Рококо — грациозная пластика — Ювелирные статьи, способы огранки, ювелирный мир, ювелирная мода | Jevel.ru
Слово Рококо произошло от французского слова rocaille, что означает элемент «рокайль» — элемент стиля Рококо, орнамент, который построен на основе завитка, как у раковины. Для рококо характерен праздничный, ликующий стиль, который появился в искусстве в конце XVIII. Родиной стиля Рококо можно считать Францию, и его зарождение совпало по времени с эпохой правления короля Людовика XV (1715-1774).
Довольно быстро роскошный и праздничный стиль завоевал всю Европу, причем он стал развиваться сразу во всех направлениях: живописи, архитектуре, скульптуре. Так же этот стиль вошел в дизайн интерьера и одежды. Конечно, не прошел стиль Рококо и мимо ювелирного мира.
В отличие от многих других стилей, которые зарождались как отдельное течение, Рококо унаследовал многое от стилей прошлых эпох, однако его главное отличие от прошлых столетий – изящество, игривость, камерность.
Понятно, что такие перемены не могли не отразиться на дизайне и форме ювелирных украшений, а так же основных мотивах, используемых при создании ювелирных изделий.
Мастера – ювелиры стали искать новый идеал для вдохновения, и им оказалась грациозная пластика, изогнутые линии, ассиметричные орнаменты. Многие рассматривают стиль Барокко и Рококо как единое направление в ювелирном искусстве, но это не правильно. Барокко – это тяжелый, напыщенный, хотя и роскошный стиль. Рококо – это тоже роскошь, но легкая, изящная, тонкая.
Главным элементом Рококо стала завитая раковина, которая превратилась в своеобразную композицию, состоящую из завивающихся лепестков, но при этом ленты орнамента наоборот стали развиваться. Вся композиция напоминала роскошный, элегантный веер. Самое интересное, что стиль Рококо совпал в ювелирном искусстве с новыми открытиями в области огранки бриллиантов. Обновленный, сверкающий, переливающийся всеми цветами радуги алмаз идеально вписался в стиль Рококо.
Вообще среди драгоценных камней стиля Рококо первое место, безусловно, занял бриллиант, именно под него изготавливались изящные оправы, причем предпочтение было отдано не золоту, как в стиле Барокко, а серебру. Для мелких драгоценных камней стали использовать закрепку «паве», и со стороны самой оправы не было видно.
Стиль Рококо повлиял и на одежду, дамы стали носить очень глубокие декольте, что не могло не отразиться на ювелирных предпочтениях. В моду стремительно входят колье, причем в качестве основного центра использовались подвески звездообразной или же каплевидной формы. Под колье создавали комплект украшений – серьги и кольца, а вот браслеты и украшения для головы стали реже использовать.
Практически все без исключения леди быстро поняли преимущества стиля Рококо, причем не только благодаря изменившемуся внешнему виду ювелирных изделий, но и новой огранке бриллиантов. Как мы уже отметили, благодаря новым технологиям огранки, бриллианты заиграли новыми красками и благодаря этому очень оживляли лицо, придавая ему интригующие оттенки.
Самыми модными стали серьги типа «бриолез», в которых длинные подвески закреплялись подвижно.
Броши так же были в моде в эпоху Рококо, однако стиль внес в их дизайн и форму некоторые коррективы. Форма броши стала изящнее, линии – гибкими и изысканными, а композиции стали ассиметричными. И, конечно, бриллианты всех размеров украсили броши эпохи Рококо.
В этот период в моде господствовал «пасторальный» стиль, то есть леди предпочитали украшать свои платья живыми и искусственными цветами. В эпоху Рококо появилась еще одна возможность – ювелиры стали создавать бриллиантовые цветы и букеты. Наверное, именно поэтому XVIII столетие получило название – век цветков и алмазов. Именно в этот период в моде появились «портбукеты», которые стали драгоценной вазой для живых букетов. Однако многие дамы предпочли вместо живых цветов использовать цветы из драгоценных металлов.
Стиль Рококо принес еще одно нововведение – роскошные прически, которые украшались драгоценными ажурными шпильками.
Подобные шпильки получили название «цитернадель», которое состояло из двух немецких слов: zittern -дрожать и nadel – булавка. Получается, что цитернадель переводится как дрожательная булавка. Именно так и выглядели булавки – ажурные, массивные конструкции, которые качались при малейшем движении.
Однако стиль Рококо принес радость не только для женщин, мужчины тоже стали носить украшения определенного типа – ордена, булавки, которыми скрепляли кружевные жабо, пряжки, перстни, рукоятки шпаг так же украшались драгоценными камнями. Особо модным стало ношение золотых брелоков, которые элегантно позвякивали при ходьбе джентльмена.
