Роджер Кэтлин, «то, что выглядит как причудливый дизайн обоев рококо в черно-белом и золотом цветах, на самом деле является комбинацией наручников и цепочек. , камеры наблюдения, птицы Twitter и стилизованные альпаки — животное, которое в Китае стало мемом против цензуры.«Это движение живет и в популярной культуре, как показано в популярной песне Arcade Fire« Рококо »(2010).

Хронология: рококо, между барокко и классикой

Смерть И.С. Баха в 1750 году традиционно считалась концом эпохи барокко. Известная классическая эпоха Гайдна, Моцарта и Бетховена, как говорят, началась в 1775 году. Переходный 25-летний период между ними известен как рококо.

Вот почему этот термин полезен.

Слово Барокко — на самом деле уничижительный термин из мира ювелирных украшений, где он используется для описания неправильной продолговатой жемчужины.

В музыке барокко известно чрезмерным орнаментом, что-то кричащее или необычное.

Термин рококо происходит от французской архитектуры. Он используется для описания более простого метода украшения, смягчения правил.

Даже в момент смерти И.С. Музыка Баха считалась старомодной.

Музыкальные вкусы Европы сместились в сторону более простых стилей; певучие мелодии с сопровождающим аккомпанементом и стандартной длиной фраз.

Во Франции это называлось стилем Galant, музыка, которая, как описал Вольтер, «стремится доставить удовольствие».

Он освободил таких композиторов, как Иоганн Христиан Бах, от ограничений контрапункта, позволив использовать инструментальный стиль Бельканто Иоганна Давида Хайнихена и поздние клавишные сонаты Доменико Скарлатти.

В Германии этот поворот к простоте выразился в музыке «Empfindsamer Stil», или чувственного стиля. Его чемпион Карл Филипп Эмануэль Бах заявил, что цель всей музыки — затронуть сердца и вызвать эмоции. Музыка должна заставить тебя плакать.

Одним из самых ярких достижений в музыке этого переходного периода был акцент на эмоциональном контрасте. Барокко было сосредоточено на выражении одного эмоционального состояния за раз. C.P.E. Бах хотел выразить одно за другим множество аффектов.

Еще один термин, используемый для описания этого стремления к контрасту, — «Буря и натиск» или «Буря и стресс». Этот термин фактически пришел из американского театра. Это музыка, чтобы напугать, оглушить или вызвать реакцию. Вы можете услышать это в операх Карла Марии фон Вебера и Мейербера, а также в ранних произведениях Йозефа Гайдна.

В 1770-х годах Гайдн начал использовать чувства «Empfindsamer Stil», «Galant and Sturm» и «Drang» и объединять их с строгостью и контрапунктурными приемами барокко.

Именно этот союз разума и эмоций мы называем классическим стилем.

Timeline — это исследование развития западной музыки. Совершите путешествие в события, персонажей и концепции, которые сформировали нашу западную музыкальную традицию.

шаблон веб-страницы

шаблон веб-страницы

Экстравагантное украшение: Искусство французского рококо как выражение приятных поисков

---

Абстракция

Любовь Ватто Праздник

В Европе XVIII века идеи Просвещения формировали мысли людей; в Французское искусство 18 века, стиль рококо под влиянием живописи, скульптуры и архитектура.До начала 1700-х годов искусство барокко с его акцентом движение, степень света и атмосфера преобладали на арт-сцене. В смерть Людовика XIV, короля Франции, в 1715 году изменила взгляды на искусство, особенно во Франции, что положило начало движению рококо. То, что начиналось как движение в области внутреннего декора, постепенно стало в искусство, изменив взгляды на искусство на протяжении большей части XVIII века. Жан-Антуан Ватто положил начало движению рококо, а Франсуа Буше и Жан-Оноре Фрагонар был одним из самых влиятельных художников в стиле рококо во Франции.С началом Французской революции французский народ повернулся к более серьезные предметы и легкомыслие искусства рококо больше не казались подходящее. Искусство рококо от начала до конца открыло новый взгляд на живописи и отразил отношение покровителей, которые заказывали и выставлял работы.

Исторический Фон

С 1590 по 1700 год искусство барокко доминировало в европейском искусстве. Французские художники Примеры Николя Пуссена, Шарля Лебрена и Жюля Хардуана-Мансара стиль барокко в искусстве и архитектуре Франции.При Людовике XIV Ле Брун участвовал в проектировании Версальского дворца, а позже Мансарт добавил Galerie des Glaces или Зеркальный зал (Адамс 660-662). Пуссен работа сочетает в себе стили барокко и классицизма, и он наиболее известен его серия о жизни Фокиона, IV век до н. э. Афинский политик (Адамс 702). Хотя смерть Людовика XIV обычно считается конец периода барокко, некоторые историки искусства считают рококо просто продление этого периода.Пуссен и Питер Пауль Рубенс, еще одно барокко художник, продолжавший влиять на будущих художников; однако есть фундаментальные различия между искусством барокко и рококо, которые определяют рококо как его собственный этап в истории искусства (Янсон).

Когда Людовик XIV умер в 1715 году, Людовику XV было всего пять лет, и когда он был поставлен в Версале королем Франции, он получил репутация умного, культурного, большого любителя искусства, по сути любовник, и ничего более (Palacios 8).Смерть Короля-Солнца расслабилась обязательства французских аристократов, многие из которых вернулись в Париж жить в своих отелях, элегантных таунхаусах, в которых необходимо интимное, деликатные предметы интерьера (Janson). Смена правителя также вызвала смена патронажа. Роялти больше не были главным уполномоченным по искусству; эта ответственность теперь лежит на аристократах и ​​буржуазии (Адамс 706). Эти изменения в использовании и покровительстве, а также сдвиги в социальных и моральные парадигмы, сформировавшие искусство начала 18 века.

Когда Людовик XV стал королем Франции, отношение французского общества измененный. Строгое благочестие перестало быть таким важным, и упор делался на удовольствие. больше чем сила. Хотя аристократия по-прежнему оставалась главной составляющей треугольник власти, буржуазный класс начал появляться и церковь все больше уходила на задний план. Как идеи Просвещения набирали популярность, женщины играли более крупные роли, чем раньше, хотя они по-прежнему не имел многих прав или привилегий.Искусство рококо отразило некоторые этих идеологических сдвигов. С ослаблением моральных норм пришло больше эротических картин; одни картины были откровенно сексуальными, другие осталось незаметным. Художники рококо, особенно Ватто, ориентировались на аристократические субъектов и недооцененной религии, что отражает отход от Церковь как покровитель. Просвещенные аристократки стали проводить салоны для облегчения и продвижения разговора и распространения Просвещения идеалы.Когда женщины начали влиять на другие аспекты общества, картины стал более женственным и беззаботным.

