Рокко стиль: примеры мастеров и основоположников галантного жанра, его особенности или черты французской эпохи 18 века

примеры мастеров и основоположников галантного жанра, его особенности или черты французской эпохи 18 века

Хочу спросить, а волнует ли вас веселый и загадочный стиль Рококо? Знаете ли вы, что стиль считается самым легкомысленным, так сказать, «с легким ветерком в голове» из всех стилей в истории искусства, по словам критиков того времени?

Мне же кажется, что среди всех стилей искусства он занимает особое место. Кстати, не только потому, что я ему очень симпатизирую! Согласитесь, само журчащее название «Рококо» уже обеспечивает часть успеха, оно интригует и запоминается.

Чем отличается Рококо от Барокко?

Самое главное отличие стилей, это их происхождение. Искусство Барокко в своем начале религиозное,  так как основным заказчиком картин была церковь, а Рококо — чисто светское, аристократическое.

Ни правительство, ни церковь не покровительствовали в подъеме стиля Рококо. Для Барокко характерна масштабность, монументальность и строгая симметричность. А Рококо напротив – изящный, построен на асимметрии.

Примеры картин эпохи Барокко и Рококо:

• Барокко свойственны темные, контрастные, яркие цвета. А Рококо, будто бы играючи, все поменял: для него характерны мягкие цветовые переходы и светлые пастельные тона.
• Стиль Барокко создает театральность и торжественность, а Рококо – мягкую утонченность и галантность.

Характерные черты стиля Рококо в живописи

Как всегда, законодательницей мод в искусстве выступила Франция. Именно там, в первой половине XVIII века, начал развиваться стиль Рококо, стиль легкости, изящества и беззаботности. А название «Рококо» производное от французского слова rocaille, что означает «скальный», также может переводиться как ракушка, коралл, обломки скал.

Причем тут ракушки, — спросите вы? А потому что изначально Рококо появился в декоре, а визитной карточкой стал завиток в виде морской раковины, самым ярким элементом композиций декора! А уже затем появились затейливые орнаменты, всякие милые глазу S-образные завитушечки.

Мебель с завитушками в стиле Рококо

Надо отметить, что эпоха Рококо — это стремление к свободе и непринужденности, освобождение от канонов и требований. То есть уход от стиля Барокко, который тогда находился в расцвете. А главной идеей Рококо является красота, идиллия, отказ от проблем и реальности, такая счастливая красивая жизнь.

Появление стиля Рококо в искусстве было закономерным. Как это часто бывает, публика пресытилась излишней пышностью, вычурностью и тяжеловесностью Барокко. И вот в начале XVIII века в декоре парковых павильонов появилось нечто новое, легкое и непринужденное.

На фото:

• Слева — Франсуа Буше «Завтрак» 1739 г, на картине можно увидеть элементы интерьера того времени
• Справа — неизвестный художник, на картине аристократка в одежде того времени

Стиль Рококо в живописи

А дальше все очень просто: появился спрос на подобные украшения, а затем и мода. С этого момента стиль Рококо стал активно распространяться по странам Европы. Что же касается видов искусства, то наиболее ярко он проявился в архитектуре и живописи.

Архитектура Рококо с игривостью противостоит строгой симметричности и парадности сооружений Барокко. Построенные в эпоху Рококо дворцы и храмы и сейчас радуют изысканностью форм, приветливостью и веселой красотой. Чаще всего, в этих сооружениях почти полностью отсутствуют прямые линии.

Как, это же архитектура, — скажете вы? Просто все эти линии старательно замаскировывались растительными орнаментами, плавными изгибами, кокетливыми карнизами и другими затейливыми элементами.

Архитектура в стиле Рококо

Но еще более ярко стиль Рококо выразился в декоре интерьеров! Сложные лепные узоры, завитки, гирлянды – все это создавало впечатление сказочной роскоши и живописной легкости. Картину интерьера дополняли многочисленные зеркала и хрустальные люстры.

Интерьеры эпохи Рококо

Для оформления в стиле Рококо кроме традиционных пастельных тонов, часто использовались золотистые и жемчужно-серебристые оттенки. Что и сказать, интерьер получался роскошный, даже сказочный! Помещение, украшенное таким декором, казалось изнутри невероятно красивой шкатулкой.

Основоположником Рококо в изобразительном искусстве стал французский живописец Жан Антуан Ватто (Antoine Watteau). Вначале он копировал картины фламандских мастеров, а со временем нашел свою тему в живописи. Он стал писать милые легкие картинки из жизни аристократов, и это было началом нового галантного жанра. А затем и нового стиля в живописи – Рококо.

Картины Рококо живописца  Жана Антуана Ватто

Картины Рококо наполнены, как сейчас сказали бы, няшностью. Полный уход от проблем современного мира и жестоких реалий, только идиллия и наслаждение жизнью. Элегантно одетые персонажи, находящиеся на фоне красивой природы, играющие, отдыхающие – традиционный сюжет картины Рококо.

В эпоху Рококо художники постоянно находились в поиске особенных изысканных оттенков. Были модными неестественные цвета, которых практически не встречалось в природе. Так вот, некоторые редкие оттенки даже получали милые названия за свою красоту.

Например: «голубиная шейка» (понятно, что голубой цвет), а вот как выглядел «цвет потерянного времени» или «цвет бедра взволнованной нимфы» даже догадаться сложно! Кстати, cuisse de nymphe émue (бедро взволнованной нимфы) считается бледно-розовый цвет, и даже есть розы с таким чудесным  названием!

Картина Рококо и роза «cuisse de nymphe émue»  

На заметку: Франсуа Буше, автор пасторального жанра и живописец Рококо, считал, что природа несовершенна, к тому же часто природному сюжету недостаточно освещения. Поэтому он добавлял изумрудные, розовые и бирюзовые оттенки, делая  свою живопись яркой и радостной.

Примеры картин Франсуа Буше (François Boucher)

Слева — «Венера, утешающая Амура» («Venus Consoling Love»), 1751г.
Справа —  «Птичья клетка» («La cage d’oiseaux»), 1750г.

Картины Рококо Франсуа Буше

На заметку: Стиль Рококо иногда называли «стилем Помпадур». Почему? Да потому что мадам де Помпадур, фаворитка короля Людовик XV , была настоящей иконой стиля того времени! Маленькие, почти кукольные, ручки и ножки, изящная обувь, эротичное декольте, складочки, рюшечки, розочки, бантики… Такой она предстает на картинах художников того времени.

На фото: Франсуа Буше «Портрет мадам де Помпадур)

Стиль Рококо в живописи — Франсуа Буше

А знаете ли вы, кто сделал Францию центром культуры, искусства и моды? Именно король -солнце, как его называл французский народ, Людовик XIV! Со времен рассвета стиля Барокко на территории Франции все и началось, потом засветил поярче «культурный маяк» и последователь трона-  Людовик XV. Так с легкой руки короля, Франция до сих пор считается центром искусства и моды…

Еще одна особенность стиля Рококо в живописи – это отношение к внешнему виду персонажей. Герои картин все как на подбор румяные, нежные и холёные. Причем, это касается не только дам, но и мужчин. Стало модным иметь румяный вид, что подразумевало крепкое здоровье и молодость.

Именно в этом был секрет стиля: неувядающая молодость и красота!

На фото:

• Элизабет Виже-Лебрен, «Портрет мадам Дюбарри» 1782г.
• Густаф Лундберг, «Портрет Франсуа Буше» 1741г.

Рококо в живописи

Кстати, как вы думаете, кто рисует больше, мужчины или женщины и почему? Читайте мою статью с примерами, надеюсь, она вам понравится. А здесь вы можете почитать об малоизвестных художницах Франции, например, об Элизабет Виже-Лебрен, чья картина находится выше.

Вот и получается, что Основная идея Рококо в живописи — запечатлеть  вечную молодость и красоту! В картинах персонажи как бы изящно убегали от реальности, показывая всем своим существованием радостную беззаботность.

Как ни странно, но характерной чертой Рококо в живописи также является… эротика. Получилось, что в это время было полностью пересмотрено отношение к обнаженному телу. Художники еще со времен античности писали обнаженную натуру, но теперь в этих картинах добавился привкус соблазна и сладострастия.

Кстати, именно это служило темой для критики шедевров французских живописцев Франсуа Буше и Жана Оноре Фрагонара. Уж слишком откровенными и манящими выглядели молодые дамы на картинах этих художников!

Критики того времени осуждали не только картины, но и все направление в целом. Они считали, что стиль несерьезен и безвкусен.

Многие отмечали, что стиль Рококо несет распущенность в массы и не имеет эстетики ….

Только вечная моложавость, беззаботность и любовь! Это критики того времени высказывали свое мнение по поводу стиля, а сейчас, современные критики искусства оценивают стиль совершенно иначе!

Источник: http://www.viktoria-latka.com/rokoko-v-zhivopisi-osobennosti-stilya/

Эволюция портрета. часть 6. рококо

РОКОКО («причудливый», «капризный», фр. rococo, от rocaille — ракушка, осколки раковины), по мнению некоторых искусствоведов не является самостоятельным стилем, а лишь определенным этапом в общеевропейском барокко.

Другие исследователи считают его отдельным стилем, имеющим свои отличительные черты в философии, в отношении к религии и жизни, в тематике сюжетов и в изобразительных средствах.

И если барокко — искусство в своем истоке религиозное, рококо — сугубо светское. «Барокко со страстью и серьёзностью утверждает религиозные догмы, рококо чуждо как серьёзности, так и подлинной страсти».

Философия рококо — неоэпикурейство: только наслаждение составляет суть человеческой жизни, идеальное времяпровождение — беззаботный флирт на лоне природы. Любовь и праздник становятся синонимами рококо. Этот стиль — прямой и непосредственный предок современной «глянцевой» культуры.В живописи, особенно в портрете, мы видим явные отличия от патетической торжественности, величавости и пафоса барокко, на смену которым приходят изысканность, утонченность, декоративность и театральность.

Главными признаками этого стиля становятся изогнутая капризная линия, напоминающая очертания раковины, и иная гамма цветов — легкие пастельные тона, розовые, голубоватые, сиреневые, серебристые.

Основоположником этого стиля, в творчестве которого впервые наглядно проявились основные черты рококо, считается Антуан Ватто (1684-1721), хотя в целом творчество художника далеко выходит за его рамки.

Сам художник испытал сильное влияние творчества Рубенса, произведения которого изучал в Люксембургском дворце в Париже, но в отличие от него вносил в свои произведения интимность, лирическую взволнованность, бесконечное разнообразие оттенков чувств и настроений. Особенно это проявилось в работах, изображающих актеров, с их целым миром тончайших душевных состояний, богатством эмоциональных оттенков и чувственностью.Он был прекрасным и неутомимым рисовальщиком, делал множество подготовительных рисунков одного и того же персонажа в бесконечных вариациях поз, движений, жестов. поворотов головы, добиваясь наиболее выразительной композиции в будущей картине.Прожив короткую, не очень счастливую жизнь — он умер от туберкулеза в возрасти 37 лет, Антуан Ватто оставил потомкам около двадцати тысяч картин и множество последователей, которые, однако, не достигают той особой утонченности и эмоциональности, которые были присущи образам Ватто.

Одним из них был Никола́ Ланкре́ (1690—1743), писавший в духе Ватто персонажей итальянской комедии, галантные сцены, пасторали, сцены из театральной жизни и портреты, которые почему-то считаются критиками не очень удачными.

У другого представителя стиля рококо времен Ватто, Франсуа Лемуана (1688-1737), художника в основном исторического жанра, стилистические особенности рококо проявились во второй половине творческой жизни, когда он отошел от исторической тематики и стал мастером занимательных любовных сюжетов, великолепным колористом и рисовальщиком.

Не выдержав жизненных неурядиц, переживая неудачную попытку справиться с одним ответственным и сложным заказом, потеряв своего покровителя герцога Антенского, Лемуан сошел с ума и покончил жизнь самоубийством.

Крупнейшим мастером собственно стиля рококо стал ученик Лемуана Франсуа Буше(1703-1770).

Именно с его именем у меня лично ассоциируется само название стиля, именно в его творчестве наиболее ярко и наглядно проявились его худшие (на мой взгляд) черты: слащавость сюжетов, жеманность поз, манерность, «кукольность» лиц, розово-серо-серебристая «сладенькая» цветовая гамма.

В его «нарядно-кокетливых», сентиментальных портретах натура сильно приукрашена , недостатки внешности сглажены, фон и даже фигуры украшены цветами, драпировками и гирляндами.Его герои (даже мужчины) похожи на кокетливых фарфоровых кукол, чувственно-однообразных, с розовыми щечками, красными губками и пустым взглядом, глуповато-жизнерадостные и безмятежные.Это, разумеется, мое личное восприятие творчества Буше, хотя оно отчасти совпадает с современной оценкой французских искусствоведов, отмечающих «слащавость и невысокий художественный вкус его стиля».

Еще Дидро в свое время говорил о Буше: «Его распутство должно пленять щеголей, легкомыслящих женщин, молодежь, людей света, то есть всех тех, кому чужды истинный вкус и правдивость».

Наиболее известным для русскоязычного читателя является, наверное, Жан-Марк Натье (1685-1766), потому что путешествуя в 1717 году по Голландии, он познакомился там с Петром I, написал его портрет и получил приглашение стать придворным живописцем.

Пару слов об еще одном замечательном художнике-портретисте — Морис Кантен де Латур (1704—1788),

И еще одним из представителей французского рококо, о котором необходимо сказать, является Жан Оноре Фрагонар (1732–1806), ученик Буше и продолжатель его традиций в жанровой живописи, но не в портретном жанре.

В это же время в Италии работает Джова́нни Батти́ста Тье́поло (Джанбаттиста, 1696-1770), прославившийся в основном как мастер фресок и гравюр, ставший к середине века признанным главой венецианской школы живописи, оставивший нам и некоторое количество портретов.

И хотя Натье отказался покидать Париж, но написал по заказу царя несколько портретов приближенных из свиты и картин на исторические тымы. С 1720 года художник полностью посвятил себя портретной живописи, написав большое количество портретов членов королевской семьи и высокопоставленных особ, часто изображая их в виде мифологических или библейских героев.