В Россию стиль Рококо пришел одновременно с Европой, в годы царствования Елизаветы Петровны – 1741 – 1761 годы. В эту эпоху страна держалась в фарватере Франции, поэтому этот стиль не приобрел характерной для многих других стилей «рускости». Именно в это время в России появились первые ювелиры, до этого их называли золотых и серебряных дел мастерами.
К сожалению в нашей стране не много сохранилось ювелирных изделий того времени, драгоценные камни были настолько роскошными, что впоследствии их доставали из украшений и использовали при создании более современных изделий. Однако некоторые экспонаты все же можно найти в Алмазном Фонде РФ: сапфировый убор и серьги – жирандоли. Этот комплект очень напоминает струи Петергофских фонтанов, которые посажены и изящные оправы и сверкают алмазами. Основой композиции служат загадочной глубины сапфировые капли.
Повторим основные характеристики стиля Рококо. Мотив: завитая раковина. Дизайн: плавные линии, завитые листки, изящные композиции. Материал: серебро и бриллианты. Тематика: любая. Основные украшения: колье, кольца, серьги, булавки, мужские броши и драгоценное оружие.
Барокко и рококо: об использовании интерьерных стилей в оформлении ванных комнат
Барокко и рококо – несколько похожие между собой стили, которые достаточно манерны и причудливы, имеют свой ярко выраженный стиль.
Насколько они актуальны на сегодняшний день? Давайте поговорим об основных тенденциях в современной отделке.
Безусловно, все больше людей склоняется в пользу популярного сегодня стиля в духе минимализма. Но неоспоримыми достоинствами барокко и рококо является их изысканность, лоск, роскошь, легкая помпезность, которая чарует и завораживает. Современные решения в отделке позволяют создать гладкие и рельефные фактуры стен, поверхности под золото и серебро, которые так «любят» данные стили.
Барокко и рококо – это выбор для истинных поклонников искусства, людей с уточненным художественным вкусом. Если вы относитесь к числу изысканных эстетов, то данные стили подойдут для отделки ванной комнаты как нельзя лучше.
Основные правила создания ванной комнаты в дизайне барокко и рококо
В первую очередь, стоит разобраться, в чем же отличия данных двух стилей. Барокко зародился в Италии. Родина рококо – Франция.
Из общих деталей в стилях – обилие украшений и зеркал, лепнины, витиеватых изогнутых формах, использование дорогих металлов, ценных пород красного дерева, активной инкрустации драгоценными камнями и т.п. Но рококо гораздо более кокетливый, легкомысленный, воздушный, гламурный. В то время как барокко больше располагает к классике и серьезности.
Основной цвет отделки стен вариабелен. Можно остановиться на плитке голубого, розового сочетания, при этом интерьер в такой стилистике совершенно не боится ярких и насыщенных тонов. Но наиболее привычные оттенки – от светло-бежевого к коричневому, серые тона, золото и серебро. Стильные декоры, витражи и мозаика, выдержанная в данном стиле, идеально впишутся в интерьер. Обилие зеркал подчеркнет изысканность убранства.
Но стоит обратить внимание, что и барокко, и рококо – это стили, синонимом которых является роскошь и дороговизна. Они не терпят использования в отделке дешевых или некачественных элементов.
Все только самое лучшее – вот основной девиз!
В плане отделки на современном рынке можно легко подобрать керамическую плитку под стиль интерьера барокко или рококо. А вот с сантехникой дело обстоит несколько иначе, ведь фарфоровые раковины, ванны на стилизованных фигурных ножках, элитная мебель с шелковой обивкой — все это достаточно дорогое удовольствие, доступное немногим. Именно поэтому при решении оформить ванную комнату в романтичном рококо или изысканном барокко важно оценить свои финансовые возможности. Если же они позволяют воплотить все фантазии в жизнь, дерзайте! Игра стоит свеч!
Понравилась статья? Поделитесь с друзьями!
«Стиль художественной культуры Рококо» (стр. 1 из 2)
МОУ Тегульдетская средняя образовательная школа
РЕФЕРАТ
на тему: «Стиль художественной
культуры Рококо»
Выполнила: ученица 11 «Б» кл.
Муравьева Екатерина
Проверил: преподаватель МХК
Соловьев М.
А.
Тегульдет, 2007
Введение
1.
Родина стиля рококо — Франция XVlII века. Здесь он достиг своего расцвета и последовательного развития, хотя и за ее пределами получил большое распространение, в первую очередь в искусстве Германии, Австрии и отчасти Италии, Англии.