Исследования Отчет

Искусство рококо по сюжету и стилю отразило эти изменения в обществе. Безраздельно господствовали легкомысленные сюжеты с участием аристократов и мифических предметы стали в центре внимания французских художников. Например, картина Ваттоуса Fête Venitienne (на фото слева) изображает французских аристократов в идиллическом саду.Обнаженная статуя на заднем плане придает картине эротический оттенок, а также намек к обнаженной натуре с известных картин прошлого. Буше сосредоточился на мифическом предметы, в том числе его знаменитая работа Венера, утешающая любовь 1751 года. Fragonards Swing представляет собой преднамеренное изображение эротического предмет, поскольку он был заказан придворным специально с намерением провокации эротических идей (Jarasse 92).

Стиль художников рококо также отражает тенденции общества. Rocaille , что означает рок, и coquille , что означает оболочки, объединяются, чтобы сформировать название стиля, и используются, потому что камни а ракушки часто использовались для украшения садов, а затем изображались в картинах того времени (Адамс 706). Отход от драматические контрасты света и тьмы в искусстве барокко, рококо мерцающая пастель. Чтобы сформировать голубой цвет, например найденный цвет в платье танцовщицы на картине Ватто художник начал с Подложка жемчужно-белого опалесцирующего цвета.Затем он добавил бы тонкий слоев синего и поверх него белые блики. Эта техника позволила для видимых мазков — еще одно отличие рококо от барокко, и придавал картинам ощущение текстуры.

В The Idea of ​​Rococo Пак объясняет фундаментальные различия между барокко и рококо, причина, по которой рококо не считается просто продолжение барокко:

С одной стороны, как определил Вольфлин он, рококо продолжал аморфность, размытие контуров, ломку формирование форм, их растворение в волшебном заклинании света, плавность, мягкость и гибкость барокко, но, с другой стороны, барокко настолько, что оно стало разрушительным и разрушило иллюзию, прозрение и всеобъемлющая иерархия, от которой зависело барокко (Парк 16).

Помимо цвета, некоторые характеристики искусства рококо включают S-образные, C-образные кривые, ракушки, мозаика, крылья летучей мыши, падающая вода, миниатюризация и асимметричность картуши (парк 17). Изображенные фигуры были одеты в модную одежда с тонкой головой, горлом и ступнями, и была установлена ​​в сельской местности (Гейтман). Художники определяли свои фигуры с помощью цвета, а не рисования их в первую очередь, которые обращались к чувствам, также важным в эту эпоху легкомыслия (Янсон).Искусство рококо также подчеркивает, что все моменты равны, и картины в этом отношении почти напоминали снимки, случайные моменты, а не только самые важные. Художники тоже пытались изображать природу такой, какой она должна быть, идеализируя пейзажи, в которых цифры были установлены (Парк 86).

Эти изменения в художественном стиле оказали драматическое влияние как на искусство, так и на общество 18 века во Франции. Парк говорит:

Суммарный эффект этого света, тонкий и игривый стиль — это не что иное, как создание второго структура, которую хочется сказать, второй мир, сделанный из орнамента, который частично скрывает или маскирует реальную структуру, от которой это зависит.Когда впервые попадаешь в интерьер рококо, чувствуешь себя разбитым. Такие чувства результат своего рода пуританского ужаса от переживания такого количества искусства, полная противоположность ужасу vacui, который мотивировал художника рококо и дезориентация, вызванная ощущением целостности искусства рококо (Парк 24).

Как искусство рококо само по себе было чрезмерно декоративным, так и внутреннее убранство. Точно так же французские аристократы украшали все свои отели. так как картины были выполнены, в результате чего дома были несколько чрезмерно украшены.Эротические сцены, изображенные на картинах, отражают настроения Граждане Франции. Подобно тому, как художники отбрасывают прежние правила искусства, Французские граждане отвергают многие правила, установленные церковью. Согласно в Католическую энциклопедию , искусство рококо, хотя приемлемо в помещения церкви, такие как ризница, обычно не способствует религиозная преданность и не должна размещаться на видных местах церкви (Гитманн). Отказ церкви от искусства рококо на видных местах сделал не удержать французских художников Ватто, Буше и Фрагонара от создания картины в этой манере.

Без Жан-Антуана Ватто (1684-1721), движение рококо в живописи возможно, не привлек того внимания. По словам Майкла Леви в Рококо до Revolution Ватто был важен по двум основным причинам. Во-первых, он развил идею художника-индивидуализма, ни от кого не зависящего иначе, чтобы сформировать его личность. Во-вторых, он развил жанр живописи. из fete galante , изображение итальянских комиков (Леви 56). Картины Ватто сосредоточены на одном психологическом моменте, и обычно сосредотачиваются на музыкантах и ​​любовниках или театре.Ни один из его подданных были связаны с религией или серьезными предметами. Для французских художников 1700-х годов Ватто показал, что художник может выбирать фривольные предметы и все еще считаться значительным художником (Леви 83).

Watteaus fetes galantes показали аристократов в самых разных условиях. Паломничество на Cythera (справа) , картина, которую он представил для принятия в Парижскую академию в 1717 году, изображает группу аристократических пар в путешествии.Демонстрация рококо В этой картине изображены экстравагантные пастельные тона одежды и фигур. которые миниатюрны по сравнению с пейзажем на заднем плане. В статуя, покрытая цветами, отражает легкомыслие того времени (Adams 706). Fete Venitienne содержит автопортрет Ватто в виде волынки. игрок у правого края картины. Отделяя себя от остальную часть общества, изображенного на картине, Ватто подчеркивает личное настроение и больше отождествляет себя с низшим классом чем аристократы (Левей 76).

После Ватто его учеником был следующий великий художник эпохи рококо. Франсуа Буше (1703-1770). В картинах Буше мифологические сюжеты, не аристократы, взял фокус. Венера, утешающая любовь (внизу) , 1751, изображает обнаженную Венеру в центре картины с Купидоном, ее сын, рядом с ней. Фронтальная поза Венеры с полностью обнаженной грудью. и только радужный, почти прозрачный кусок ткани, покрывающий другие ее интимные части, служит примером эротические тенденции рококо.Две любовные птицы вносят свой вклад в чувственная атмосфера. Пастельные тона и видимые мазки типичны для этого стиля, как и S-образная форма тела Венеры (Adams 713). Лизелотта Андерсен в книге «Искусство барокко и рококо » говорит: «Здесь, как и с Ватто — мир грез; но мир Бушерс более капризен, более чувственный и без меланхолии, которая неоднократно затрагивает произведения Ватто, (Андерсен 180). Венера, утешающая любовь — это картина, призванная быть красивой, картина, не имеющая никакой искупительной моральной ценности, типичная для искусства рококо.

В 1745 году Жанна-Антуанетта Пуассон, мадам де Помпадур (1721-1764), стала любовницей Людовика XV. Буше пользовался успехом как фаворит де Помпадур Художник рококо. Он написал Портрет мадам де Помпадур в 1756 году. и до этого Туалет Венеры в 1751 году (Jarrasse 82). Де Помпадур заказала номер Туалет Венеры для своего частного ретрита. В этой Венере почти не остается никакой божественной сущности, Здесь царит атмосфера салонного искусства.В чарующей смеси цветов, изображена светская женщина, поглощенная праздными развлечениями, она сидит на диван, мечтающий (Andersen 180). Буше сочетает в себе изображение легкая жизнь аристократов с изображением Венеры, мифологической характер, чтобы создать то, что любили высшие классы. Хотя его картины ему не хватало эмоциональной глубины, он восполнял это фантазиями, которые есть люди и воплощают их в жизнь на холсте (Янсон).