Можно сказать, что Жан-Марк Натье стал создателем нового жанра — исторического портрета, который существовал, конечно, в разрозненном виде и у других художников до этого, но именно его блестяще написанные портреты составляют большие и важные коллекции выдающихся деятелей Франции и России во многих музеях мира.которого формально относят к стилю рококо, но его работы приближаются к реализму, получающему во второй половине века все большее распространение.

Посмотрите на пастельный автопортрет, на живое чуть насмешливое выражение глаз, легкую улыбку нервного подвижного рта, свободную раскованную позу. Героями его портретов чаще всего были представители блестящей культуры французского Просвещения, люди психологически сложные, проницательные и ироничные.

Художник не льстил им, а стремился передать не только их статус и профессию, но обнажить их внутренний мир, запечатлеть мимолетное движение человеческих страстей и мыслей.

Если в жанровой живописи, в своих пасторальных сюжетах художник был часто беззастенчиво эротичен и легкомыслен, то в портретах он стремился вывести своих героев из обыденной жизни, показать их взволнованность, душевные переживания, интеллектуальную возвышенность.

Это уже приближало творчество художника к тем тенденциям, которые стали характерными для романтизма 19-го века., о котором мы будем еще говорить позже.

Двое из его сыновей (всего у него было 9 детей) тоже стали известными художниками, старший сын Джованни Доменико Тьеполо (Джандоменико, 1727-1804) считался лишь подражателем отца. Только после смерти Тьеполо-старшего, о сыне стали говорить, как о независимом художнике, он сумел внести и свою лепту в искусство итальянского рококо.

Еще один сын Старшего Тьеполо — Лоренцо Бальдиссера Тьеполо (1736-1776), живописец и рисовальщик, тоже принадлежал, разумеется, к кругу последователей своего великого отца. После его смерти он жил в Испании при дворе короля Карла III, писал портреты и картины, используя в них испанские народные типажи.

Еще одним известным художником стиля рококо (а позже и неоклассицизма) в Италии был Батони Помпео (1708-1787), в творчестве которого, особенно в портретах, все яснее проявлялись реалистические тенденции, хотя еще и носящие поверхностный характер.

Героям его портретов всегда присущи некие общие черты: знатность, аристократическое достоинство, эмоциональность, живое выражение лиц и глаз, свободные и естественные позы.

И еще пару слов об итальянской художнице венецианской школы — это Каррера Розальба (1675-1757). Она начинала как миниатюристка на табакерках из слоновой кости, но потом перешла к портретной живописи пастелью, ею были выполнены портреты многих знатных людей, приближенных к венецианскому двору.

Живя и работая некоторое время в Париже, она познакомилась с основоположником стиля рококо Антуаном Ватто, написала с уважением и любовью его портрет пастелью .

Совершенно ослепнув к старости, она уже не могла работать, но то, что она успела сделать, принесло ей популярность и до сих пор интересует любителей живописи.

Во второй половине века еще одна женщина прославила своим творчеством стиль рококо, на этот раз в Швейцарии.

Кауфман Ангелика (1741-1807) очень рано, в 11 лет, начала писать портреты, а в более зрелом возрасте еще и сцены на исторические и литературные сюжеты.

Большое влияние на творчество Кауфман оказала поездка в Англию, знакомство там с английской школой живописи и близкая дружба с одним из английских художников стиля рококо, которым был первый президент Королевской академии художеств сэр Джошуа Рейнольдс (1723-1792), родоначальник английской школы живописи, отличающейся глубиной тона и сочностью письма.

Если высшим идеалом живописи Рейнольдс считает не выявление натуры и не выражение личности автора, а поиск совершенной красоты, то его младший современник и в какой-то мере соперник в искусстве, гениальный английский живописец Томас Гейнсборо (1727—1788)

И еще об одном английском художнике, творчество которого является переходным от эпохи рококо к реализму, хотелось бы сказать, это — Уи́льям Хо́гарт (1697-1764).

Со временем она стала очень популярна в Европе благодаря тому, что ею были написаны многочисленные портреты королевских особ и их приближенных, изображенных в тонкой и изящной манере стиля рококо.Кумирами Рейнольдса были Тициан, Рубенс и Рембрандт, лучшие качества написанных ими портретов — сходство с оригиналом, выразительность, выбор позы и аксессуаров, «сочная» манера письма — он сумел соединить в своем собственном творчестве.

Особенно ему удавались «парадные» портреты, герои которых в нарядных одеждах изображались на фоне колонн, драпировок или декоративных пейзажей.«Вы не должны зависеть от вашего гения. Если ваши таланты велики, труд их усилит; если у вас лишь скромные способности, трудолюбие возместит их несовершенство.

Нет ничего невозможного для должным образом приложенного усилия: а без него ничто достигнуто быть не может». (Из ежегодной «Речи» Рейнольдса в Королевской академии)и не думал следовать каким-либо теориями, он работал интуитивно и просто, глядя на натуру, стремясь сделать привлекательными обычные лица.

Его картины отличаются изысканностью и виртуозной легкостью, создающей впечатление воздушности и мгновенности исполнения. В своей речи в Академии вскоре после смерти художника Рейнольдс сказал о нем: «Я осознал его превосходство… у меня создалось впечатление, что ему жаль было при расставании с жизнью расставаться прежде всего с искусством…».

Об их взаимном уважении и одновременно соперничестве могут говорить эти две картины, изображающие двух мальчиков на фоне похожего пейзажа, но в разных позах и костюмах разного цвета.

Если его картины — скорее реалистичные, близкие к политической сатире, обличающие феодальные предрассудки и привилегии, уродство буржуазного образа жизни, то в портретах остро проявляются его гуманизм и демократизм.

Будучи противником «светского» парадного портрета, он пишет своих родственников, близких друзей, слуг с теплотой и проникновением в душевный мир своих героев вне зависимости от их социальных рангов.

Высшие достижения английского искусства второй половины 18 века относятся к жанру портрета, английские портреты в своем большинстве отмечены стремлением художников к созданию полнокровных живых характеров и в то же время использованием старых традиционных схем парадного портрета.

Подводя итог этому небольшому разговору о портрете эпохи рококо, можно сказать, что идейная основа стиля — это вечная молодость и красота, неприятие старости и уродства, галантное и меланхолическое изящество, бегство от реальности в пастушескую идиллию.

Недаром это «столетие париков, карет, менуэтов, треуголок» (Натан Эйдельман) еще называют «галантный век». можно сказать, что рококо — это «гламур» XVIII века, целиком обусловленный особым образом жизни: богатым, праздным, наполненным красотой и изяществом, флиртом и соблазнением.

В этом смысле рококо действительно прямой предшественник глянцевой субкультуры наших дней.Как всегда, я предлагаю посмотреть музыкальный видеоролик по теме (в котором 104 репродукции портретов), длительностью в 12 минут, в сопровождении музыки в стиле рококо.

Источник: https://vanatik05.livejournal.com/26221.html

Рококо

Рококо называют самым легкомысленным и бездумным из всех стилей в искусстве.

Почему тогда рококо столь значимо для русской изобразительной культуры? Почему определение от слова «рококо» звучит для нашего уха так экзотически — «рокайльный»? В чем основное различие рококо и барокко, которые люди малосведущие часто путают? Наконец, почему рококо — это прямой и непосредственный предок современной глянцевой культуры? Обо всем этом пойдёт речь ниже.

Рококо родилось во Франции XVIII столетия, хотя само название узаконит лишь следующий век, девятнадцатый.

Стиль получил имя от французского слова rocaille — ракушка или раковина. Издавна раковинами декорировали искусственные гроты и чаши фонтанов, позднее в оформлении интерьеров стали активно использоваться орнаменты, повторяющие витые, округлые очертания раковин. К XVIII веку интерес к ним только рос.

Они усложнялись и переплетались, становились всё более изощренными и причудливыми. Такие орнаменты назывались рокайлями, а сам стиль, построенный на капризных гнутых линиях и нежнейших цветовых переливах, — соответственно, рококо. Говорят, этой картиной, написанной 37-летним художником перед смертью, Антуан Ватто напророчил будущее рококо.

В «Лавке Жерсена» уже заключены все колористические возможности этого стиля: никаких контрастов, но взамен — богатейшая и тонкая пастельная палитра с тончайшими цветовыми переходами. Появление стиля рококо связано с «концом прекрасной эпохи» — эпохи Людовика XIV.

Не случайно знаменитая «Лавка Жерсена» изображает, как короля-Солнце снимают со стены и убирают в коробку. Но было бы неправильным отождествить всё XVIII столетие только со стилем рококо. Этот век многообразен, как никакой другой из предшествующих.

Видоизменяясь, в искусстве продолжают существовать страстное и строгий . Зарождается сентиментализм. Прогрессивная критика в лице Дени Дидро даже пытается угадать зачатки реализма.

И всё-таки именно галантное, капризное, вычурное рококо становится для XVIII века знаковым. Недаром это «столетие париков, карет, менуэтов, треуголок» (Натан Эйдельман) еще называют «галантный век». Галантному веку — галантное искусство.

Извивающиеся ветви деревьев, порхающая с легкостью мотылька красавица, её летящая по изогнутой рокайльной траектории туфелька, томные взгляды и обнажившиеся коленки. На картине Жана-Оноре Фрагонара «Качели» — квинтессенция образа жизни в стиле рококо.

С уходом со сцены Луи XIV уходят из моды грандиозная пышность придворных празднеств в стиле . Да и вообще — всё величественное и всё торжественное больше не комильфо.

Регент Филипп Орлеанский, а затем и король Людовик XV предпочитают образ жизни несколько более камерный, но зато и более комфортный. Он сосредоточен не в широком кругу придворных, а в близком, почти интимном кругу друзей-единомышленников. Философия рококо — неоэпикурейство.

Только наслаждение составляет суть человеческой жизни. Идеальное времяпровождение — беззаботный флирт на лоне природы. Любовь и праздник становятся синонимами рококо.

Из парадных залов искусство плавно перемещается в будуар. Интерьеры рококо — уютные и комфортные. Именно во времена рококо появляются изысканные кушетки с мягкими спинками и кресла «кабриоль» с витыми ножками, обеспечивающие комфорт телу, шелковые шпалеры на стенах и небольшие изящные статуэтки, доставляющие наслаждение глазу.

Каприз и прихоть — «альфа и омега» рококо. Это касается как общего настроения, так и самих форм искусства. Импровизация заменяет дисциплину. Причудливая асимметрия побеждает классические равновесие и ясность.

Интересная особенность стиля рококо — его отношение к возрасту. Чуть ли не впервые в истории старость перестаёт ассоциироваться с мудростью и почётом. Стареть теперь нежелательно и даже постыдно. Это касается не только женщин, но и мужчин, ведь сам тип внешности, популярный во времена рококо, — гендерно-универсальный.

• Франсуа Буше. Голова Людовика XV. 1729. Лос-Анджелес, музей Гетти.
• Дмитрий Левицкий. Марии Дьяковой. Фрагмент. 1778. Москва. Государственная Третьяковская галерея.

Облик мужчин и женщин в искусстве рококо становится на удивление сходным. И те, и другие равно изнежены и капризны. И те и другие изящнейше одеты. И даже румянами и пудрой мужчины и женщины галантного века пользуются с одинаковым тщанием, ведь им важно выглядеть как можно лучше — авось удастся обмануть возраст?

Российская императрица Елизавета Петровна так болезненно переносила старение и панически боялась умереть, что от неё стали скрывать факты смерти знакомых. Придворные не смели говорить при ней «ни о Вольтере, ни о болезнях, ни о покойниках, ни о красивых женщинах».

Образец русского рококо — портрет императрицы Елизаветы Петровны работы Ивана Аргунова.

Кстати, отец Елизаветы Петр I пытался выдать её замуж за сверстника и наследника французского престола Людовика XV, но не сложилось. Однако страсть к музицированию, маскарадам, галантным празднествам и стилистике рококо осталась с императрицей на всю жизнь.

Итак, старости для рококо не существовало. А как же еще один важный возраст — детский? Да так же! Ведь не актуальна сама идея возрастных изменений. Дети, согласно убеждениям XVIII века, — всего лишь маленькие взрослые.

Поэтому наряжать их следует совершенно по-взрослому. Более того, их игры и забавы точь в точь копируют взрослые. Дети со знаменитой картины Антуана Ватто «галантно» проводят время: мальчики музицируют, девочка готова начать танцевать.

Танец

Живопись рококо намеренно выбирает ситуации, где можно извлечь любые возможности для проявлений галантности или любовной интриги.

• Пьетро Лонги. Утренний шоколад.
• Никола Ланкре. Крепление конька.

Не слишком уклоняясь от истины, можно сказать, что рококо — это «гламур» XVIII века, целиком обусловленный особым образом жизни: богатым, праздным, наполненным красотой и изяществом. Из мира рококо, как и из глянца, прочно изгнаны старость и болезни, бедность и уродство.

А еще живопись рококо, подобно глянцевому фото, главной своей темой считает соблазн. Соблазнительность как качество, соблазнение как процесс — вот его ключевые сюжеты. И в этом смысле рококо действительно прямой предшественник глянцевой субкультуры.

Пресловутая легкомысленность рококо — это, конечно, не виньетки и завитки. И не только галантные празднества и изнурительная праздность. Это еще и новое прочтение эротической темы.

Но ведь обнажённая натура, возразите вы, — это основа основ изобразительных искусств со времён античности, а доскональное знание человеческой анатомии и перспективная передача ракурсов и движения — заслуга эпохи Возрождения. Верно! Что же нового привнесло в тему «ню» рококо?

Ответ очевиден: отчетливый вкус сладострастия. Например, эту картину Франсуа Буше один из критиков назвал «самым долгим поцелуем в истории западноевропейской живописи»:

Интересно, что родоначальник французского рококо Антуан Ватто своих эротических работ стеснялся, а некоторые после своей смерти даже завещал сжечь. Но его картина «Туалет», тем не менее, положила начало «будуарному жанру». Уже у Буше и Фрагонара нагота не нуждается в «оправдании античностью», а приобретает современное звучание и беззастенчиво эротическую подоплёку.

«Его картины не лишены сладострастия, — с иронией писал о разнузданном эротизме Буше его самый злой критик Дени Дидро. — Голые ноги, бедра, груди, ягодицы. Они интересны мне в силу моей порочности, а вовсе не благодаря таланту художника».