Своим названием новый стиль обязан французскому слов «рокайль», обозначающему стилизованное украшение uз раковины, которое стало излюбленным мотuвом многих художественных творений того вpeмени.
В культуре Франции это эпоха особая и оценивается искусствоведами в cucтеме разнонаправленных составляющих, порой весьма парадоксальных. Так, в одном столетии сосуществовали героический классицизм, бравурное барокко и появившийся в атмосфере легкомыссленых праздников, маскарадов, фривольности королевского двора недолговечный стиль рококо.
«Давайте жизнью играть!»
Рождение рококо относится к 20-м годам XVIII века.
Этот стиль становится самым модным и распространенным в искусстве; он подчиняет все нормы и формы жизни французской аристократии, причудливо соединяя в себе гедонизм, эротику, пренебрежение ко всему разумному, и главное — претворяется в необыкновенно утонченную художественную культуру. Стиль рококо служил обществу, отгороженному от политических коллизий эпохи, чуждому шумной «суете» социальной жизни. Его высшим стремлением стал рафинированный эстетизм, доступный немногим.
Блестяще сформулировал настроения того времени знаменитый автор «Poesies erotiques», французский поэт Парни:
Давайте петь и веселиться,
Давайте жизнию играть;
Пусть чернь слепая суетится,
Не нам безумной подражать!
Так восторжествовал крохотный эгоистический мирок человека, попирающего идеи долга и государства.
Несомненно, появление этого болезненно-хрупкого галантного искусства связано с духовным кризисом абсолютистской власти во Франции, утопавшей в пороках и беспечной отрешенности от наскучившей реальности.
Недовольство французским обществом этого времени звучит в «Персидских письмах» Шарля Монтескье, в насмешках Вольтера, в обвинениях ЖанЖака Руссо. Лучшие умы столетия бросали в лицо своим современникам упреки в безнравственности, испорченности, порицали аристократических бездельников, писали об эгоизме и вседозволенности.
Но была и другая сторона этой культуры. Не в силах найти положительные идеалы, она проповедовала отрицание, дерзкий анархизм и независимость воображения, разрывающего все привычные рамки. Потому жизнь, ее эстетика становились своеобразной игрой, театром, подчас жестоким фарсом, но игрой изощренной, полной блистательного остроумия. Отчасти это была и полемика с жесткими правилами академической традиции.
Искусство рококо формировалось под большим влиянием аристократических заказчиков. Но не стоит думать, что лучшиe художники Франции становились ее абсолютными апологетами. Живопись Антуана Ватто, Оноре Фрагонара, скульптура Этьена Мориса Фальконе тесно соприкасались с этим стилем. Однако содержание их искусства было сложнее, глубже и своим образным строем вырывалось за границы узких эстетических норм рококо — его настроений, жанров, мотивов, хотя стилистически во многом соответствовало его приемам.
Наиболее последовательным выразителем программы рококо стал Франсуа Буше, художник элегантной фривольности. Виртуоз рисунка, одаренный чувством колорита и композиционной изобретательностью, он обращался к пряной эротике будуара, изображал кокетливую наготу. Буше писал главным образом откровенно чувственные сюжеты — «Триумф Венеры», «Туалет Венеры», «Венера с амуром», «Купание Дианы», выражавшие наслаждение жизнью и роскошью. Почти то же самое на свой лад утверждал и маркиз де Сад, теоретик самых изощренных наслаждений плоти.
Луг над пропастью
Ватто, один из лучших мастеров в истории французского искусства, используя лексику рококо, создавал иное. Его меланхолические элегии, построенные на тончайших оттенках настроения, хрупкие, иногда насмешливые герои рождали чувство зыбкого мечтательного состояния, грусти и едва уловимой тревоги.
Ватто был наделен исключительным даром: его мерцающие, струящиеся, переливающиеся друг в друга краски порождали настроение изменчивости, часто ирреальности сцены. Если внимательно разглядывать небольшие полотна Ватто, можно заметить, как свет разбивается на сотни вибрирующих бликов и рефлексов. Так рождалась некая живописная феерия, превращающая галантные сцены художника в изумительные миражи.
Рококо — это не только произведения искусства Это стиль жизни: эпоха напудренных париков знатных дам и галантных, но дерзких кавалеров, прихотливые манеры и презрение к приличиям, наконец, образ мыслей высших слоев французского общества первой четверти и середины XVIII века. Жизнь этого времени превращалась в утонченный маскарад, в «сады любви», о которых граф де Сегюр писал: «Без сожаления о прошедшем, без опасения за будущее мы весело шли по цветущему лугу, под которым скрывалась пропасть … »
Так ощущал себя человек этого времени. Его жизнь — это некое нагромождение быстротечных мигов, поглощаемых роковым жерлом небытия.