Ученик Буше Жан-Оноре Фрагонар (1732–1806) считается некоторые из них были лучшими французскими художниками 18 века.В 18 веке Французская живопись , Доминик Жарасс хвалит Фрагонара, говоря:

С Fragonard чисто воображаемое мир рококо уступил место чувствительности к тому, что вторая половина век должен был быть определен как Природа. Художник колебался между щекотливыми эротические сцены, предназначенные для любовных гнезд великих куртизанок и идиллические пейзажи в голландском стиле (Jarasse 89) .

В то время как остальные художники рококо уделяли большое внимание текстуре и эмоции, Фрагонар более романтичен в своем подходе.Его фигуры оживлены, но часто не имеют лиц, а его текстуры не всегда реалистичны (Леви 116).

Качели , 1766 (внизу) , самая известная работа Фрагонара. Работая в стиле рококо, Фрагонар представляет легкомысленный предмет в пасторальной обстановке. Он использует пастельно-розовый и заставляет свет сиять сквозь проемы деревьев, выделяя определенные поверхности, заставляя их мерцать. Хотя на первый взгляд кажется как не более чем аристократка в идиллической обстановке природы, картина содержит несколько эротических оттенков.Во-первых, священнослужитель в спина, почти полностью скрытая тенью, символизирует духовенство, пребывающее в неведении относительно сексуальных авантюр время. Во-вторых, раскачивание само по себе имеет сексуальный подтекст, как и тот факт, что мужчина на фотографии слева расположен так, что он может видеть юбки женщины. Адамс объясняет еще несколько эротических символы на картине: Его шляпа и ее туфля являются сексуальными отсылками в В этом контексте первый является фаллическим символом, а второй — вагинальным.Они дополняют обстановку: закрытый, но открытый сад, где любовные игры играются (Адамс 714).

В начале 1770-х годов мадам дю Барри заказала серию картин называется «Прогресс любви от Фрагонара» для своего павильона в Лувенсьене, которые в конечном итоге были возвращены ему, некоторые говорят, что положили начало конец искусства рококо. Четыре картины были названы The Pursuit, Встреча, любовные письма и Коронованный любовник (Бибель 54-55).Демонстрация цветов и листвы, пастельных тонов и легкомысленной темы В погоне за любовью эти картины демонстрируют важные качества стиля. В финальной сцене, когда мужчина получает венок из цветов от женщины, Художник сидит в стороне и рисует эпизод (Biebel 55). Кажется, что это может быть отсылка либо к себе, либо просто к художникам в целом записывая события в истории, что художники делали бы в стилях искусства грядущего. «Прогресс любви» выставлялся недолго. времени, прежде чем мадам дю Барри вернула их во Фрагонар только для того, чтобы Джозеф Мари Вьен пишет о том же.Она никогда не раскрывала своих причин никому, даже не Фрагонар (Biebel 56).

Исторический Значение

К концу карьеры Фрагонара отношение французов начало меняться назад к моральной чувствительности, а искусство рококо с его эротическими сюжетами и отсутствие искупительной моральной ценности больше не было стилем выбора в Французское общество. Французская революция сыграла большую роль в упадке рококо, за которым последовало возрождение классических идей, или неоклассицизма период.Художники этого периода отвергли идеалы рококо и разработали образец virtutis (Jarrasse 168). С неоклассицизмом художники соединили классику темы с политической пропагандой с акцентом на лояльность к государству. Их картины также предлагали искупление моральных ценностей, в отличие от легкомыслие искусства рококо.

До XVIII века искусство не содержало фривольных сюжетов; каждый кусок искусства имело искупительную моральную ценность, и многие из них были сосредоточены на религиозных темы.Царствование Людовика XV ослабило моральные нормы, и искусство рококо отразило это изменение. Парк говорит, что рококо было не просто предвестником революции но и своего рода революция (Парк 94). К несчастью для рококо художников, Французская революция снова изменила парадигмы общества, заставляя художников адаптировать свои работы к природе времени, принося конец эпохи рококо в конце 1780-х гг. Хотя некоторые искусствоведы утверждают, что рококо на самом деле было продолжением барокко, его качества представленных здесь рококо показывают, что это уникальный стиль с характерными все свое.

Список литературы

Адамс, Лори Шнайдер. Искусство сквозь время: четырнадцатый век в настоящее время. 2-е изд. Бостон: Макгроу Хилл, 2002.
Андерсен, Лизелотта. Барокко и рококо Искусство. Нью-Йорк: Гарри Н. Абрамс, 1969.
Бибель, Франклин М. Фрагонар и мадам дю Барри. Рококо к романтизму: Искусство и архитектура 1700-1850 гг. Ed.
Джеймс С. Акерман, Самнер Макнайт Кросби, Хорст W.Янсон и Роберт Розенблюм. Нью-Йорк: издательство Garland Publishing,
1976. 51-70.
Гитманн, стиль Г. рококо. Католическая энциклопедия, том XIII. 1999. Компания Роберта Эпплтона. 15 апреля 2002 г.

Янсон, Хорст Вольдемар. История искусства. 6-е изд. Нью-Йорк: Гарри Н. Абрамс, 2001.
Jarrasse, Dominique. Французская живопись XVIII века. Париж: лучший SA / Editions Pierre Terrail, 1998.
Леви, Майкл. Рококо до революции: основные тенденции восемнадцатого века Картина. Нью-Йорк: Фредерик А. Прегер
Издательство, 1966 г.
Парк, Уильям. Идея рококо. Ньюарк: Университет штата Делавэр Нажмите. 1992 г.

Интернет-ресурсы

http://www.nga.gov/collection/gallery/gg54/gg54-main1.html — Это веб-тур по Национальной галерее искусств по нескольким районам Ватто. Произведения искусства в стиле рококо, в том числе хронология 18 века.

http://www.artcyclopedia.com/history/rococo.html — Артциклопедия включает вводную информацию о рококо период, график и ссылки на художников и их экспонаты в музеях во всем мире.

http://www.kfki.hu/~arthp/tours/french/18_cent.html — В Интернет-галерее искусства представлена ​​информация о стиле рококо и ссылки на художников того времени с примерами их работ.

http://www.artlex.com/ArtLex/r/rococo.html — Этот сайт предоставляет ограниченную информацию по предмету, но на нем есть обширный список примеров работ и ссылки на дополнительную информацию о них индивидуальные работы.

http://www.tigtail.org/TVM/M_View/X1/g.Rococo/rococo.html — Виртуальный музей тигрохвоста предлагает образцы картин разных художников. Художники рококо, в том числе 13 художников Ватто, три Буше и девять Фрагонара.

http://www.hearts-ease.org/cgi-bin/index_g.cgi?period=1&s=1 Сайт 18th Century Art at Hearts Ease Gallery представляет краткую обзор Франции 18 века, а затем ссылки на нескольких художников периода с биографическими данными, сроками и избранными произведениями.