Художники стиля рококо:

• Антуан Ватто,
• Франсуа Буше,
• Жан-Оноре Фрагонар,
• Иван Аргунов,
• Никола Ланкре,
• Жан-Марк Натье,
• Шарль-Андре ван Лоо,
• Элизабет Виже-Лебрен,
• Федор Рокотов,
• Дмитрий Левицкий,
• Джованни Баттиста Тьеполо,
• Пьетро Лонги,
• Бернардо Беллотто,
• Аделаида Лабий-Гийар.

Источник: https://artchive.ru/encyclopedia/1092~Rokoko

Рококо в живописи

Мир изысканности, интимных переживаний и вымысла, изощренной утонченности, декоративной театральности – всё это искусство рококо. Здесь нет места пафосу и героизму – им на смену приходит фантазия, игра в любовь, прелестные безделушки. В рококо тяжелая и патетическая торжественность барокко сменяется камерной хрупкой декоративностью.

Лозунг краткого и недолговечного «века» рококо — «искусство как наслаждение». Его цель: развлекать, возбуждать приятные, легкие эмоции, ласкать глаза причудливым узором линий, изящными сочетаниями нарядных светлых красок, это особенно выражалось в архитектурном убранстве интерьеров.

Так, с новыми требованиями и сообразовалась живопись рококо.

Для рококо характерен уход в мир идиллической и иллюзорной театральной игры, гедонистические настроения, пристрастие к чувственно-эротической и идиллически-пасторальной сюжетике. Во Франции возникло рококо в области архитектуры и сказалось преимущественно в характере декора, который приобрел утонченно-усложненные и подчеркнуто изящные формы.

При распространении в искусстве других европейских стран (постройка Нёймана И.Б., Кнобельсдорфа Г.В., Пёппельмана М.Д.), рококо частенько выступало местным вариантом позднего барокко. Живопись рококо, которая богата тонкими переливами цвета и в то же время несколько блеклая по колориту, имела преимущественно декоративный характер (примером служат картины и росписи Ф. Буше, Н. Ланкре, Ж.О. Фрагонара).

Художники рококо:

• Аллан Рэмзи,
• Антуан Ватто,
• Антуан Пэн,
• Бенджамин Уэст,
• Бернардо Беллотто,
• Владимир Боровиковский,
• Джованни Баттиста Тьеполо,
• Джованни Доменико Тьеполо,
• Джошуа Рейнольдс,
• Жан Батист Симеон Шарден,
• Жан-Оноре Фрагонар,
• Каналетто,
• Карл Людвиг Христинек,
• Морис Кантен де Латур,
• Пьетро Лонги,
• Томас Гейнсборо,
• Уильям Хогарт,
• Фёдор Рокотов,
• Франсуа Буше,
• Элизабет Луиза Виже-Лебрен.

Живопись рококо, которая тесно связана с интерьером отеля, получила своё развитие в станковых и декоративных камерных формах.

В росписи стен, плафонов, в гобеленах, наддверных панно преобладали современные и мифологические галантные темы, пейзажи, которые рисовали интимный быт аристократии, идеализированный портрет, который изображал модель в образе мифологического героя, пасторальный жанр. Утрачивал самостоятельное значение образ человека, фигуры превращались в детали орнаментального убранства интерьера.

Тонкая культура цвета, достижение общей легкости, которая подчеркнута светлой палитрой, умение построить композицию слитными декоративными пятнами, предпочтение серебристо-голубоватых, блеклых, розовых и золотистых оттенков, — всё это было присуще художникам рококо.

С развитием живописи рококо одновременно усиливалась роль реалистического направления. Достигли своего расцвета натюрморт, портрет, пейзаж, бытовой жанр.

Декоративное панно, в большей степени овальной, круглой или причудливо-изогнутой формы стало самой распространенной формой живописного произведения.

В основании этого рисунка и композиции лежит мягко изгибающаяся линия, придающая произведению обязательную для этого стиля нарядность и вычурность.

Рокайльные мастера в своих колористических исканиях шли от Веронезе, Рубенса и венецианцев, однако, отдавали предпочтение не их насыщенным, сочным цветам, а бледным полутонам: синий становится голубым, красный – розовым, появляются блекло-голубые, розовые, лимонно-желтые, сиреневые цвета, даже вымышленные — вроде «цвета бедра испуганной нимфы».

Одним из представителей этого стиля был талантливый А. Ватто, который дал наиболее совершенное воплощение принципам данного стиля. Меланхолическая мечтательность и эмоциональность придают характерам образов Антуана Ватто особую утонченность, которую уже не достигают непосредственные последователи мастера.

Они превратили его манеру и мотивы в поверхностную и изысканную моду (Патер, Ланкре, Кийар).

Ученик Франсуа Лемуана Франсуа Буше стал крупнейшим мастером собственно рокайльного искусства. Он был великолепным колористом и рисовальщиком, мастером занимательных любовных сюжетов. Целой плеяде мастеров, таких как Антуан Куапель, братья Ванло, Натуар и многие другие живопись Буше диктовала законы и это влияние продержалось во Франции вплоть до Революции 1789.

Среди значительных мастеров рококо были художники самого различного дарования, которые обращались к самым разным жанрам живописи: Луи-Мишель Ванло, Токке, Ж.М. Наттье, Латур, Друэ, Перроно. Жан Оноре Фрагонар был последним крупным живописцем рококо, тонкий пейзажист и портретист, как и Ватто, который не вписывался в рамки просто модного стиля.

Источник: https://allpainters.ru/napravleniya/rokoko.html

Рококо | Homy

Рококо (от фр. rocaille — декоративная раковина, ракушка, рокайль) — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века.

Общая характеристика стиля Рококо

Рококо – изысканный и утончённый стиль начала восемнадцатого века. Характерными чертами интерьера в стиле рококо являются изысканность, большая декоративная нагрузка интерьеров и композиций, грациозный орнамент, большое внимание к мифологии, эротическим ситуациям, комфорту, создание иллюзорного мира, наполненного атмосферой тепла, уюта, комфорта и изящества. Философия рококо — это мир будуара, игры карнавала. В колорите интерьера рококо преобладают нежные пастельные тона. Наиболее популярные цветовые сочетания – белое с голубым, зелёным или розовым и, конечно же, золото.

В интерьерах появляются передвижные ширмы, зрительно изменяющие пространство; гобелены с изображениями цветов, пагод, людей в китайской одежде; знаменитый китайский фарфор, изысканные орхидеи, тонкоствольные деревья, аквариумные рыбки, а также изящная лакированная мебель китайских мастеров, будто созданная для рококо.

Стиль Рококо в интерьере, фото

Основные элементы стиля Рококо:

• эротизм, камерность и уютность помещений, несимметричность композиций, изысканность форм;
• скрытые павильоны, китайские домики, укромные гроты;
• идеал стиля: женщина-подросток;
• материалы: дерево, позолота, текстиль, зеркала, бронза, хрусталь;
• богатая цветовая палитра: пастельные тона, жемчужная гамма, сочетание салатового и розового, бледно лиловые и мраморные оттенки;
• лепнина, позолоченные орнаменты, резные панели, зеркала;
• большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций;
• мелкий стилизованный тонкий рельефный орнамент в виде переплетений, гротесков, завитков, выпуклых щитов, и рокайля – орнамента в виде ракушек;
• небольшие комнаты с закругленными углами или же овальные в плане, динамичные ассиметричные формы.

История стиля Рококо

Стиль рококо появился во времена регентства во Франции (1715—1723) и достиг апогея при Людовике XV, перешёл в другие страны Европы и господствовал в ней до 1780-х годов. Стиль рококо был продолжением стиля барокко, его видоизменением. Он не внёс в архитектуру никаких новых конструктивных элементов, но пользовался старыми, не стесняя себя при их употреблении никакими традициями для достижения декоративного эффекта.

Появление стиля рококо обусловлено изменениями в философии, вкусах и в придворной жизни. Наивысшее развитие в архитектуре стиль получил в Баварии.

Стиль Рококо возник во Франции в период кризиса абсолютизма, отразив свойственные аристократии гедонистические настроения, тяготение к бегству от действительности в иллюзорный и идиллический мир театральной игры. Рококо – порождение исключительно светской культуры, двора, французской аристократии. Тем не менее, оно сумело не только оставить след в искусстве, но и повлиять на дальнейшее ее развитие.

Большинство построек рококо – это частные дома французской знати и загородные дворцы. Комнаты в них не располагались анфиладой (как в XVII в.), а образовывали ассиметричные композиции. В центре обычно располагался парадный зал (салон). Изысканные салоны и будуары отелей становились феерическим фоном для частной жизни и быта аристократической верхушки.

Философию стиля Рококо определяли женщины – фаворитки короля: маркиза де Помпадур, мадам Дюбарри, Мария Лещинскя. Рококо считает главным в жизни праздник, утонченное наслаждение и любовь. Скрытые павильоны, китайские домики, укромные гроты. Камерность и уютность помещений рококо создавалась за счет гораздо меньших размеров и особого декорирования.

С 1760-х гг. стиль рококо повсеместно вытесняется классицизмом. В России веяния рококо, особенно сильные в середине 18 века, проявились главным образом в отделке дворцовых интерьеров, лепном декоре зданий, в ряде отраслей декоративно-прикладного искусства (резьба по дереву, художественное серебро и фарфор, мебель, ювелирное искусство).

Ветвью стиля рококо стал Шинуазри (от фр. chinois — китайский), использующий мотивы и стилистические приёмы средневекового китайского искусства в европейской живописи, декоративно-прикладном искусстве, костюме, в оформлении садово-парковых ансамблей XVIII века.

Особенности стиля Рококо

В силу некоторых исторических особенностей и мировоззрения того времени, стиль рококо оставил самый заметный след не в крупных монументальных формах, а в предметах интерьера и аксессуарах. Рококо – стиль, основанный на детали. Модным словом становится bagatelle (фр. пустяк, безделушка). Именно в эпоху рококо впервые возникает представление об интерьере, как целостном ансамбле: стилевом единстве здания, декора стен, потолков, мебели. Сочетание ажурных форм, сложного орнамента и прозрачных, светлых красок порождало праздничное, действительно феерическое зрелище. Все искусство рококо построено на асимметрии, создающей ощущение беспокойства – игривое насмешливое, вычурное.

Стиль Рококо в интерьере, фото

В архитектуре интерьера появляются тонкие рельефные резные и лепные обрамления, переплетения, узоры, завитки, разорванные картуши, маски-головки амуров и гротески в сочетании с рокайлем. Рокайль – морская раковина – это основной мотив, собственно, давший название стилю, он используется буквально повсюду: полки, стены, мебель, мелкие аксессуары.

Стиль Рококо в интерьере, фото

Сами помещения в плане преимущественно овальной или круглой формы, что также реализуется с помощью панелей из гипсокартона и пенополиуретановой отделкой. Большинство оконных и дверных проемов, зеркала и декоративные панно над дверями также имели круглую или овальную форму. Для дополнительного декорирования стен, дверных и оконных проемов можно использовать овальные медальоны с гирляндами и бантами, орнаменты из гирлянд, листьев, плодов, волют и свитков, виньеток и так далее, покрытые позолотой или выкрашенные в белый цвет.

Стиль Рококо в интерьере, фото

Комнаты должны быть строго симметричными по плану. Это наследие классических стилей следует учитывать и в расстановке мебели. Центр интерьера – невысокий камин, покрытый плитой из белого и цветного мрамора, украшенного роскошными бронзовыми накладками. Над камином обязательно повесьте большое зеркало в золоченой раме, а на каминной полке расставьте предметы роскоши: часы из золоченой бронзы, канделябры, фарфоровые вазы и другое.

Стиль Рококо в интерьере, фото

Стены в стиле рококо: в отделке рококо используется дробный орнамент и сложные изогнутые формы. Отлично подойдут в интерьер рококо тканевые обои. В случае покраски стен придайте им мягкого блеска, украсив шелком или глянцевой тканью. В обилие белая или золоченая лепнина. Лепнина может состоять из завитков, отдалённо напоминающих собой листья растений, выпуклых щитов, неправильно окруженных такими же завитками, из масок, цветочных гирлянд и фестонов, раковин, необделанных камней (рокайль) и т. п.

Стиль Рококо в интерьере, фото

В оригинале стены обтягивались шелковыми тканями в сочетании с занавесями на окнах и портьерами на дверях. Затем пришел черед хлопчатобумажных тканей и бумажных обоев. Обои изначально привозились китайские или индийские, но со временем заменились на английские и французские, правда, с сохранением восточного колорита. Ну, с бумажными обоями трудностей не намечается, с восточными или растительными мотивами тоже, а шелковые ткани для обивки легко можно имитировать велюровыми обоями. Стены можно разделить по высоте на две части. Такое деление можно сделать филенками в виде «зеркал», или цветом. Например, верх однотонный (нежно голубой, сиреневый, розовый, серый с позолотой и серебром), а низ оклеить обоями с орнаментом.

Стиль Рококо в интерьере, фото

Потолок в стиле рококо: в стиле рококо потолок должен быть однотонным с декоративными элементами лепнины. Они покрываются позолотой или окрашиваются в белый цвет. Потолок часто делают продолжением стены в виде переходящих узоров. При помощи падуги — плавного полукруглого перехода, который декорируется тонким орнаментом, можете сгладить угол между стеной и потолком. В качестве украшения потолка используйте тематическую фреску.

Стиль Рококо в интерьере, фото

Декорировать можно карнизы, http://livingspace.com.ua/article/bordjur, уголки, плафоны. В центре потолка можно встроить купол, оформив его декоративными карнизами или выкрасив в голубой цвет. Подсветка точечными светильниками создаст дополнительную иллюзию открытого пространства. Потолочный декор в прихожих, гостиных и столовых должен быть обильным и сложным, а в спальнях и детских комнатах напротив скромным. Люстры поместите в центр плафона или купола, хорошо, если они будут бронзовые, с хрустальными подвесками или лампочками в виде свечек. Для создания нереальной и романтической атмосферы нелишней будет скрытая подсветка по периметру помещения. В качестве подсветки можно применить аргоновые светильники, закрепленные на специальной ленте-проводе и спрятанные в широкие потолочные карнизы.