Сайт создан:
Сюзанна Финн

Барокко и рококо | Библиотека колледжа DuPage

Пересмотренное руководство по искусству в процессе Доминиканского университета / студентка практики ХПК Кэтлин Гомес — sp 2016

Искусство барокко было результатом реакции католиков на протестантскую реформацию на Тридентском соборе (1545-63). Католическая церковь хотела восстановить свое положение в качестве выдающейся церкви в Европе и использовала искусство в основном как пропаганду против протестантов.Искусство эпохи барокко имеет тенденцию быть монументальным, ошеломляющим, с головокружительными композициями и сильным чувством зрелища и иллюзии. Он был придуман как «барокко», слово, означающее «тщательно продуманный», поначалу использовалось уничижительно, потому что некоторые сочли его слишком большим после холодного и собранного искусства эпохи Возрождения. Среди произведений искусства этого периода — картины маслом и мраморная скульптура.

Искусство рококо возникло во Франции как прямой ответ на движение барокко. В то время как барокко грандиозно, симметрично и изобилует религиозными темами, рококо легкое и игривое; Как ни странно, если учесть, что это произошло в то же время, что и правление легкомысленного Людовика XIV.Рококо имеет множество архитектурных элементов и применений, которые можно увидеть во дворцах и садах. Картины, а также зеркала, шкафы и скульптура сохранились с этого периода.

Art Guide Home

1. Справочная литература
2. Книги в обращении
3. Базы данных и веб-сайты

Справочники

Запутались в теме или не знаете, с чего начать? Начни здесь! Справочники написаны, чтобы дать вам хорошее общее представление о теме.Печатные справочные материалы предназначены только для использования в библиотеке; Электронные книги можно просматривать в университетском городке и за его пределами, если у вас есть текущий читательский билет наложенным платежом. Справочная часть находится на первом этаже библиотеки, за лестницей. Вы можете использовать каталог или Справочную вселенную, чтобы найти как печатные, так и электронные справочники.

Барокко

• … измы: Понимание искусства — N6447.5 .L58 2004
  • Этот небольшой полезный ресурс описывает направления в искусстве начиная с эпохи Возрождения.Каждая глава имеет цветовую кодировку по движению, и в ней используются значки, указывающие на похожие и разные движения, термины глоссария и многое другое. Имеет оглавление; цветные фото; глоссарий; и график.
  • См. Главу 2: «Барокко и рококо», стр. 41-67
• 30000 лет искусству — N5300 .A14 2015
  • Эта маленькая книга представляет собой огромную хронологию искусства, от доисторических времен до наших дней! Каждая страница содержит цветную фотографию произведения искусства, библиографическую информацию и небольшую статью.Каждая запись имеет цветовую кодировку в нижней части страницы в зависимости от континента, с которого была создана работа. В конце перед индексом есть небольшая временная шкала, состоящая только из текста.
  • См. «Стиль барокко» в указателе, стр. 646
• Искусство и гуманитарные науки на протяжении эпох — NX440 .A787 2005
  • В этом наборе 5 томов, посвященных разным эпохам. Охватываемые темы включают музыку, моду, архитектуру, изобразительное искусство, театр и многое другое! Каждая книга имеет обзор эпох, хронологию и оглавление в начале каждой книги и каждой главы.Также включены черно-белые фотографии, карты и иллюстрации; библиография после каждой записи; глоссарий; и index.
  • См. Том 5: «Эпоха барокко и Просвещения».
• Энциклопедия скульптуры — NB198 .E53 2004
  • Эта энциклопедия содержит более длинные статьи о скульпторах, известных работах, произведениях по периоду, стилю, странам / континентам, а также материалам и техникам. В первом томе есть оглавление по алфавиту и теме, с указателем в последнем томе.Также представлены черно-белые фотографии и библиография после каждой записи.
  • См. Том 1: «Стиль барокко», стр. 124-9
• Словарь искусств Grove — N31 .D5 1996
  • Это более старый ресурс, но один из наиболее полных из существующих. Статьи и биографии немного длиннее и содержат черно-белые фотографии и иллюстрации, карты и указатель. Также часть Oxford Art Online!
  • См. Том 3 «Барокко», стр. 261-8
• Оксфордский компаньон западного искусства — N33.O923 2001
  • Оксфорд — одно из ведущих издательств в области искусства и архитектуры. В этой книге представлены краткие статьи о западных художественных движениях, художниках и истории искусства. Также доступно в электронной книге.
  • См. «Барокко», стр. 50-1

Рококо

• … измы: Понимание искусства — N6447.5 .L58 2004
  • Этот небольшой полезный ресурс описывает направления в искусстве начиная с эпохи Возрождения. Каждая глава имеет цветовую кодировку по движению, и в ней используются значки, указывающие на похожие и разные движения, термины глоссария и многое другое.Имеет оглавление; цветные фото; глоссарий; и график.
  • См. Главу 2: «Барокко и рококо», стр. 41-67
• 30000 лет искусству — N5300 .A14 2015
  • Эта маленькая книга представляет собой огромную хронологию искусства, от доисторических времен до наших дней! Каждая страница содержит цветную фотографию произведения искусства, библиографическую информацию и небольшую статью. Каждая запись имеет цветовую кодировку в нижней части страницы в зависимости от континента, с которого была создана работа.В конце перед индексом есть небольшая временная шкала, состоящая только из текста.
  • См. «Стиль рококо» в указателе, стр. 653
• Искусство и гуманитарные науки на протяжении эпох — NX440 .A787 2005
  • В этом наборе 5 томов, посвященных разным эпохам. Охватываемые темы включают музыку, моду, архитектуру, изобразительное искусство, театр и многое другое! Каждая книга имеет обзор эпох, хронологию и оглавление в начале каждой книги и каждой главы. Также включены черно-белые фотографии, карты и иллюстрации; библиография после каждой записи; глоссарий; и index.
  • См. Том 5: «Эпоха барокко и Просвещения».
• Энциклопедия скульптуры — NB198 .E53 2004
  • Эта энциклопедия содержит более длинные статьи о скульпторах, известных работах, произведениях по периоду, стилю, странам / континентам, а также материалам и техникам. В первом томе есть оглавление по алфавиту и теме, с указателем в последнем томе. Также представлены черно-белые фотографии и библиография после каждой записи.
  • См. Том 1: «Стиль рококо», стр. 124-9
• Словарь искусств Grove — N31 .D5 1996
  • Это более старый ресурс, но один из наиболее полных из существующих. Статьи и биографии немного длиннее и содержат черно-белые фотографии и иллюстрации, карты и указатель. Также часть Oxford Art Online!
  • См. Том 26 «Рококо», стр. 491-500
• Оксфордский компаньон западного искусства — N33.O923 2001
  • Оксфорд — одно из ведущих издательств в области искусства и архитектуры. В этой книге представлены краткие статьи о западных художественных движениях, художниках и истории искусства. Также доступно в электронной книге.
  • См. «Рококо», стр. 637-8

Книги в обращении

Это книги, которые вы можете проверить! Они могут быть более конкретными, чем справочники, и находятся на втором этаже библиотеки. Вы можете выполнить поиск в каталоге, прежде чем подниматься вверх, или щелкнуть поле ниже, чтобы увидеть номера телефонов для книг по искусству, чтобы вы могли просматривать полки.Если во время поиска вы найдете книгу, которая выглядит потрясающе, но которой мы не владеем, вы можете отправить запрос на аренду между библиотеками через I-Share, и другая библиотека пришлет вам книгу бесплатно! Для проверки книг вам понадобится читательский билет наложенного платежа.

Щелкните здесь, чтобы увидеть диапазоны номеров вызовов

Попросите сотрудника библиотеки показать вам, где находятся книги «N» и «T».

N — общие произведения искусства
NA — произведения по архитектуре
NB — скульптура
NC — рисунок
ND — живопись
NE — печатные СМИ
NK — декоративное искусство и керамика
NX — специальные темы в искусстве
TR — фотография

Барокко

• Искусство 17–18 веков: живопись, скульптура, архитектура в стиле барокко — N6415.B3 h5
  • Взгляд на искусство барокко по векам, странам и средам. Имеет оглавление; черно-белые и цветные фотографии; библиография; и index.
• Art Past, Art Present — N5300 .W64 1997
  • Мировой взгляд на искусство в хронологическом порядке от древних до публикации в 1997 году. Главы короткие, в основном обзор каждого периода искусства, с временной шкалой в конце каждой главы. Имеет оглавление; черно-белые и цветные фотографии и карты; Библиография; индекс; и глоссарий.
• Барокко и рококо — N6415.B3 B355 2012
  • Публикация Phaidon, которая рассматривает барокко и рококо в Европе, а также то, как и где они распространяются. Имеет оглавление; черно-белые и цветные фотографии; глоссарий; краткие биографии художников; временная шкала; Библиография; и index.
• Как распознать искусство барокко — N6415 .B3 C6613 1979
  • Краткое и легко читаемое введение в искусство барокко.К сожалению, оглавления нет, но есть заголовки вверху каждой страницы, чтобы вы знали, где находитесь. Особенности цветных фотографий и схем; глоссарий; Библиография; и index.
• Скульптура мира: история — NB60 .C55 1968
  • Хронологический обзор скульптуры от первобытного и древнего до 1960-х годов. Имеет оглавление; черно-белые фотографии и карты; Библиография; и index.

Рококо

• Art Past, Art Present — N5300.W64 1997
  • Мировой взгляд на искусство в хронологическом порядке от древних до публикации в 1997 году. Главы короткие, в основном обзор каждого периода искусства, с временной шкалой в конце каждой главы. Имеет оглавление; черно-белые и цветные фотографии и карты; Библиография; индекс; и глоссарий.
• Барокко и рококо — N6415.B3 B355 2012
  • Публикация Phaidon, которая рассматривает барокко и рококо в Европе, а также то, как и где они распространяются.Имеет оглавление; черно-белые и цветные фотографии; глоссарий; краткие биографии художников; временная шкала; Библиография; и index.
• Живопись Италии в восемнадцатом веке: рококо к романтизму — ND616 .C5
  • Каталог выставки, организованной Чикагским институтом искусств, Институтом искусств Миннеаполиса и Художественным музеем Толедо. К каждой картине прилагается краткое эссе, а также библиографическая информация. Содержит оглавление, черно-белые и цветные фотографии.
• Скульптура мира: история — NB60 .C55 1968
  • Хронологический обзор скульптуры от первобытного и древнего до 1960-х годов. Имеет оглавление; черно-белые фотографии и карты; Библиография; и index.

Базы данных и сайты

Все это веб-ресурсы, на которые библиотека COD подписана или которые были собраны из Интернета и полезны для этой темы!

Барокко

Базы данных — Лучшие ставки

Ниже приведены базы данных библиотеки, где вы можете получить доступ к журнальным статьям и другому контенту.Доступ к большинству из них можно получить за пределами кампуса, но для этого у вас должна быть читательская карточка наложенного платежа.

Некоторые предлагаемые ключевые слова и тематические термины, которые можно использовать при поиске статей на эту тему:
— «Искусство барокко»
— «Архитектура барокко»

• Academic OneFile
  • Содержит около 13 000 индексируемых журналов, газет и журналов, большинство рецензируемых и многие полнотекстовые. Исследование очень актуальное, не имеет большого исторического содержания, но охватывает широкий круг тем.На странице результатов поиска есть действительно классный поисковик, который дает вам ключевые слова, связанные с вашим поиском! У вас есть возможность сохранить, загрузить или отправить по электронной почте текст или MP3 статьи, а также вы можете бесплатно создать учетную запись, чтобы выделять и делать примечания к статье в базе данных.
• Академический поиск завершен
  • Содержит более 9000 журналов, около 7000 из которых полнотекстовые. Некоторые журналы относятся к 1880-м годам, поэтому вы можете найти исторические и недавние публикации по любой конкретной теме.Существует множество способов сузить область поиска, а также сохранить и процитировать вашу статью.
• Искусство и архитектура завершено
  • Подобно Academic Search Complete, за исключением того, что содержит только публикации, посвященные искусству! Если вы ищете функцию просмотра тем, она называется Тезаурус.
• Artstor
  • Найдите изображения произведений искусства, которые можно использовать в статьях и презентациях! Вы можете искать или просматривать по географии, СМИ или коллекциям музеев / галерей.Создайте бесплатную учетную запись, чтобы сохранять, систематизировать, цитировать или экспортировать изображения. Просмотрите их тематические руководства, чтобы почерпнуть идеи для своего следующего проекта! Советы по использованию этого ресурса см. В Кратком руководстве Artstor.
• Oxford Art Online
  • Лучший друг арт-майора. Эта база данных включает полный текст Grove Art Online, Oxford Companion to Western Art, Encyclopedia of Aesthetics и The Concise Oxford Dictionary of Art терминов. Ваш универсальный магазин научных статей, биографий и определений всего, что связано с искусством.

Сайты

Эти ресурсы были собраны из Интернета. Библиотечный билет не требуется!

• Google Art Project
  • Google Art Project — это результат партнерства с музеями и галереями, цель которого заключается в бесплатном размещении произведений искусства в Интернете! Вы можете искать и просматривать по музею, коллекции, художнику или произведению искусства. Если у вас есть учетная запись Google, вы можете создать свою собственную «галерею», чтобы сохранять и классифицировать свои любимые работы.
• Хейльбрунн Хронология истории искусств — Искусство барокко
  • Ссылка на функцию «ключевое слово» временной шкалы, в которой перечислены все эссе, произведения искусства и временная шкала с тегом «Baroque Ar».Куратор Met.
• Художественный музей Вальтера — Европа в стиле барокко
  • Ознакомьтесь с коллекцией европейского барокко в Художественном музее Уолтера в Балтиморе. Есть действительно классный слайдер, который перемещается по страницам! При наведении указателя мыши на изображение вы сможете быстро просмотреть объект, а щелкнув по, вы перейдете к полной библиографической записи, где вы сможете исследовать объект, увеличивая масштаб и щелкая различные виды.
• Музей Виктории и Альберта — Барокко
  • Изучите коллекцию произведений искусства в стиле барокко в Музее Виктории и Альберта.В коллекции есть ссылки на статьи, связанный контент и фрагменты.