Стиль Рококо в интерьере, фото

Пол в стиле рококо: одинаково в дизайне рококо используется как деревянный пол, так и керамический (к примеру, имитация мрамора). Выбор паркета для интерьера в стиле рококо весьма разнообразен, от мелкого штучного, до художественного. Размер плитки, паркетной доски, либо количество полос у ламината, впрочем, как и цвет всего перечисленного, остается на ваш личный выбор соответствия общему интерьеру. Для усиления эффекта золотого блеска мебели или белизны, выберите глянцевую поверхность пола. Также в стиле рококо используются расписные ковры, занимающие небольшую часть общей площади.

Стиль Рококо в интерьере, фото

Мебель в стиле рококо: в основном невелика по размерам, но весьма удобна. В интерьере рококо используются уютные стулья, кресла, диваны, шез­лонги и тому подобное. Появляются так называемые бержеры – двойные диваны. Большое распространение в стиле рококо получили диванчики, канапе, кушетки, а также хрупкие на вид, но очень удобные скамеечки. Декор мебели в стиле рококо имеет волнистые контуры, гнутые ножки, прихотливые орнаменты в виде вьющейся лозы, цветочных гирлянд, ромбовидной сетки и обилие золочёной бронзы. В изобилии мягкая мебель. Мебель в эпоху рококо обычно изготавливалась из липы и ореха, которые поддаются тонкой резьбе. Украсят комнату вошедшие в моду секретер, картоньерка (шкафчик для бумаг), декоративный столик-геридон предназначенный для одной статуэтки, вазочки или пепельницы. Для хранения вещей подойдет лаковый комод с волнистым фасадом. Обычные прямоугольные шкафы, а тем более сундуки в интерьере в стиле рококо неуместны. Для будуара нужен кокетливый туалетный столик. Для спальной – романтическая кровать, лучше с балдахином.

Стиль Рококо в интерьере, фото

Немного о цвете. Если барочные интерьеры славились разнообразием яркой цветовой гаммы, то во время рококо приоритетными становятся приглушенные, пастельные, разбеленные цвета: жемчужный, серебристый, бледно-охристый, перламутровый, голубоватый и тому подобные. В моде были сочетания белого и голубого, белого и светло-зеленого или розового цветов. Работая с позолотой необходимо не забывать о чувстве меры, а еще лучше отдать предпочтение матовому золоту и серебру.

Стиль Рококо в интерьере, фото

Предметы декора в стиле рококо: комната в стиле Рококо должна напоминать шкатулку с драгоценностями. Поэтому игнорировать аксессуары и пытаться стилизовать интерьер под рококо – вещи взаимоисключающие друг друга. Позолоченные канделябры, часы, фарфоровые статуэтки, гобелены, ширмы – обязательные элементы стиля рококо. В обилие используются зеркала и картины, весящие ассиметрично. Основные темы полотен рококо: мифология и эротика, чуть реже пейзажная и портретная тематика. На диванах и креслах используйте шелковые подушки и пуфы с сюжетной вышивкой. Шкатулки, вазочки и мелкие статуэтки можно расставлять буквально везде. Интересный факт – именно стиль дизайна рококо внес в интерьер такое новшество как аквариумы с рыбками.

Стиль Рококо в интерьере, фото

В отличие от дворцового барокко, стиль рококо не так требователен к просторам и высоте комнаты и подойдет для всех помещений. Он впишется в библиотеку, в рабочий кабинет, в кухню и ванную, но более органично будет смотреться в гостиной и спальне и ванной. В гостиной мягкую мебель располагайте как вдоль стен, так и в центре комнаты. Также это касается декоративных столиков и различных напольных постаментов.

Стиль Рококо в интерьере, фото

Шторы стиля рококо – это шелк и легкий гобелен светлых пастельных тонов, украшенный различными вышивками и декоративными элементами, большое количество драпировок, создающих ощущение легкости и изящества, ленты, рюши, всевозможные складки. Неотъемлемый элемент при оформлении окна в стиле рококо, ламбрекен, отделанный золотой бахромой и вышитый розами. По нижней кромке ламбрекена проходит легкий ненавязчивый узор. Очень часто карниз ламбрекена украшается тем же узором. В драпировке стиля рококо, помимо вышивки, преобладают аппликации, изображающие искусственные гроты, раковины, банты, и другие декоративные мотивы. Украшение окна двумя, и даже тремя слоями штор – явление, вполне присущее стилю рококо.

Стиль Рококо в интерьере, фото

Современная стилизация такого интерьера направлена на уменьшение количества декоративной отделки помещений. Кроме того, современный рококо стремится к использованию образцов мебели и аксессуаров, адаптированных к настоящему времени. В отличие от барокко его можно намного удачнее вписать в небольшую городскую квартиру, даже в сочетании со стилями хай-тек и лофт.

Заключение

Стиль рококо, в отличие от многих других исторических стилей, вполне подходит почти для всех помещений. Естественно, более органично он впишется в гостиную, спальню, ванную комнату. Что из них вы превратите в будуар – решать вам. Но рококо впишется и в рабочий кабинет, и в библиотеку, и даже кухню. Это живописный, романтичный и уютный стиль, а какое помещение откажется от таких эпитетов.

Интерьер в стиле рококо – это праздник вечной молодости и беззаботной жизни, где личный комфорт выходит на первое место.

Стиль рококо идеален для утонченных и нежных натур, тяготеющих к сложным вычурным деталям. Ведь именно рококо сочетает в себе легкость, изящество и декоративность.

Похожие материалы:

Архитектура

Стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII в.(по разным источникам – до конца века, приблезительно около столетия и тд., точной даты окончания нет) как развитие стиля барокко. Иногда стиль Рококо определяют как последнюю, кризисную фазу развития Барокко. И Рококо, и Барокко насыщены и декоративны, но если барочная пышность напряжена, динамична, то рокайльная – нежная и расслаблена. В целом французское Рококо более связано с формами стиля Регенства начала XVIII столетия.

Рококо сразу возник как камерный стиль аристократических гостиных и будуаров, оформления интерьера, декоративного и прикладного искусства и практически не нашел отражения в архитектурном экстерьере. Рококо – оригинальное явление, не имеющие прототипов в истории искусства. В этот период продолжается усиливаться восточное, и, прежде всего китайское влияние – т.н. стиль шинуазри. Изящные по формам, украшенные тонким, изысканным декором художественные изделия китайских мастеров отлично гармонировали со стилем, процветавшим при европейских дворах.

Орнамент – главный выразитель данной эпохи, имел 2 формы развития:1)тенденция к натурализации (декор в виде мелких цветных гирлянд с купидонами, ленточками), 2) основное – абстрагирование, асимметричность как элементов декора, так и самой композиции. Всё сводится к рокайлю, он заменил мотив волюты (барокко). Отразил внутреннюю опустошенность духовного мира европейского дворянского общества.

Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту. Наивысшее развитие в архитектуре стиль получил в Баварии.

Фарфор как материал с его белоснежной поверхностью и тонкой, миниатюрной росписью был одним из главных художественных открытий эпохи Рококо.

Стиль рококо впервые воздвиг комфорт и удобство интерьера в ранг искусства. Распространяясь по Европе, стиль рококо обрел местные характерные черты в каждой из стран. Во Франции, при всей пышности убранства, стиль рококо сохранил черты тонкого благородства. В интерьерах Германии большее распространение получила лакированная красочная мебель, рассчитанная на менее изощренный вкус. В Австрии стиль рококо выразил себя в спокойных, по-домашнему уютных формах. Голландскую мебель рококо отличает простота и лаконичность линий. Своеобразие английскому рококо придают примеси из готических и китайских элементов.

В целом: Стиль не нашёл яркого выражения в арх, а более проник в интерьер. Архитектура рококо стремится быть лёгкой, приветливой, избегает строгой симметричности, без конца варьирует расчленения и орнаментальные детали и не скупится расточать последние. В созданиях этой архитектуры прямые линии и плоские поверхности почти исчезают или, по крайней мере, замаскировываются фигурной отделкой; не проводится в чистом виде ни один из установленных ордеров; колонны то удлиняются, то укорачиваются и скручиваются винтообразно; их капители искажаются кокетливыми изменениями и прибавками, карнизы помещаются над карнизами; высокие пилястры и огромные кариатиды подпирают ничтожные выступы с сильно выдающимся вперёд карнизом; крыши опоясываются по краю балюстрадами с флаконовидными балясинами и с помещёнными на некотором расстоянии друг от друга постаментами, на которых расставлены вазы или статуи; фронтоны, представляя ломающиеся выпуклые и впалые линии, увенчиваются также вазами, пирамидами, скульптурными фигурами, трофеями и другими подобными предметами. Всюду, в обрамлении окон, дверей, стенных пространств внутри здания, в плафонах, пускается в ход затейливая лепная орнаментация, состоящая из завитков, отдалённо напоминающих собой листья растений, выпуклых щитов, неправильно окруженных такими же завитками, из масок, цветочных гирлянд и фестонов, раковин, необделанных камней (рокайль) и т. п.

Конкретно:В особняках и отелях крупнейших французских зодчих рококо: Робера Декотта, Габриэля, Боффрана, Оппенора, Дельмера, Мейссонье, они часто отступали от логической ясности и рационального подчинения частей целому. Скульптурная деталь, применяемая для украшения фасада, делается более выпуклой, приобретает самодовлеющее значение, не подчиняясь больше основным архитектурным линиям. Плоские пилястры большого ордера заменяются выпуклыми полуколоннами, придающими стене более живописный вид.

Ярким образцом рококо принято считать отель Субиз в Париже по проекту Пьера Алексиса Дельмера (1675-1745). По своему экстерьеру отель строг, классицистичен, лишь некоторые конструктивные элементы: выпуклые скульптурные детали и полуколонны, украшающие фасад здания. Но следует отметить, что для архитектуры рококо во Франции характерно то, что главное внимание зодчего сосредоточивалось не на экстерьере, а на интерьере, поэтому основные изменения коснулись, прежде всего, внутренней планировки зданий.

Гораздо более яркий, полномасштабный пример расцвета рокайльного искусства в архитектуре даёт нам Германия (крупнейшими представителями рококо здесь являются архитекторы Бальтасар Нейман и Кнобельсдорф), причем, прежде всего в сферах, не востребованных французской традицией. Именно в Германии сформировались такие уникальные явления, как летняя увеселительная резиденция и церковная архитектура рококо — области, не получившие никакого распространения во Франции, хотя именно в них все формальные характеристики и эстетические возможности стиля проявили себя особенно убедительно и исчерпывающе. Наконец, германский регион на сегодняшний день сохраняет наибольшее количество памятников рококо, дающих наиболее последовательное и полное представление об этом искусстве.

Наиболее удачный пример немецкого рококо — королевская резиденция Сан-Суси, построенная архитектором Венцелаусом Кнобельсдорфом (1699-1753) в пригороде Берлина Потсдаме для короля Пруссии Фридриха II.

Другой значительный памятник эпохи — дворец Амалиенбург близ Мюнхена (Бавария), выстроенный приехавшим из Франции архитектором Франсуа Кювилье (1695-1768), — еще более скромен по своим размерам, чем резиденция прусского короля. Это маленькое строение представляет собой образец строгого и сдержанного французского вкуса.

Строительная деятельность в прочих странах значительно отстает от Франции и Германии.

Значение слова РОКОКО. Что такое РОКОКО?

Рококо́ (фр. rococo, от фр. rocaille — дробленый камень, декоративная раковина, ракушка, рокайль, реже рококо) — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту. Наивысшее развитие в архитектуре стиль получил в Баварии.

Термин «рококо» (или «рокайль») вошел в употребление в середине XIX в. Изначально «рокайль» — это способ убранства интерьеров гротов, фонтанных чаш и т. п. различными окаменелостями, имитирующими естественные (природные) образования, и «рокайльщик» — это мастер, создающий такие убранства. То, что мы сейчас называем «рококо», в своё время называлось «живописным вкусом», но в 1750-х гг. активизировалась критика всего «выкрученного» и «вымученного», и в литературе стало встречаться именование «испорченный вкус». Особенно преуспели в критике Энциклопедисты, по мнению которых в «испорченном вкусе» отсутствовало разумное начало.

Основные элементы стиля: рокайль — завиток и картель — забытый ныне термин, применявшийся для наименования рокайльных картушей. Один из наиболее ранних случаев употребления этих терминов — увраж Мондона-сына «Третья книга рокайльных и картельных форм» 1736 г. (иллюстрации см. ниже). Также находим их в письме (7 апреля 1770 г.) мастера Роэтье (изготавливавшего для Екатерины II в конце 1760-х гг. серебряный сервиз, позднее известный как «Орловский сервиз», сохранившиеся предметы хранятся в Государственном Эрмитаже). Это письмо также отразило смену вкусов, происшедшую на рубеже 1760-70- гг.: «…поскольку Е. И. В. желает, чтобы отказались от всех видов фигур и картелей, мы приложим все усилия, чтобы заменить их античными украшениями и следуя лучшему вкусу, согласно пожеланиям…» (цит. по документу из РГИА).

Несмотря на популярность новых «античных форм», вошедших в моду в конце 1750-х гг. (это направление получило наименование «греческого вкуса»; предметы этого стиля часто неверно принимают за позднее рококо), так называемый Рококо сохранял свои позиции вплоть до самого конца столетия. Во Франции период рококо назывался временем Купидона и Венеры.

В 1960-70-е годы была распространена концепция рококо как результата измельчания барокко: «Вступая в фазу рококо, эмблематика все больше утрачивает самостоятельное значение, и становится частью общего декоративного убранства, наряду с нимфами, наядами, рогами изобилия, дельфинами и тритонами […] „Амуры божества любви“ превращаются в — putti — рококо».

Орнамент в стиле Рококо — irisha1605 — LiveJournal

? LiveJournal

• Main
• Ratings
• Interesting
• iOS & Android
• Disable ads

Login

• Login
• CREATE BLOG Join
• English (en)
  • English (en)
  • Русский (ru)
  • Українська (uk)
  • Français (fr)
  • Português (pt)
  • español (es)
  • Deutsch (de)
  • Italiano (it)
  • Беларуская (be)

Рококо — iDesignWiki

Стиль рококо зародился во Франции и был принят в Европе в 18 веке. Он получил свое название от французского рокайля — рок-мотивов, которые часто были частью дизайна.