Рококо

Базы данных — Лучшие ставки

Ниже приведены базы данных библиотеки, где вы можете получить доступ к журнальным статьям и другому контенту. Доступ к большинству из них можно получить за пределами кампуса, но для этого у вас должна быть читательская карточка наложенного платежа.

Некоторые предлагаемые ключевые слова и тематические термины, которые можно использовать при поиске статей по этой теме:
— «Искусство рококо»
— «Архитектура рококо»

• Academic OneFile
  • Содержит около 13 000 индексируемых журналов, газет и журналов, большинство рецензируемых и многие полнотекстовые.Исследование очень актуальное, не имеет большого исторического содержания, но охватывает широкий круг тем. На странице результатов поиска есть действительно классный поисковик, который дает вам ключевые слова, связанные с вашим поиском! У вас есть возможность сохранить, загрузить или отправить по электронной почте текст или MP3 статьи, а также вы можете бесплатно создать учетную запись, чтобы выделять и делать примечания к статье в базе данных.
• Академический поиск завершен
  • Содержит более 9000 журналов, около 7000 из которых полнотекстовые.Некоторые журналы относятся к 1880-м годам, поэтому вы можете найти исторические и недавние публикации по любой конкретной теме. Существует множество способов сузить область поиска, а также сохранить и процитировать вашу статью.
• Искусство и архитектура завершено
  • Подобно Academic Search Complete, за исключением того, что содержит только публикации, посвященные искусству! Если вы ищете функцию просмотра тем, она называется Тезаурус.
• Artstor
  • Найдите изображения произведений искусства, которые можно использовать в статьях и презентациях! Вы можете искать или просматривать по географии, СМИ или коллекциям музеев / галерей.Создайте бесплатную учетную запись, чтобы сохранять, систематизировать, цитировать или экспортировать изображения. Просмотрите их тематические руководства, чтобы почерпнуть идеи для своего следующего проекта! Советы по использованию этого ресурса см. В Кратком руководстве Artstor.
• Oxford Art Online
  • Лучший друг арт-майора. Эта база данных включает полный текст Grove Art Online, Oxford Companion to Western Art, Encyclopedia of Aesthetics и The Concise Oxford Dictionary of Art терминов. Ваш универсальный магазин научных статей, биографий и определений всего, что связано с искусством.

Сайты

Эти ресурсы были собраны из Интернета. Библиотечный билет не требуется!

• Google Art Project
  • Google Art Project — это результат партнерства с музеями и галереями, цель которого заключается в бесплатном размещении произведений искусства в Интернете! Вы можете искать и просматривать по музею, коллекции, художнику или произведению искусства. Если у вас есть учетная запись Google, вы можете создать свою собственную «галерею», чтобы сохранять и классифицировать свои любимые работы.
• Хейльбрунн Хронология истории искусств — рококо
  • Ссылка на функцию «ключевое слово» на временной шкале, где перечислены все эссе, иллюстрации и временная шкала с тегом «рококо».Куратор Met.
• Национальная художественная галерея — Французская и итальянская живопись: 18 век
  • Национальная художественная галерея — это художественный музей мирового класса в Вашингтоне, округ Колумбия. Здесь они создали портал для виртуальных туров по европейскому искусству 18 века.
• Музей Виктории и Альберта — Рококо
  • Изучите коллекцию произведений искусства в стиле барокко в Музее Виктории и Альберта. В коллекции есть ссылки на статьи, связанный контент и фрагменты.

ХРОНОЛОГИЯ: Барокко и рококо — ppt видео онлайн скачать

Презентация на тему: «ХРОНОЛОГИЯ: Барокко и рококо» — стенограмма презентации:

1 ХРОНОЛОГИЯ: Барокко и рококо

2 Барокко и рококо Искусство 1600-х годов известно как барокко, а искусство 1700-х годов превратилось в рококо.

3 Барокко Этот стиль зародился в Риме, Италия, в 1600-х годах и распространился по большей части Европы благодаря поддержке Римско-католической церкви. Барокко означало неправильное, гротескное и искаженное. Искусство барокко содержало преувеличенное движение, чтобы создать драму, напряжение и изобилие внутри произведения. Этот термин описывал движение, изгибы и легкомысленную элегантность в искусстве и архитектуре.

4 Картины в стиле барокко того периода содержали скрученные фигуры, движение и драматическое освещение.

5 Бегство Энея из Трои, 1598 Бароччи

6 Статуи в стиле барокко появлялись в коридорах, садах и даже на крытых крышах. Определенные скульптуры той эпохи были новаторскими, потому что предполагали движение и психологическую напряженность.

7 Давид, 1624 г. Бернини (Давид готовится бросить камень, чтобы уничтожить Голиафа) — скульптура для виллы кардинала.

8 Период барокко. В период барокко научные знания достигли огромных успехов.К научным открытиям этого периода относятся законы тяготения Ньютона, исчисления, законы базовой химии и начало современной медицины.

9 Эпоха барокко западноевропейские королевства расширились в результате исследований. Франция создала торговые посты и колонии в Канаде и долине Миссисипи вплоть до Нового Орлеана. Франция стала доминирующей державой в западном мире, а французский язык стал языком культуры и дипломатии.

10 Период барокко Франция построила роскошные дворцы для королей и знати.
Король Людовик XIV олицетворял славу придворной жизни. Его озабоченность всем в большом масштабе была не просто выражением вкуса — искусство использовалось как инструмент для иллюстрации могущества государства и положения короля как правителя по божественному праву.

11 Художники периода барокко стали жителями двора, написав портреты короля, его семьи и друзей.

12 Период барокко Архитектура того времени была чрезвычайно богато украшена внутри и снаружи. Стилизованные изгибы и листья, сусальное золото и золотые краски, шелк, штукатурка в изображениях херувимов и многие другие виды декора сделали интерьеры похожими на дубы с большим количеством глазури.

13 Версальский дворец, 1632 г., Версаль, Франция

14 Версальский дворец, 1632 г., Версаль, Франция

15 Версальский дворец, 1632 г., Версаль, Франция

16 Версальский дворец, 1632 г., Версаль, Франция

17 Версальский дворец, 1632 г.

18 Версальский дворец, 1632 г., Версаль, Франция

19 Версальский дворец, 1632 г.

20

21 год В эпоху барокко король Людовик создал тщательно продуманные правила этикета и каждый момент занимал тривиальные обязанности и развлечения.Монархи и знать этого периода, как мужчины, так и женщины, были одеты в напудренные парики, высокие каблуки, кружева и оборки, украшенные драгоценными камнями пуговицы и пряжки с украшениями на обеих руках и на шее. Изысканные балы, карнавалы и фестивали устраивались практически по любому поводу.

22 Людовик XIV Французский Ригуад 1701

23 Период барокко Когда Франция стала авангардом роскошной жизни, она уступила место новому художественному движению.

24 Рококо Рококо — это термин, обозначающий изысканную форму искусства барокко.
Стиль, разработанный в 1700-х годах в Париже, Франция, как реакция на величие, симметрию и строгие правила стиля барокко. Художники в стиле рококо выбрали более шутливый, витиеватый и изящный подход к искусству и архитектуре барокко. Рококо было более декоративным и широко использовало асимметричный дизайн, кривые и золото.

25 Король рококо Людовик XVI и королева Мария-Антуанетта положили начало отказу от рококо в Версале.

26

27 Рококо Их богатая и богатая мода распространила стиль рококо по всей Франции.

28

29

30

31 год

32

33

34 Рококо Мода из шелка, атласа и кружева с роскошными украшениями и стилизованными париками была реалистично и красиво окрашена в насыщенные цвета.

35 год Мария-Антуанетта в 13 лет
Портрет эрцгерцогини Австрийской Марии Антонии Мартин ван Мейтенс 1767

36 Король Людовик XVI в возрасте 20 лет Портрет Людовика XVI, короля Франции Жозефа Дюплесси 1776 г.

37 Мария-Антуанетта в 19 лет в коронационной мантии.
Портрет Марии-Антуанетты Австрийской Жан-Батист Готье 1775

38 Людовик XVI, король Франции Антуан-Франсуа Калле 1789

39 Мария-Антуанетта Эрцгерцогиня Мария-Антуанетта, королева Франции Луиза Лебрен 1778

40 Рококо Это было время, когда богатые были счастливы и беззаботны, а низшие классы бедствовали.Это различие вызвало бы восстания как американских колонистов, так и французских низших классов.

41 год Рококо по всей Европе

42 Церковь августинских пушек, 1763
Поллинг, Германия

43 Санкт-ПетербургАндреевская церковь, 1744 г. Киев, Украина

44 Императорское аббатство Оттобойрен, 1737
Оттобойрен, Германия

45 Императорское аббатство Оттобойрен, 1737 Оттобойрен, Германия

Хронология «История ГОСУЛОЛИ» в стиле рококо Vol. 1 — Багровые отражения

Зеркальный пост: хронология «История ГОСУЛОЛИ» в рококо Vol.1

У меня есть довольно много журналов и каталогов, посвященных моде в стиле лолита, начиная с 1998 года. И в некоторых из них я заметил одну вещь — хронологию и историю моды. Однако я не умею читать по-японски, поэтому я не могу их читать … и некоторые публикации относительно трудно найти на данный момент. Поэтому я хотел бы поделиться переводом информации для людей, которые, как я, не могут ее нормально прочитать. Я планировал кропотливо перевести все это с помощью диаграммы и Google Translate, но наткнулся на ссылку на статью в испанском блоге Noblesse Oblige на англоязычную статью в блоге под названием «A Gothic and Lolita Grimoire» на сайте история Lolita Fashion (больше не доступна в сети, вернуться назад?), которая также затрагивает происхождение названия.Судя по всему, в 1998 году вышел фильм о книге, и люди начали применять это имя к девушкам, уже носящим эту одежду. Представьте себе, что; Тогда все наше имя будет основано на людях, кричащих нам что-то на улице? Жалко, что вместо этого не вышли «Алиса в стране чудес», «Золушка» или «Маленький Бо Пип»; это было бы гораздо менее запутанно!

Так или иначе, в комментариях к этой статье автор отправил кого-то, кто занимался исследованием, к переводу хронологии «История ГОСУЛОЛИ» в Rococo Vol.1 пользователя sumire. Этот перевод также больше не доступен в Интернете. Я чувствую, что это действительно интересная информация (на самом деле весь ее старый сайт! Как и этот пост в ее журнале), и я хотел бы отразить перевод здесь, потому что он, похоже, не доступен от автора где-либо еще и обратный путь машина не всегда работает.

Итак, для ясности:
Это не моя работа. Это перевела Сумире. Я копирую его ТОЛЬКО для сохранения истории.

Хронология истории Госулоли
перевод с хронологии «Истории Госулоли» [sic] в Рококо Vol. 1
перевод Sumire
(дальнейшие примечания и ссылки в стадии разработки)

1980-е годы

1983: Инди-лейбл «Nagomu Records» основан Керой, вокалисткой группы «Uchoten»

Создал такие группы, как Kinniku Shoujo-Tai, Jinsei (позже Denki Groove), Tama, Tomorowo Taguchi’s Bachikaburi и Shine-Shine-Dan.Выражая нечто отличное от рока, который доминировал до того времени, он вызывает движение субкультуры. Появляются фанаты Нагому-кей, известные как «Нагому Галс». Они связаны с более поздней модой лолита.

1984: Основание инди-лейбла Trance Records.

Обозначается такими полосами, как YBO2. Полярная противоположность групп Nagomu-kei, они играют темную тяжелую музыку. Связан с более поздней готической модой.
(ПРИМЕЧАНИЕ: фанаты группы были известны как «Trance Gals.”)
Основание HYSTERIC GLAMOUR.
Kitschy, американский бренд HYSTERIC GLAMOUR в стиле кэжуал, основанный дизайнером Нобухико Китамура.
Вивьен Вествуд впервые приезжает в Японию
Она впервые демонстрирует свою коллекцию в Токио вместе с Ханаэ Мори и другими.
(Примечание: Calvin Klein, Claude Montana и Gianfranco Ferre были другими.)

1985: Начало «Хоко-тен Бум».

На смену Такэноко-дзоку стали популярны уличные представления на бульваре Омотэ-Сандо в Харадзюку.Это привело к «групповому буму», продолжавшемуся до 1995 года. Группы, вышедшие из этой сцены, включают JUN SKY WALKER (S), THE BOOM и BAKU.

1986: BUCK-TICK дебютируют на инди-лейбле.

Все еще популярные среди девушек-готлоли и сегодня, они дебютируют на инди-лейбле с песней TO SEARCH / PLASTIC SYNDROME2. Они установили легендарный рекорд продаж в инди-чартах того времени.

1987: Основание Mandarake Inc.

Они не только продают старую мангу и игрушки в стиле ретро, ​​но и распространяют в мире культуру косплея и додзинси.

1988: X (Япония) дебютируют на инди-лейбле.

Дебют легендарной группы X «Vanishing Vision» поступает в продажу. Костюмы, которые впоследствии носят поклонники X, можно назвать культурой. Его история началась в то же время, когда пришел бум группы Visual-kei.
Основание BABY, THE STARS SHINE BRIGHT.
Основание бренда, ставшего синонимом слова «лолита».

1989: Начало прослушивания программы «Ика-Тен».

Дебют таких групп, как FLYING KIDS, BLANKEY JET CITY, Tama, JITTERIN ’JINN и BEGIN.
Открытие первого магазина Джейн Марпл.
Компания Jane Marple, которая до сих пор работала без собственного магазина, открывает свой первый магазин в Лафоре Харадзюку. Часть 2.

1990-е годы

1990: Наступает «Сибуя-кей Бум».