Кресло Rococò

Источник изображения: http://www.vam.ac.uk/content/articles/s/style-guide-rococo/

Архитектура

Архитектура рококо была более легкой, но и более сложной версией своего предшественника в стиле барокко. Обычно он подчеркивал асимметрию, форм и был более светским, , не имел религиозных отсылок.Архитектура рококо внесла важные изменения в здание всех структур, сделав акцент на конфиденциальности .

Стиль рококо, деталь

Источник изображения: http://www.rugusavay.com/information-about-rococo-style/

Дворец Браницких

Дворец Браницких — это поместье магната 18 века в Варшаве. Он расположен на пересечении улиц Podwale и Miodowa . Этот дворец в стиле рококо вдохновлен французскими особняками.Проект был выполнен в виде подковы, с центральной частью и двумя боковыми крыльями. Дом отделял от улицы симметричный двор, предназначенный для посетителей. На фасадах был найден баланс между замечательными элементами стиля рококо и окнами на крыше. Главный вход украшал портик из четырех колонн со статуями наверху.

I источник магов: https://en.wikipedia.org/wiki/Branicki_Palace,_Warsaw

Rococò Основные характеристики

Природные мотивы характерны для британского и французского рококо.Однако в британском рококо способ создания природных мотивов обычно был более реалистичным в деталях, чем в произведениях французского рококо. Сложные резные формы использовали дизайнеры, а не архитекторы. Это важно для объяснения украшений ручной работы в стиле рококо. Дизайн в стиле рококо в большинстве случаев асимметричный . Изогнутые формы распространены в рококо. Часто вспоминают буквы S и C.

Дизайн интерьера в стиле рококо

Источник изображения: http: // www.smalldesignideas.com/rococo-interior-design-style.html

Источник информации: https://www.boundless.com/art-history/rococo-architecture

https://en.wikipedia.org/wiki/Branicki_Palace,_Warsaw

http://www.vam.ac.uk/content/articles/s/style-guide-rococo/

Стиль рококо — определение стиля рококо по The Free Dictionary

ro · co · co

(rə-kō′kō, rō′kə-kō ′) n. также Рококо 1.

а. Стиль искусства, особенно архитектуры и декоративного искусства, зародившийся во Франции в начале 1700-х годов и отмеченный сложным орнаментом, например, обилием завитков, листвы и фигур животных.

б. Очень изысканный стиль речи или письма.

2. Музыка Стиль композиции, возникший в 1700-х годах во Франции, часто рассматриваемый как продолжение барокко и характеризующийся высокой степенью орнаментации и легкостью выражения.

прил.

1. также Рококо Рококо или относящиеся к нему.

2. Неумеренно продуманный или сложный.

---

[французский язык, вероятно, изменение рокайла, рок, , от roc, рок, , вариант roche, от вульгарной латыни * rocca.]

Словарь английского языка American Heritage®, пятое издание. Авторские права © 2016 Издательская компания Houghton Mifflin Harcourt. Опубликовано Houghton Mifflin Harcourt Publishing Company.Все права защищены.

рококо

(rəˈkəʊkəʊ) n ( часто заглавная )

1. (Архитектура) стиль архитектуры и декора, возникший во Франции в начале 18 века, характеризующийся сложным, но изящным, легким орнаментом. часто содержит асимметричные мотивы

2. (Классическая музыка) стиль музыки 18-го века, характеризующийся миниатюрной красотой, уменьшением использования контрапункта и чрезмерным использованием орнаментов

3. любой витиеватый или чрезмерно орнаментальный стиль

прил.

4. (Классическая музыка), обозначающий, относящийся к рококо или относящийся к нему

5. (Архитектура) обозначающий, относящийся к рококо или относящийся к нему

6. витиеватый или чрезмерно сложный

[C19: с французского, от rocaille, от roc rock ^{1 ​​}]

Словарь английского языка Коллинза — полный и полный, 12-е издание 2014 г. © HarperCollins Publishers 1991, 1994, 1998 , 2000, 2003, 2006, 2007, 2009, 2011, 2014

ro • co • co

(rəˈkoʊ koʊ, ˌroʊ kəˈkoʊ)

n.

1. художественный стиль, характерный преимущественно для Франции 18 века, отличающийся элегантностью и тонким орнаментом.

2. гомофонный музыкальный стиль 18 века, отмеченный остроумной беглостью.

прил.

3. относящиеся к рококо или характерные для него.

4. витиеватая или витиеватая речь, литературный стиль и т. Д.

Random House Словарь колледжа Кернермана Вебстера, © 2010 K Dictionaries Ltd.Авторские права 2005, 1997, 1991, Random House, Inc. Все права защищены.

рококо

Часто пренебрежительно. художественный и литературный стиль, возникший из барокко, характеризующийся сложным и продуманным орнаментом. — рококо, прил.

См. Также: Art

-Ologies & -Isms. Copyright 2008 The Gale Group, Inc. Все права защищены.

рококо

1. Легкий и гармоничный стиль музыки, получивший известность в начале и середине восемнадцатого века в Европе, главным образом во Франции и Германии, после периода барокко.Она похожа на музыку барокко тем, что характеризуется орнаментом, но отличается от барокко, особенно в том, что в ней меньше контрапунктов и меньше формальности и сложности.

2. Стиль французской асимметричной мебели, возникший в восемнадцатом веке, подчеркивающий S-образную форму и комфорт в ответ на формальность барокко. Он отличался улучшенной плюшевой обивкой, шинуазри, яркими цветами, закрученной резьбой и экстравагантным маркетри.Этот стиль широко экспортировался и представляет собой зенит беспокойного легкомыслия мебели Людовика XV.

Словарь незнакомых слов от Diagram Group Авторские права © 2008, Diagram Visual Information Limited

Моя причудливая муза: комната в стиле рококо и французская мода 18 века

Я создал еще одну забавную цифровую сцену, используя множество французских модных тарелок конца 18 века времен Марии Антуанетты в комнате в стиле рококо. На этот раз я включил две из моих «рамочных сцен» с великолепным синим фоном комнаты и красивым разнообразием модных фигурок из предыдущих постов, чтобы завершить работу.

Цифровая сцена с использованием французских модных пластинок конца 18 века и других предметов.

Я создал набор этих персонажей в различных цветовых комбинациях для использования в моем цифровом искусстве.
Я добавил их вместе с фоновой комнатой и рамкой для вашего удовольствия от создания.

Наслаждайтесь!

Фон
Основа для фона «Голубая комната» сделана из винтажной бумаги. театральный фон 1880-х годов, который я оцифровал и широко переработан, чтобы создать фон для моей финальной сцены.

EKDuncan измененная версия старинного бумажного театрального фона в комплекте с искусством пола и стен.

Я использовал Photoshop, чтобы взять оригинальное и очень «плоское» изображение и превратить его в эту прекрасную комнату, которую вы видите выше. В этом трудоемком процессе использовались различные оптические иллюзии, «приподнимите» обшивку стен и дверей, сделайте больше пространства область за занавеской и выше с потолочной лепниной.Затем я добавил мраморный пол и «повесил» несколько моих цифровых произведений искусства на стены для некоторого дополнительного интереса. Я верю, что время и усилия были хорошо в конце концов оно того стоит.

Так выглядел исходный фон 1880-х годов до того, как я внес свои изменения в Photoshop

Эта комната в стиле рококо была подходящим фоном для этой моды времен Марии-Антуанетты; однако я хотел, чтобы он был более глубоким, и внес в него несколько цифровых корректировок.Я считаю, что моя окончательная версия достигла этой цели, если вы сравните эту исходную версию с моей скорректированной версией, которая изображена над ней.

Искусство стены

Это изображения, которые я использовал в качестве настенного рисунка в финальной сцене.

Оригинальный пост для каждого можно увидеть ЗДЕСЬ и ЗДЕСЬ

Рама Fleur-de-Lis

Это изображение, которое я использовал для «обрамления» всех моих работ для

.

это серия французских модных тарелок конца 18 века.

Фигурка французской модной тарелки 1778 года — вид сзади

Дама в сером

Это мои «серебряные» раскрашенные версии французской модной тарелки 1778 года.

Оригинальную модную табличку и все цветные версии можно увидеть ЗДЕСЬ.

Фигурка мужской модной тарелки 1779 года

Сопровождение джентльмена к леди в сером

Это моя новая раскрашенная «грифельно-синяя» версия французской модной тарелки 1779 года.

Оригинальную модную табличку и другие цветные варианты можно увидеть ЗДЕСЬ.

Фигурка Fashion Plate 1778

Дама в синем

Эта «Синяя леди» — одна из моих раскрашенных версий

.

основан на французской модной тарелке 1778 года.

Она основана на этой оригинальной модной пластине

.

1778 French Fashion Plate — платье Grand Ceremony с трусиками

Первоначально я разместил эту модную табличку — ЗДЕСЬ вместе с другими модами 1770 года.

Для моей работы в верхней части этого поста; Я взял исходное изображение,

создал цифровую фигуру png и создал ее несколько цветных версий.

Исходная цветовая схема как изображение PNG

Зеленая версия

Розовая версия

902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902

Розовая версия

Сливовая версия

1783 Фигурка Fashion Plate

Дама в бирюзовом цвете

Эта «Бирюзовая леди» — одна из моих раскрашенных версий

.

основан на французской модной тарелке 1783 года.

Она основана на этой оригинальной модной пластине

.

1783 Французская модная тарелка — Grand Robe à la Française

Первоначально я разместил эту модную табличку — ЗДЕСЬ вместе с другими модными вещами 1780 года.

Для моей работы в верхней части этого поста; Я взял исходное изображение,

создал цифровую фигуру png и создал ее несколько цветных версий.

Вот она в исходной цветовой гамме

сливовый вариант

зеленый вариант

902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902

Версия Rose

Обычно мне нужно немного проб и ошибок, чтобы выяснить, какие рисунки и цветовые схемы лучше всего сочетаются при создании цифровой сцены.К тому времени, как все было сказано и сделано, это был мой последний выбор композиции для этого цифрового произведения искусства.

Создание моей комнаты в стиле рококо с модными фигурами 18 века

Одна из моих любимых вещей в этой серии винтажных модных тарелок, о которых я писал последние несколько месяцев; — это огромный выбор поз, в которых они были созданы. Я думаю, что разнообразие поз в сцене помогает создать интерес и создать иллюзию движения.Мне особенно нравится дама, которая, кажется, идет в соседнюю комнату. Она так много добавляет к этой части, что, кажется, грациозно скользит по сцене и удерживает ваш взгляд, двигаясь вправо вместе с ней.

Я вернусь с другими модами времен Марии-Антуанетты чуть позже.

До следующего раза …

История искусства: барокко и рококо

	Жан-Антуан Ватто (Британская энциклопедия) родился окт.10, 1684, Валансьен, о. умер 18 июля 1721 года, Ножан-сюр-Марн Французский художник, олицетворявший лирически очаровательный и изящный стиль Рококо. Большая часть его работ отражает влияние комедии дель арте и оперный балет (например, «Французская комедия» 1716 г.). Ранняя жизнь и обучение. Антуан Ватто был сыном кровельщика. Согласно раннему Биографы его детство было несчастливым. В детстве он был чувствительна и восприимчива к резким перепадам настроения, прожорливая читатель романов и заядлый меломан.Он проявил склонность к изучение жизни шарлатанов, выступающих на городской площади, и родители поместили его в мастерскую местного художника. В Примерно в 18 лет Ватто решил поехать в Париж, где прибыл без гроша в карман и поступил в ученики к старому художнику Мтайеру. Однако работы было мало, поэтому молодой Ватто перешел на работу в мастерская по обету. Между тем он сделал бесчисленные зарисовки с натуры, которые должны были стать источником тематических вдохновение для него на всю оставшуюся жизнь.Это было в это время что он познакомился с торговцами произведениями искусства Жаном и Пьер-Жан Мариетт, в магазине которого он восхищался драгоценной коллекцией рисунков и гравюр, в том числе офорта Жака Калло. Там, примерно в 1703 году, он также встретил своего нового учителя Клода. Жилло. Жилло был декоратором театральных декораций, обладал большим талантом. для рисования гротесков, фавнов, сатиров и скнес-допра. Он ненавидел грандиозное официальное искусство своего времени, предпочитая работы в стиле школы Фонтенбло 16 века, с его свободная женская грация.Жилло также рисовал предметы из Итальянская комедия дель арте, актеры которой были исключены из Франция всего несколько лет назад. Вкус Жилло к этим предметам, а также некоторые особенности его стиля рисования отражены в Работа Ватто. Он начал наблюдать за театром с кулис: макияж, машины, настройки — все, что служит для создания живописных иллюзия. Он открыл новое чувство света в красочных отражение искусственного освещения на глубоких тенях, на грим лица, на блестящих костюмах и на раскрашенных задниках.В разыгрываемое представление было рождено равновесием, установленным между эти элементы; природная реальность вряд ли могла научить молодых Ватто больше. В 1708 году Ватто поступил в мастерскую Клода Одрана III, затем куратор галереи Медичи в Люксембургском дворце в Париже. Теперь его опыт Парижа был практически полным — мир театр, величественные сады Люксембурга, кабинет искусства коллекции. Париж Ватто — это сочетание церемоний и иллюзий, чудо цивилизации, которое проявляется в проспекты и фонтаны с их чудесной игрой воды среди сады.В Люксембурге он изучил триумфальный цикл картины, которые Рубенс посвятил Мари де Мдицис около 30 годами ранее. Эти огромные произведения, полные жизни и удовольствия, оказали на него глубокое влияние. Ватто помогал Одрану, который был самый известный декоратор в Париже, но он также смотрел на другие миры. В 1709 году он был принят в Королевскую академию. живописи и участвовал в конкурсе на Prix de Rome, но он не смог выиграть стипендию в Риме и решил вернуться в Валансьен.Друг продал свою картину, чтобы Ватто мог оплатить обратный путь. Он должен был рисовать других в Валансьене. для одного из его поклонников, выздоравливающего раненого офицера. Эти предметы («Les Fatigues de la guerre», «Les Dlassements de la guerre ») снискал благосклонность публики. В 1710 году Ватто вернулся в Пэрис в гостях у арт-дилера Пьера Сируа, который вместе с зятем Сируа Жерсеном должен был быть его верным другом на остаток своей жизни.Ватто представил членов Sirois семья в его картины. Однако портретистом он не был. Кажется, что у его подданных нет имен: иногда они друзья. которые маскируются и позируют труппам итальянских актеров. Цитера Ватто. В 1712 году Ватто снова попытался уехать в Италию. Ему не удалось, но он был принят Академией как художник праздников. galantes — развлечения на открытом воздухе, в которых придворные часто одетый в сельские костюмы — за представление сцены, изображающей актеры в саду.Между 1710 и 1712 годами он написал первую из его трех версий «L’Embarquement pour l’le de Cythre». Миф об острове Кифера, или о любви, имеет далекие корни в Французская и итальянская культура, в которой путешествие изображается как сложный квест. Cythera Ватто, по сравнению с этим, — рай. колебания в эфемерном и искусстве; он представляет собой приглашение к наслаждениям среди чарующей природы. Это остров, на который паломники отправляются, но никогда не прибывают, сохраняя он сохраняет свой свет, только если остается далеко на горизонте. Первая версия этой темы Ватто анекдотична: она иллюстрирует комедийный мотив в неопределенно венецианской атмосфере. Второй — который самый красивый — имеет аспект апрофана ритуала в нереальном, необъятный и почти пугающе пустой пейзаж. В третьем, в Херувимы порхают вокруг золотой гондолы, субъект вульгаризироваться. Общим для всех трех версий является театральность, почти сценографическая, композиция, хроматическая транспозиция всего то, что предлагается в театральной вселенной.Страны чудес опера, романтика и эпос — все это навеяно Cythera Ватто, представляет страну несбыточной мечты, месть безумие по разуму и свободы по правилам и морали. В соответствии Согласно одной из гипотез, эта тема была предложена Ватто прозой пьеса, Les Trois Cousines (1700) Флорана Данкура, в финал которого группа деревенских молодых людей, замаскированных под паломников любимый, приготовься отправиться в путешествие на остров Кифера.Поскольку эта история деревенских мельников по замыслу пародийна и довольно отличается от изысканной сцены, которую Ватто поставил в нереальном Венеции, более вероятно, что Ватто был вдохновлен опрой балет Удара де ла Мотта, La Vnitienne (1705), в котором приглашение на остров любви включает не только паломников Цифры, но и стандартные персонажи комедии дель арте, это обе великие темы, которыми Ватто преследовал всю свою жизнь. Период его основных творений. Несмотря на растущую известность, Ватто оставался застенчивым, человеконенавистником, недоволен собой, «распутник духом, но расчетлив в мораль «. О нем мало информации с 1712 г. по 1715 г., когда он познакомился с очень богатым финансистом Пьером Кроза, который только что вернулся из Италии. Там от имени Регент, Крозат вел переговоры о приобретении Королевы Коллекция произведений искусства Кристины.Энтузиаст Ватто, Кроза пригласил живописец, чтобы снять квартиру в своей резиденции, как было принято среди состоятельных любителей искусства. У Кроза была отличная коллекция итальянских и фламандские картины и рисунки, в том числе Корреджо, Венецианские мастера, и Ван Дейк, и в гостях у Кроза, Ватто с пользой применил уроки итальянских мастеров. Он также нарисовал сады и сельскую местность вокруг виллы в Монморанси. Ватто оставил своего богатого покровителя из желания свободы, хотя он оставался его другом.С тех пор он жил в уединение и уединение. Это был период рождения его шедевры: «Беседы», «Divertissements champtres», «Ftes galantes». В 1717 году он подарил Академии, из которой он стал участником второй версии «L’Embarquement pour l’le de Cythre ». Два года спустя он был в Лондоне, где его работы пользовались большим спросом, и где он также хотел проконсультироваться с известным врач по поводу его здоровья, которое некоторое время ухудшалось.В Лондон он ограничился выполнением очень немногих картин, одна из который был для его врача по очень близкому ему предмету: «Итальянский Комедианты ». Чуть позже, в 1720 году, Ватто вернулся во Францию. Только в восемь дней он нарисовал знаменитую теперь вывеску для магазина своего Друг арт-дилера Жерсент. Среди его последних работ — «Жиль». портрет клоуна в белом, нарисованный как вывеска Ттре де ла Фуар. Белый как невинность (или слабоумие) и розовеющий в цвет лица, «Жиль» — образ актера во время антракт — актер, который каждый день предлагает себя смеяться его товарищей, непонимающей жертвы церемонии, полной смысл которого, кажется, ускользает от него.Он представлен в величие, напоминающее «Христос, представленный народу» Рембрандта. («Ecce Homo»). На другом конце — вывеска, которую Ватто для Жерсента: на нем изображен магазин арт-дилера, в котором мрачная картина Людовика XIV символически хранится, как если отметить конец его великого правления. Хотя есть ряд фигур, главный герой картины рисует себя, как бы Ватто в конце своей жизни посвятил свое искусство вечность.К настоящему времени Ватто заболел туберкулезом и умер. в возрасте 37 лет. Темы и влияния. Искусство Ватто демонстрирует глубокое влияние театра как мотив вдохновения на живописи 18 века. В сильнейшее влияние на его творчество оказала не торжественная трагедия. но самыми эфемерными театральными формами. Одно из главных влияний было комедия дель арте, в которой слова имеют гораздо меньшее значение, чем жесты, театр, связанный с актером, который приносит свои собственные программы с ним.Другое влияние оказал балет опры с его грандиозными отображение мимолетных образов, воплощенных в танце, пении, костюмы и украшения. Ватто принадлежал к периоду реакция на классицизм предшествующей эпохи, в которой разделение искусств и разделение стилей было строго соблюдается. Таким образом, была предпринята попытка облагородить жанры. ранее считались низшими (фарс, импровизированная комедия, роман) и смелые переложения из одного вида искусства в другой. рискнули, как в слиянии поэзии, музыки, живописи и танцевать в новом жанре оперы.Во многих случаях живопись Ватто это хроматическая транспозиция мира оперы. Ватто интерпретировал свою эпоху в формах столь тонких и мимолетных, что они, кажется, предполагают болезни культуры. В ссоре который бушевал между древними и современниками, Ватто инстинктивно кажется встать на сторону модернов. Для него древность и ее великая герои были мертвы. Его обожание настоящего и его утонченного современность и мода граничат с легкомыслием.С другой стороны, отвергали все формы живописного реализма. Его концепция Парнас, дом богов Древней Греции, напоминает Париж своего времени, который он часто уменьшал до размеров этап. Ватто был погружен в эфемерное. В его картины. Мужчины — кавалеры или клоуны — созданы, чтобы доставить удовольствие женщинам, которые скользят мимо, закутанные в свои великолепные шелковые одежды. Статуи в в парках почти всегда статуи женщин. И даже природа женственный: деревья с тонкими стволами, богатые мягким и неопределенным листва. Посмертная репутация. Круг поклонников Ватто распался вскоре после его смерти, и его репутация пошла на убыль. Ватто, истолковавший глубочайшие устремления своего времени, были признаны удовлетворенными немногими позже в 18 веке, когда развивалась Эпоха разума. Живопись тогда перешли к наблюдению за действительностью и, наконец, к социальным протест. Было естественно, что такой художник, как Ватто, превозносивший свободное господство фантазии было отложено.Критики позже, во время Французская революция обвинила Ватто в том, что он «заразил жилища. своего времени с безвкусицей ». Девятнадцатый век ознаменовал возрождение интереса к Ватто, особенно в Англии и среди некоторых французских поэтов, а именно Виктора Гюго, Грар де Нерваль и Тофиль Готье. Постепенно его судьба возродилась: Бодлер представил глубокий и точный интерпретация художника, помещая его среди «маяков» человечество в одном из его самых известных стихотворений («Les Phares», 1855).Он тоже увидел искусство Ватто на фоне комди-балетов кружащийся и невесомый танец популярных стандартных персонажей или аристократические кавалеры под искусственным освещением люстр. В 1856 году братья Гонкур опубликовали «Философию Ватто» в которую они сравнивали с Рубенсом. Марсель Пруст, в конце века, был среди тех, кто лучше всего чувствовал величие Ватто. Со временем Ватто пользовался уважением в кругу любителей искусства, поэты и романисты распространились на широкую публику. Джованни Маккиа
	JEAN-ANTOINE WATTEAU Отказ от «величественной манеры» придворных художников Людовика XIV, Жан-Антуан Ватто (1684-1721) предпочитал черпать вдохновение от великих голландских и фламандских художников 17 века и с офортов Жака Кайо (1592–1635).С посадкой для Cythera, одной из самых известных и загадочных картин века Ватто представил тему галантных праздников, должен был сыграть такую ​​важную роль в рокайльном искусстве. Он просмотрел мир как «театр природы», где представители модных социальные круги предавались неторопливым удовольствиям. Ватто сюжеты, часто вдохновленные театром, перекликаются с причудливыми персонажей комедии дель арте, его цвета создают сюрреалистическое прикосновение к аркадской красоте, которую он стремился запечатлеть.Он проявили анекдотическое чутье и хорошее знание голландских мастеров в его жанровые картины, в которых бедность изображалась загадочно и изящная меланхолия. Его космополитический вкус и чуткость способствовали неоднозначной сложности его работы — ее богатству намёки, двусмысленные значения и часто сбивающие с толку, фантасмагоричность, отражающая противоречия эпохи.
	___________ ___________
	JEAN-ANTOINE WATTEAU: «LINDIFFERENT» 1717; холст, масло: 26×19 см (10×8 дюймов) Musee du Louvre, Paris.
	Эта небольшая картина, также известная как Беспечный молодой человек , изображает молодой человек в последние годы правления Людовика XIV или в начало периода регентства. Он либо в середине танца, либо, как поэт Поль Клодель в своем анализе картины предпочитал начать танцевать.Клодель описывает его как «посланника перламутр, вестник зари, полу-олененок, полу-птица … лесное существо … с одной вытянутой рукой, в то время как другая, широким жестом раскрывает поэтическую вуаль … весь его смысл d’etre содержится в измеренном авансе, который он собирается сделать ». Надуманный жест и театральная поза наводят на мысль о балерине. который только что вышел на сцену и его силуэт вырисовывается на фоне леса фон.
	1.Одетая в шелк и кружево, фигура доминирует на изображении и четко очерченный на фоне причудливой пейзажной сцены. Художник запечатлел его тонкие движения — его тело идеально сбалансировано — и Фигура напоминает фарфоровую статуэтку или живую картину. Этот эффект анабиоза достигается волнообразной, изогнутой линия, проводящая оси тела. Кривизна вытянутая нога. слегка вспаханная голова, поднятые руки и все руки соединяются, чтобы придать ему легкость, как перышко.Стратегический расположение фигуры в центре холста дает состав симметричной устойчивости. 2. Форма фигуры очерчена уверенно и живо рисунок, его очертания освещены крошечными бликами на маленьких складках одежда, которая помогает передать ощущение движения. В намек на движение типичен для картин в стиле рококо, как и склонность художника наполнять фигуры светящимися, отражающими легкий. Обработка фигуры повторяется в антуражах: неровная земля, мягкие изогнутые очертания деревьев, пушистые облака и вызывающие воспоминания яркие цвета. 3. Голова выделяется на фоне бледного неба, пока летучая мышь пропитан мимолетным качеством Его большие приподнятые поля частично обнажает лоб, а телесно-розовая подрезка перекликается с цвет щек. Взгляд молодого человека, пристальный и усталый, показан золотисто-коричневой тенью. Очертание его юношеского лица, его красные мясистые губы, четко очерченные веки и тонкие волосы создают чувственная и чувствительная голова. Его выражение лица и общая томность возможно предположить меланхолию. 4. Фигура останавливается, неподвижно в обстановке, которая одновременно символично и неоднозначно. Слева от рисунка свет рассеивается постепенно сквозь облака и деревья, пробираясь сквозь туман эта сторона картины. Лицо танцора и передняя часть его ноги освещены фронтальным источником, напоминающим театральные рампы. который определяет физические характеристики. Эти интимные детали дают большая глубина в работе, которая на первый взгляд кажется просто игривое и чувственное выражение жизнерадостности.
	___________ ___________
	Антуан Ватто: Музыкальная вечеринка , г. 1718 Культурный досуг, музыка и шампанское (Rose-Marie & Rainer Hagen)
Жан-Антом Ватто Les Charmes de la Vie (Музыкальная вечеринка)
	Небольшая компания друзей собирается послушать музыку в парке. терраса.Между играющими собаками и детьми приятная беседа разворачивается, пока настраиваются инструменты. Парк на заднем плане приглашение на прогулку. Сцена, нарисованная c. 1718, показывает Антуана Рендеринг Ватто одного из самых популярных «невинных удовольствий» возраста. Среди таких удовольствий современник перечислил «радости жизни». обеды, музыка и игровой стол, беседа, чтение и ходьба ». Чтобы усилить« радость от ужина »,« мавританский мальчик »охлаждает шампанское, который, покровительствуемый высшими людьми в стране, в последнее время стал модный напиток.Герцог Филип Орлеанский, как известно, пил это игристое вино в больших количествах в его «petits soupers». Филипп был регентом, правившим Францией с 1715 по 1723 г. меньшинство своего внучатого племянника, будущего короля Людовика XV. Во время этого короткая эпоха, совпавшая с наиболее продуктивным периодом Ватто, герцог внес изменения не только в мир моды и вкуса, но и в политику. За двадцать лет до своей смерти Людовик XIV, известный как Солнце Король, почти постоянно держал Францию ​​в состоянии войны.Регент, автор напротив, подписали мирные договоры, выплатили огромные государственные долги и поощрял промышленность и торговлю. В то время как 20 миллионов французов дышали вздох облегчения, больше не жертва худшего лишения, -1709 был был год голода в Париже — маленькое привилегированное меньшинство ароматизированный шанс жить полной жизнью. И они это поняли обеими руками. При Людовике XIV политическая целесообразность и религиозная ортодоксальность ощущались как сокрушительное бремя, подавляющее всякую индивидуальность.В идеалы французской «классической эпохи», провозглашенные в церкви Епископ Босуэ и на сцене поэты Расин и Корнель были дисциплина и самоотречение, принесение самореализации в жертву высший принцип общественного порядка и благополучия. Аффектное благочестие о стареющем короле только усугубил ситуацию. В общем, вряд ли удивительно, что Франция утолила жажду удовольствий и роскоши момент смерти короля. Христианство и стоицизм были отложены в сторону более мирских философий.В традициях эпикурейцев «Регентство» посвятило себя идеал чувственного наслаждения: «искусство чувственной утонченности, усиленный чувством добродетели «, согласно Ремон де Сен-Мар определение в парижском журнале Mercure в 1719 году. Сын богатого финансиста Ремон де Сен-Мар был одним из немногих достаточно привилегированные, чтобы посвятить себя этому искусству. «Гедонисты» пошли еще дальше, требуя права личности счастья, которое энциклопедисты второй половины 18-го столетие описывается как «состояние созерцания, украшенное драгоценностями здесь и там с более яркими тонами удовольствия «.Счастья и чувственности удовольствие также является предметом живописи Ватто, которая, размером 69 х 93 см, сейчас находится во владении Уоллеса. Коллекция, Лондон.