Последняя волна Band Boom, стали популярными такие стильные группы, как Flipper’s Guitar, Pizzicato Five и ORIGINAL LOVE, известные как Shibuya-kei. Меломаны переходят от старого стиля ban-gyaru (девушки из группы) к «Olive Shoujo» («Olive Girls»).Их ключевые слова — полосы, береты и Agnes B.
(ПРИМЕЧАНИЕ: согласно сопроводительной статье, женский модный журнал Olive вызвал бум «натуральной лолиты»).
(ПРИМЕЧАНИЕ: в профилях персонажей сёдзё 1996 года. аниме «Гокиндзё Моногатари», любимый стиль музыки Пии-чана, одевающий лолиту, — Сибуя-кей.)

1991: Токио Джулианы открывается.

В последние дни «экономики мыльных пузырей» в Шибауре открывается масштабная дискотека Juliana’s Tokyo.Это становится социальным явлением, порождая такие термины, как «боди-кон», «отатидай» и «дзюри-сен».
Были ли и «курофуку», работавшая на дискотеке, и «курофуку», которые носили поклонники Visual-kei, были созданы Trance Gals?
(ПРИМЕЧАНИЯ: «body-conious]»: мода на обтягивающие, короткие, блестящие платья без рукавов, чтобы показать свое тело; «otachidai»: многоуровневые платформы для танцоров, на которых они могут стоять на дискотеках; «Juli [ana] -сэн [су] »(« веер Джулианы »): оперенный веер, который держат в одной руке, пока один танцует.« Курофуку »(« черная одежда ») в то время имело два разных сленговых значения: а) сотрудник дискотеки или другой сотрудник сферы услуг, обычно одетый в черный костюм, и б) полностью черная одежда, закрывающая тело, которую предпочитают поклонники Visual-kei.)

1993: ДЖУДИ И МЭРИ дебютировали с синглом «Power of Love».

Становится популярной панк-одежда в стиле Лолита, созданная по образцу вокалистки Юки. Английский дуэт Shampoo тоже символичен. Популярными становятся такие бренды харадзюку-кей, как МОЛОКО и ИСТЕРИЧЕСКИЙ ГЛАМУР.

1994: Laforet Harajuku пользуется огромной популярностью.

Толпы из 2–3000 человек, в том числе те, кто отдыхает на ночлег, выстраиваются в очередь на новогодние распродажи. Популярны харадзюку-кей, которые явно недешевы.Покупатели роятся в таких магазинах, как Jane Marple и BA-TSU.

1995: В Хибии открывается Vivienne Westwood Tokyo.

Дизайнер Вивьен Вествуд приезжает в Японию на торжественное открытие. Она ведет и напольное шоу, и ток-шоу.
Дебютирует Томоэ Шинохара, последняя из Галс Нагому.
Ее эксцентричная манера, спастические движения и уникальная манера говорить становятся популярными. Подражающие ей «шиноллеры» появляются в Харадзюку. Продюсер Таккью Ишино описывает ее так: «Будущие десять лет Nagomu Gals превратились в товарный продукт.«Торговые марки одежды SUPER LOVERS и Betty’s Blue переживают бум.

1996: Дебют MALICE MIZER.

MALICE MIZER дебютировали со своим первым синглом «Uruwashiki Kamen no Shoutaijou. Они производят сенсацию своей средневековой европейской концепцией и эстетическим мировоззрением.
Ночная программа «BREAKOUT» приводит к возрождению бума Visual-kei.
MALICE MIZER возглавляет список, в который входят такие группы, как SHAZNA, La’cryma Christi, FANATIC CRISIS, SOPHIA.Именно в это время рождаются готлоли.
Основание Метаморфозы.
Классическая, романтическая марка лолиты Metamorphose основана дизайнером Кунико Като.

1997: Ура-Хара-кей «индивидуалистические» высокие бренды очень популярны.

20471120, MILK, MILK BOY, Vivienne Westwood, Christopher Nemeth, Takuya Angel и другие нетрадиционные бренды с сильным индивидуальным стилем переживают бум.

1998: Выпущен ремейк фильма «Лолита».

Эдриан Лайн переделывает «Лолиту» Стэнли Кубрика 1961 года. Он основан на романе Владимира Набокова «Лолита», от которого произошли термины «комплекс Лолиты» и «мода Лолиты».

2000-е годы

2000: Выходит фильм «Королевская битва».

Режиссер Киндзи Фукасаку. Жестокость этой истории о том, как одноклассники убивают друг друга, приносит фильму рейтинг R-15 и статус социальной проблемы. Униформа в фильме разработана популярным брендом BA-TSU.Они продаются в магазинах, а некоторые фанаты ходят на фильм в костюмах.
ч. Первая коллекция НАОТО.
Бренд h.NAOTO создан дизайнером Наото Хироока. Его сильное чувство дизайна принесло ему уважение музыкантов как в Японии, так и за рубежом.
Новала Такемото дебютирует как писательница с «Мишином» («Швейная машинка») .
Новала Такемото, чьи эссе и сочинения сделали его харизматичной фигурой среди молодых девушек, дебютирует как писатель.
На экраны выходит фильм «Сонная лощина».
Режиссер Тим Бертон. Его красивые образы и костюмы выражают готическое мировоззрение, похожее на западное сказочное.
(ПРИМЕЧАНИЕ: они не упомянули публикацию первой Библии Готики и Лолиты, поскольку являются конкурирующим издателем.)

2001: 2001 TOKYO GOTH & DARKWAVE 01 состоится.

Первое событие крупнейшего готического события в регионе Канто. Мероприятие продолжается до седьмого и последнего раза в Shibuya DeSeO.
Выходит фильм «Гарри Поттер и философский камень».
По мотивам бестселлера, вызвавшего сенсацию во всем мире. Во всем мире молодые люди собираются на предварительных просмотрах, одетые в костюмы персонажей.

2002: MALICE MIZER распадается.

После продолжения перед лицом препятствий, таких как уход Гакта и внезапная смерть KAMI, MALICE MIZER наконец прекращает свою деятельность. В начале 2000-х годов наблюдается наплыв Visual-kei групп, которые распадаются.

2004: Становятся популярными группы Concept-kei.

Kishidan, Psycho le Cemu и другие концептуальные группы, игнорирующие жанр, становятся популярными. Их концерты переполнены косплеерами.
Многие сольные артисты дебютируют.
По мере того, как группы Visual-kei распадаются, сольные исполнители становятся популярными. DAIGO STAR * DUST, Miyavi и другие возродили Soft Visual-kei.
В продажу поступила картина Кендзи Оцуки «Лошадка-качалка-балерина».
Немного глупая и милая история о взрослении о путешествующей панк-группе и девушке-лолите.
На экраны выходит фильм «Симоцума Моногатари» по роману Новалы Такемото.
Главная актриса Киоко Фукада, с ног до головы одетая в одежду Baby, the Stars Shine Bright, привлекает внимание СМИ. Это разрушает представление о том, что готлоли равнозначны фанатам Visual-kei, а готлоли признаны модой.