	Горожане в стране
The Music Party (деталь)
	Небольшой замок, на террасе которого собрались музыканты принадлежал богатому банкиру.Он назывался Монморанси и имел тамбур или крытая колонная передняя площадка с панорамным видом окружающего парка и сельской местности. Его владелец Пьер Кроза (1665-1740), по иронии судьбы прозванный «нищим», был одним из самые богатые люди во Франции. Он использовал свое богатство для сбора старых мастеров и поддержать молодых художников. В 1718 году Ватто жил во дворце Кроза. дома в Сковороде. Несомненно, он часто бывал в Монморанси и смог наблюдать и рисовать жизнь горожан в их загородный отдых. Хотя на протяжении многих веков привилегия аристократии, владение больших площадей земли теперь начали обращаться к членам восходящая буржуазия. Привилегии последнего не начислялись. им по рождению, но были завоеваны благодаря деловой хватке и погоня за прибылью. События, начатые при Короле-Солнце, ускорился во время регентства. Как ни парадоксально, деревенская жизнь стало модным, когда в Париже начался бум. В 1715 г. в сопровождении знати и королевской семьи Регент, который ненавидел Версаль, вернулся в Париж.»Все французы любят сковороды больше всего на свете », — отметила его мать, немка Елизавета Шарлотта Пфальцская, хотя, по ее мнению, » ужасное место. Воняет … Люди просто писают на улице; его невыносимо «. У того, кто мог себе это позволить, были все основания бежать в деревню — хотя немногие заблудились далеко, потому что это было важно оставаться в пределах легкой досягаемости от центра. Монморанси был расположен примерно в 15 милях от Парижа, а тренеры Кроза ехали всего два часа возить банкира и его гостей в его театры и салоны. Хотя горожан, несомненно, привлекали чистый воздух и приятной сельской местности, они тоже искали легкости и расстегнутого неформальность новой философии жизни. Вдали от кодексов поведения которые сдерживали жизнь в каждом классе общества, вдали от строгие правила этикета и одержимость внешним видом которые доминировали в своем классе, они могли разговаривать с их друзья с утра до вечера, лежа на медовухе с их, если они того пожелают, или прогуливаясь по парку.Больше не ходить означало жесткость променада «а ля Рой Солей» в саду в Версале, между геометрически расположенными клумбами и кустарниковые живые изгороди. Постепенно природа освободилась. В День и возраст Ватто, Люксембургский сад, самый популярный Парк Сковороды, как говорили, был «грубым и неухоженным», с деревьями ‘ стремительный рост и беспрепятственное распространение необрезанных живых изгородей. Требование, чтобы «сад был обязан природе больше, чем искусству», было Совершенно новый («Теория и практика садоводства», Париж, 1707 г.).Это была эпоха английского ландшафтного сада с его лужайками, рощи и холмы — стиль, который, возможно, видел Ватто на одном из собственность, принадлежащая его богатому покровителю-англофилу. Потому что это было в этом тип ландшафта — природные пейзажи, несомненно, «неухоженные» современные стандарты, но, тем не менее, приятные и построенные исключительно для человеческого удовольствия — что он решил поместить свою любовную пары и музыкальные друзья. Пейзаж Ватто больше всего на свете вызвал восхищение современников.Эти картины запечатлены все, что было современным в той эпохе, в которой он жил: это новое отношение к природе, новый идеал в ландшафте. Анонимный портрет художника в молодости содержит восхищающий текст заявляя, что Ватто всегда был si nouveau : так ново.
	Сложный инструмент для игры
	The Music Party (деталь)
	В своей жизни Антуана Ватто, художника фигур и Пейзажи , изданные в 1748 году графом дю Кайлюс, описывающие его покойный друг, пишет: «Возможно, он получил мало или совсем не получил образование, но у него был тонко настроенный слух и очень разрушение вкуса в музыке.»Ватто написал свой мюзикл инструменты с такой точностью, что эксперты могут даже идентифицировать их производители. В центре своего Music-Party Ватто нарисовал теорбо. Настроить и играть на этой лютне было так сложно, что ею пренебрегли. почти на грани исчезновения даже во времена Ватто. Любительское игроки могли надеяться узнать немного больше, чем самый простой из аккомпанементы и простейшие мелодии. В профессиональной музыке было долгое время использовался для питания Basso Contino , или основательный бас.Однако последняя композиция для theorbo была опубликовано в Париже в 1716 г., а к 1732 г. «не более трех или четырех почтенные старые господа «умели играть на инструменте. Новые инструменты, такие как виолончель и клавесин были импортированы из Италии. Чистый бас перешел и к виолончели, и к клавесину. Хотя говорят, что Ватто украсил последний инструмент, он не появлялся ни на одной из его картин; это не было бы все равно играл на одном из своих концертов под открытым небом. Многие из его работ изображают музыкантов, тем самым отражая одну из любимое времяпрепровождение эпохи: «Все учатся играть музыка », — писала Элизабет Шарлотта из Пфальца,« это последняя ярость, сопровождаемая всеми молодыми людьми, будь то мужчины или женщина ». Что они сыграли? Музыка итальянских композиторов Альбинони, Страделла и Скарлатти — работы, требующие меньшего и более интимного ансамбли — преобладают в музыкальной библиотеке покровителя Ватто, Пьер Кроза.Вместе с церковной музыкой и оперой, камерной музыкой, новая форма, пользующаяся все большей популярностью среди прогрессивных, или «модерн», кружки в Париже. «Сонаты и кантаты», написал Mercure 1713 года «разрастается, как грибы». Ватто выбор инструментов — теорбо, гитара и виолончель, к которым голос был бы добавлен — предполагает, что музыканты собрались на террасе готовили кантату. Раз в месяц смешанное общество собиралось, чтобы послушать камерную музыку. в салоне зажиточного буржуа Кроза.Венецианский художник, Розальба Камера, посетившая в то время Париж, рассказала об одном такой концерт. Регент явился лично, потому что не только Полезные ему услуги братьев Кроза по разным кредитам транзакций, но, как и его хозяева, он любил итальянскую музыку и действительно, как говорят, сам сочинил оперу. Художник Присутствовал и Ватто, который провел несколько месяцев в Англии. Известные солисты, такие как итальянский кастрат Антонио Паччини, выступал вместе с любителями — племянницей художника Ла Фосса. беря голосовую партию, папский имернунций срывает теорбо. Картина Ватто, вероятно, изображает группу любителей. Создание музыки был также излюбленным времяпрепровождением для тех, кто предпочел остаться в кантри, деревенская жизнь «создана для любви», а сама «музыка», так было сказано, был «агентом любви». Музыка послужила поводом для достижений, а музыка дала выражение тому, чего еще не было нашел возможность или смелость высказаться. Группа, похоже, ждет, пока теоретик настроит свой инструмент — дело долгое и сложное.Возможно, что художник имел в виду эротический намек: современникам Ватто, разбираясь в эротической символике своего времени, инструмент предложили намек на женское тело, которое играет любовник Руки. Замок в деревне предоставлял своим гостям не только террасы, салоны и столовые, но скромные альковы.
	Предметы роскоши из колоний
The Music Party (деталь)
	Иметь «мавританского» мальчика, одетого во все шелка и бархат, было одна из самых роскошных мод 18 века.Он может быть видели, как держали поезд герцогини или охлаждали банки банкира, и всегда он приглашал зрителей задуматься над огромным миром, и о богатствах французских колоний. Среди них были Гваделупа и Мартиника на Антильских островах, растущее значение которых в экономическом плане принесла огромную прибыль купцам и судовладельцам как Кроза. Они купили черных рабов в Африке и обменяли их для экзотических товаров на Антильских островах, где рабы эксплуатируется на сахарных плантациях.Королевский указ 1716 г. «всем торговцам королевства» право свободно торговать с негры «. Привлекательный» мавританский мальчик «был» колониальной роскошью «, как желанный, как шоколад, который он подавал своей хозяйке перед сном. По слухам, маркиза де Котлогон напилась. слишком много этого опасного нового напитка во время беременности, она дала рождение сына «черного как дьявол». Торговля новыми предметами роскоши, такими как сахар, кофе, табак, чай и шоколад поощрялся высшим авторитетом в стране, отчасти по экономическим причинам, отчасти потому, что регент развил вкус к предметам роскоши, вкус, который распространился на игристое вино, которое виноделы в Шампани недавно начали производят вторичным брожением.»Вино из Реймса на своем лучше всего пить охлажденным со льдом », — говорится в одном из современных источников. «Ощущение покалывания, которое щекочет нос и может мертв к жизни «помог регенту встать на ноги в течение вечернего развлечения после двенадцатичасового рабочего дня. Он любил даже добавлять шампанское к соусам, которые он приготовил для своих друзей. Он хотел его блюда по вкусу простые и в то же время очень изысканные. Это была эпоха, когда засвидетельствовал рождение того, что обычно называют «французским кухня».Тот, кто мог себе это позволить, ел — судя по сегодняшним стандартов — огромные количества, будь то традиционные блюда или последние кулинарные изобретения. Самые богатые наелись регулярно в самых изумительных оргиях пьянства и обжорства. Сам регент выпивал шесть или семь бутылок шампанского. каждый вечер. Его мать, Элизабет Шарлотта Пфальц, писал в 1719 году: «Великая мода в Париже в настоящее время для мужчин и женщин в равной степени пить много и заниматься всем виды неблагородной и беспорядочной деятельности.« Здесь не упоминаются те« невинные удовольствия », чьи удовольствие от «утонченности» и «чувства добродетели» Mercure того года ободрили. Элизабет Шарлотта сравнивает Париж до Содома и Гоморры, и, действительно, излишества французской верхушки классы должны были иметь ужасные последствия во время революции 1789 год, когда народ расправился с привилегированными слоями. «Роскошь и изысканность в государстве», — предупреждал Дуэ 17 века. де ла Рошфуко «являются верным признаком его упадка, ибо люди могут служить себе до такой крайности только пренебрегая общим благом.»
	Художник авангарда
	The Music Party (деталь)
	Фигурки Ватто никогда не видели едящими; его картины редко показать наполненные шампанским бокалы или бутылки.Он изображал только реальность в той мере, в какой это соответствовало идеалам его времени. Он нарисовал культурных дам и джентльменов, которые были за пределами малейшее подозрение в чрезмерном участии в так называемых праздниках galantes, тематическое нововведение, которое в 1717 г. получил признание как новый жанр, завоевал ему место в Академии. Ватто, наконец, добился успеха после тяжелых лет своего раннего карьеру, теперь жил в мире роскоши, далеком от его воспитание.Он родился в 1684 году в Валансьене, в семье мастер плиточник. В конце 1717 года Ватто останавливался в парижском дворце банкира. Кроза; через год он жил в одной квартире с художником Николас Влеугельс, который, как и Ватто, был родом с севера Франция. Однако, в отличие от Ватто, Влеугельс уже побывал в Италия; Позже он был назначен директором Французской академии в Рим. Ватто показывает, как он выжидает, прислонившись к колонне в его красное пальто и берет, костюм, который могли бы подумать его зрители старомодный даже в те дни.Говорят, что Ватто владел коллекция театральных костюмов, в которые он одевал своих моделей. Шелковый костюм и белый воротник были предметами регулярного использования на Итальянский театр — но трудно представить папского интернунциума который играл теорбо на домашних концертах Кроза, позволяя себе быть замеченным в таком «прикиде». Среди знакомых Ватто были и другие художники. журналист Антуан де Ла Рок, который стал редактором Mercure в 1724 году граф дю Кайлюс, который рисовал с ним обнаженную натуру, а позже написал его некролог, а также арт-дилеры и богатые коллекционеры буржуазия.Среди последних был торговец стеклом Сируа, первым купил картину Ватто и производителя красок Glucq, который, как известно, владел The Music-Party в 1720 году. Сам Кроза, похоже, не владел картинами Ватто, хотя его столовую украсил художник. «Из всех наших художников, — писал он Розальбе Камере в 1716 году, — я считаю исключительно М. Вато способен создать то, что вы цените ». Кроза дал художнику свободу в его доме, предлагая ему все возможность изучить его коллекцию произведений искусства и познакомиться с пиршества высшего класса — эти «радости ужина, музыки и игровой стол, беседа, чтение и прогулки ». В какой мере сам Ватто участвовал в таком веселье? Был он способен на избыток? Говорят, что он работал постоянно, его альбом для рисования всегда под рукой, и, конечно, хорошо разбирается в имеет значение музыкальный и заядлый читатель, трудно его представить ведет кокетливый разговор. По словам его биографов, по натуре он был «робким» и «меланхоличным», всегда «недовольным» с собой и со всеми вокруг него «, слишком беспокойный, чтобы оставаться где угодно и очень долго, будь то Crozat или Vleughels. Роскошь, кажется, мало что значила для Антуана Ватто: для тех, кто посоветовал ему подсчитать свои заработки и продолжить карьеру, он ответил, что мог бы жить в богадельне, если бы худшее наихудший. В 1717/19 году, когда Ватто писал свои восхитительные чувственная музыка-вечеринка, он был уже больным человеком. Он имел туберкулез или, возможно, отравление краской. В 1721 году в возрасте 36 лет, он умер. Образ XVIII века в значительной степени определяется картинами, выполненными Ватто за первые два десятилетия своего существования.Он был «настолько новичком», что многое ожидал из того, что будет позже. Cегодня его, несомненно, назовут авангардистом.
	___________ ___________
	Пьеро и другие клоуны Комедия и меланхолия (К.Райхольд, Б.Граф)
	Собери свою одежду, хорошие завязки для бороды, новые ленты к вашим насосам; встретимся сейчас во дворце; каждый мужчина смотрит на его часть…. В любом случае, пусть у Тисби будет чистое белье; и не позволяй ему который играет львом, стриг ему ногти, потому что они будут болтаться львиные когти. И, дорогие актеры, не ешьте ни лука, ни чеснока, ибо мы должны издать сладкое дыхание, и я не сомневаюсь, но слышать их скажем, это милая комедия … Уильям Шекспир, Внизу в Сон в летнюю ночь , Акт V, сцена II, 36-46, 1600
	Жан-Антом Ватто Жиль и четыре других персонажа из Com media dell’Arte (Пьеро) Холст, масло 184 x 149 см Musee du Louvre, Pans
	В восемнадцатом веке члены французского двора позабавили себя великолепно: «Позавчера был большой маска в Версале ».Так, письмо, написанное в 1700 году: «Герцогиня Бургундии, в образе деревенской невесты, пришла со своей свитой придворных дам, которые были в масках, как она, и чьи волосы были украшены множеством цветов. Это сделало великолепно веселым эффект —- За восемь дней до этого была еще одна красивая арлекинада в Марли. Самыми красивыми были Савоярды с их разносчиками свертки на спинах, которые они открыли. Два маленьких арлекина и выскочили две коломбины, маленькие девочки и мальчики, которые танцевали красиво.»Даже король Людовик XV, которому тогда было всего одиннадцать лет, участие в fetes galantes, изящных развлечениях 1721 года. Артистка балета в балете The Elements . Не только знать любила наряжаться и играть в театр. подобно многие из его современников, художник Жан-Антом Ватто тоже сделал. Особенно ему понравились итальянские персонажи. импровизированная комедия, комедия дель арте . Они принесли добро развлечение и удовольствие для бедных. Commedia dell’arte возник примерно в 1550 году в Ломбардии, а в какие импровизированные пьесы на основе стоковых ситуаций исполняли труппы специально обученных артистов. Все, что было заранее оговорено, было конспекты сюжета и последовательность сцен. Состоит в основном клоунады и шуток, диалог был полностью импровизирован. Хотя влюбленная пара принадлежала к стандартному репертуару, другие персонажи были типами бурлеска, мгновенно узнаваемыми потому что они всегда появлялись в одних и тех же масках и костюмах: Панталоне — пожилой венецианский купец, врач, ученый Болонья и Арлекино, и его хитрый слуга, чья неловкая и меланхолическая сторона вскоре стала персонифицироваться как отдельный персонаж — позвал Педролмо. После г. комедия дель арте была основана во Франции в дворы, ярмарки и улицы, Педролино превратился в жалкое дурак, которого можно назвать Пьеро или Жилем. Этот персонаж представлял отвергнутого любовника, которому всегда было грустно. Он был характеризуется характерным белым костюмом с широкими рукавами, белым маска и широкий белый берет. Ватто нарисовал своего Жиля как портрет актера, известного по роли Жиля или Пьеро? Возможно, эта картина в натуральную величину висела перед кафе или театр, в котором рассматриваемый актер мог появиться в роль? Как бы то ни было, меланхоличный клоун издевался, высмеивал и презираемый за свою глупую беспомощность, был фаворитом Watteau по той единственной причине, что ему было так ужасно грустно.В Скорбный клоун несколько раз появляется в его творчестве. Это биографическая подсказка? Художник слишком хорошо знал, каково это — есть только он сам. Его последние годы были омрачены болезни и меланхолии, прежде чем он умер в тридцать семь лет туберкулез.
	Masques et Buffons: Il Dottore (1653), Pantalone (1550) и Arlecchino (1671), опубликовано Морисом Сандом, 1860
см. Коллекцию: Jean-Antoine Watteau

История искусства рококо

Поиск:: Художники по алфавиту 100 величайших художников 50 величайших картин Художественные движения Рококо Арт 1710-1750 Около искусство рококо Движение ‘The Искусство Аристократия ‘ Слово является производным из «рокайль» (галька), но срок упоминается в частности к маленьким камням и снаряды, используемые для украшать интерьеры гроты.Такие снаряды или формы оболочки были основные мотивы в Рококо орнамент. Движение рококо было изначально ограничивался Франция, позднее распространение по всей Европе и прежде всего в Англию.Движение продолжалось развиваться до тех пор, пока прибытие Неоклассицизм который попытался вернуться в пуризм классическая древность.Рококо художественные темы сосредоточены около беззаботные аристократы в притворяться настройки.Херувимы были часто включается в смешать, чтобы придать работе прикосновение восхитительного прихоть. Романтичный сцены изображают роскошно одетый дамы и господа флирт, пикник и играть музыку в галантном деревенские вечеринки. В фон пейзаж часто безмятежный естественная обстановка с нежные деревья и кусты роз. Цвета изобилие успокаивающие, светлые пастели.Известный художник Рокко, Джошуа Рейнольдс заявил «Рафаэль и Тициан, кажется, посмотрел на Природу для разные цели; Oни оба обладали силой расширяя свою точку зрения на целый; Кроме одного искал только общий эффект как произведенный по форме, другое, произведенное цвет.» Стиль рококо начался как ответная реакция на Барокко формальность и духота.В отличие от Барокко, рококо не обеспокоен религиозные вопросы или драматическое выражение. Очень декоративный арт, живопись и дизайн движение началось в Париж, Франция в начало 1700-х годов и иногда называют стиль Людовика XV (15).Стиль глубоко символично гедонизм Европейский высшие классы. Рокко манера был характеризован изящный, чарующий, беззаботные темы флирт и безответный, меланхолическая любовь среди аристократия.Настроение было выраженный по причине и эмоциональность была выражено через интеллект. Картины анимированы и умный, отражающий озорно чувственный мечта. Портрет в стиле рококо Картины Рокко особенности красивые аристократы наряжены из бархата, элегантный кружева и богатый золотой вышивки.В фигуры высокие и гибкие, стильные и очаровательный. Лица представлены как мягкие и розовая, женственная и вечно молодой.Изображены дворяне носить женственный прически, накрашенные губы и щеки, часто спортивный высокие каблуки.Семья портреты мечтательны и беззаботный. Изображены слуги с радостью обслуживая их аристократические работодатели и часто были включен в семейные портреты.Рокко женские фигуры нежные и свет; лица, по-детски и сентиментальный.Линии изгиба рта в мягкое озорство или в нежное очарование улыбка.

Ключевые описательные слова и Фразы, связанные с движением рококо — Позднее барокко, гобелен, дворец Шарлоттенбург, Версаль, 18 век, Франция, разговорная речь, правление Людовика XV, оборки, напудренные парики, маски, капризный, броский макияж, мужчины в высоком каблуки, херувимы, сложные рецепты, дореволюционное, новое открытие из классический мир, Chteau de Chantilly, эфирный фоновый пейзаж, мелодраматический, декоративный, Век открытий, аксонометрический рисунок, любопытство к миру природы, пастель цвета, романтизированные пейзажи, ухаживания Требовать больше фактов и информация о рококо Картина ? Копайся в каждом уголке и трещина известных Вселенная для информации эта тема.Искать здесь Примеры живописи рококо нажмите для увеличить История художников.com Если вам нравится эта страница и вы хотите поделиться Вы можете дать ссылку на него с нашей благодарностью. Если вы чувствуете, что располагаете полезной информацией, вы хотели бы внести свой вклад, мы будем рады услышать от вас.Собираем необходимое биографические данные и цитаты артистов от людей со всего мира земного шара и ценим ваше участие. При отправке пожалуйста, по возможности, разместите источник и предоставьте английский перевод. Электронная почта на [email protected] Ссылки Символизм авторское право 2011 — история художников.ком

Искусство Рококо

902 902 902 902 212 902 212 902-17 Себастьяне 902 21307–1736 Клэу

Грегорио де Феррари	1644-1726	Итальянский художник
Николас де Ларжильер	Джакомо Серпотта	1656-1732	Итальянский скульптор
Франческо Тревизани	1656-1746	Итальянский художник
Мишель Рокка	1666-1751	Итальянский художник
Николас Бертин	1667-1736	Французский художник	Французский художник	9022 9021 Август 2 9021 Клэйд	Французский S culptor
Алессандро Магнаско	1667-1749	Итальянский художник
Антонио Коррадини	1668-1752		1668-1752	Итальянский скульптор 1757	Итальянский художник
Джованни Антонио Пеллегрини	1675-1741	Итальянский художник
Жан Роукс

2

Жан Рау

2 902 902 Ларун Младший 913 07

1679-1772	Английский художник
Мишель-Анж Уасс	1680-1730	Французский художник
Giacomo 902-1	Giacomo 2
Джованни Батиста Пьяцетта	1683-1754	Итальянский художник
Жан-Антуан Ватто	1684-1721	1684-1721	Французский художник 902 Наттье 902 902 902 902 902 Nattier	1685-1766	Французский художник
Джованни Баттиста Питтони	1687-1767	Итальянский художник
Paul de Lamerie 9021 902-1902 902
Франсуа Ле Мойн	1688-1737	Французский художник
Франческо Мария Скиаффино	1688-1763	Итальянский скульптор

9021 9130 7 902 9020 Французский мебельный художник 902 9021 Шарль Антуан
1694-1752 902 902 902 Джозеф Патер21 902221 9022 1779

Французский художник
Георг Рафаэль Доннер	1693-1749	Австрийский скульптор
Жак Дюбуа	1693-1763	Французский мебельный художник		Французский художник
Коррадо Джакинто	1694-1765	Итальянский художник
Жан-Батист 902 902 Джозеф Патер
Джейкоб де Вит	1695-1754	Голландский художник
Джованни Марчиори	1696-1778	Итальянский скульптор		9132-17		9132-17 Батоло-17 Итальянский художник	9130 8
Canaletto	1697-1768	Итальянский художник
Никола Сальви	1697-1751	Итальянский скульптор
Французский художник
Джан Антонио Гварди	1699-1761	Итальянский художник
Джован Мария Морлайтер

208 902 9120208 Итальянский Джузеппе Ногари 902 902 902 Французский Джозеф Натуре 902 902 902 902 902 9020221 902 902 9021 Franceugno
202 902 902 902 902 902 902 Джон Скуллер 1775 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 Аллан Рамзи 90 221 902 902 902 902 Морис 902 902 902 Морис 902 902 Морис 902 902 Морис 902 902 Русский художник 1716-1791 90 220 1721-1782

1699-1766	Итальянский художник
Джозеф Блэкберн	1700-1780	Английский / американский художник
Луиджи Ванвителли	1700-1773	Итальянский архитектор
Томас Хадсон	1701-1779	Английский художник			2 1713002 Пиеттро Лонг
Луи-Франсуа Рубильяк	1702-1762	Французский / английский скульптор
Франческо Цуккарелли	1702-178821	1702-1788	Итальянский художник 1703-1770	Французский художник
Морис Квентин де Ла Тур	1704-1788	Французский художник
Андреа Касали	2 902
Фран coise Duparc	1705-1778	Испанский / французский художник
Помпео Батони	1708-1787	Итальянский художник
Франческо Фонтебассо	1709-1769	Итальянский художник
Кристоф-Габриэль Аллегрейн	1710-1795	1710-1795	Англо-американский художник
Франческо Гварди	1712-1793	Итальянский художник
Доменико Маггиотто	1713-1784	Scottish Painter
Jean-Baptiste Pigalle	1714-1785	French Sculptor
Charles-Scutin 902
Жан-Батист Перронно	1715-1783	Французский художник
Алексей Антропов	1716-1795	Французский скульптор
Бернардо Беллотто	1721-1780	Итальянский художник
Чарльз Флиц Пейнтер	1721–17 Анна Доротея Тербуш	Немецкий художник
Сэр Джошуа Рейнольдс	1723-1792	Английский художник
Жан-Батист 21202 902 902 902 902 902 902 902 902 902
Педер Алс	1726-1776	Датский художник
Томас Гейнсборо	1727-1788	Английский художник

Английский художник

Итальянский художник Жан Батист Пиллеман 1728-1808 Французский художник Иван Петрович Аргунов 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 1730–1809 90 220 Английский художник Пьер Жюльен 1731-1804 Французский скульптор Жан-Оноре Фрагонар 1732-1806 1732-1806 902 1733-1808 Французский художник Дмитрий Григорьевич Левицкий 1735-1822 Русский художник

2 902 902 902 9021 Федор Федор Русский художник Федор Луи-Марин Бонне 1736-1793 Французский гравер Никлас Лафренсен 1737-1807 Французский художник Французский художник 902 902 Немецкий художник 91 307 Clodion 1738-1814 Французский скульптор Джон Смарт 1741-1811 Английский миниатюрист Cos21-1811 Английский миниатюрист Cos21-1811 9021
902 902 9021 Cos21 9021 9021 902 Английский миниатюрист Пиат-Джозеф Соваж 1744-1818 Фламандский художник Энн Валлайер-Костер 1744-1800 9130 902 1744-1800 9130 902 Анн Жерар Фрагонар 1745-1823 Французский художник Жан-Батист Мари Хуэ 1745-1811 Французский художник-18902
9021 Испанский художник / гравер 9 0221 Луис Парет-и-Алькасар 1746-1799 Испанский художник Антонио Карничеро 1748-1814 Испанский художник 9021 1814 Испанский художник 9021 18202 9202 902 Французский художник Иоганн Баптист Лампи Старший 1751-1830 Австрийский художник Владимир Лукич Боровиковский 902-1820 Владимир Лукич Боровиковский 902–1825 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 902 Джозеф-Шарль Марин 1759-1834 Французский скульптор Джакомо Гварди 1764-1835 Итальянский художник .