Перед ним всегда витал призрак гибельной пустоты, хотя безусловная программа рококо утверждала жизнерадостную стихию бесконечного праздника и беззаботного наслаждения.
Этой демонстративной легкости стиля более соответствовали яркие, ликующие импровизации Фрагонара, в которых всегда безраздельно царили восхитительная Венера и изящная пастораль.
Формула искусства рококо — не только стихия упоительного наслаждения и игры фантазии, часто пронизанной иллюзорностью, иронией, отрицающими все серьезное в жизни Одновременно интеллектуальный скепсис рококо трансформировался в независимость мысли, в художественный эксперимент и утверждение удовольствия как главной стороны жизни. При этом интимное, камерное, личное затмевало пафос героического и величественного, торжествовавший не столь давно в культуре классицизма. Все это теперь кажется пресным и старомодным.
Культ детали
Особенно наглядно новые вкусы демонстрировало прикладное искусство и интерьеры стиля рококо.
Изящные костюмы аристократов, мебель с инкрустацией, посуда, фарфор, просто бытовые безделицы не только обретали причудливые формы, изобретательные украшения, но и сами превращались в украшение будуара. Хрустальные люстры дополняли впечатление праздника. Тогда появились и новые виды мебели с гнутыми ножками: канапе и шезлонг. Расточительная роскошь, феерическое разнообразие мотивов, тяга к экзотике — все должно было уводить от материального, обыденного, ограниченного реального мира.
При этом мастер-мебельщик, создавая извилистые изгибы своего столика, не забывал превратить его в максимально удобный предмет. Он мог служить и небольшим мольбертом, и просто по назначению — за ним можно было писать и читать, не вставая с постели. Новые типы изящной мебели, отвечающей всем обиходным надобностям и капризам, появились именно тогда и до сих пор не исчезают из репертуара современных мастеров Все, что окружало человека, при этом окрашивалось беспечным настроением, обретало легкие, светлые, игривые тона.
Камины, бронза, фарфор, статуэтки, платья создавались с помощью игры сложных изогнутых линий и бесконечных арабесок. Главными мотивами становились цветочные гирлянды, фигурки амуров, ажурные орнаменты. Игривые, иногда насмешливые, дразнящие — они служили для услады глаз. Так рождался культ изящной детали, любование малой формой. Искусство стало сближаться с бытом, его особенностью стала не героическая исключительность, а обычная человеческая норма. В этом, как ни странно, большая заслуга рококо. Кроме того, все предметы изумляли необычайно высоким мастерством исполнения
В искусстве малых форм на художественной сцене появляются новые фигуры, создатели прелестных нимф и нежных амуров, чьи работы завоевывают необычайную популярность публики. Но превосходит всех поразительно многогранный и неожиданный в поворотах своей судьбы Фальконе. Интимная лирика, юмор, артистизм исполнения превращают его «Грозящих амуров» И «Купальщиц» В незаурядные творения стиля. Их можно увидеть теперь не только в музеях Франции, но и в Эрмитаже, в Музее изобразительных искусств им.
А.С. Пушкина.
Ему принадлежат целые серии детских фигурок, воспроизводившиеся тогда большими тиражами в бис· квите (неглазурованный матовый белый фарфор). Однако Фальконе не ограничился, как известно, подоб· ными работами. Его дерзкие эксперименты увели его в дальнейшем от рококо в сторону масштабной, монументальной скульптуры, апофеозом которой стал петербургский «Медный всадник».
Фарфор и статуэтки в стиле рококо, изготовленные в скульптурной мастерской при Севрской фарфоровой мануфактуре, создавали также и другие мастера.
Шаловливые «Амуры, борющиеся за сердце» из собрания ГМИИ — типичная работа Жана Батиста Пигаля. Пленительная и нежная «Речная нимфа» из терракоты принадлежит Клоду Мишелю Клодиону Такие грациозные, прелестные, услаждающие глаз безделушки во множестве заполняли интерьеры домов французских аристократов. Мифологические темы были лишь поводом запечатлеть пикантную наготу изящной красавицы или забавную эротическую сценку. Все они ориентировались на потребности частного человека, эстетизацию его быта и создание особой эротической атмосферы будуара.
Рококо — это… Что такое Рококо?
(франц. rococo), рокайль (от орнаментального мотива рокайль), стиль, получивший развитие в европейских пластических искусствах первой половины XVIII в. Возник во Франции в период кризиса абсолютизма, отразив свойственные аристократии гедонистические настроения, тяготение к бегству от действительности в иллюзорный и идиллический мир театральной игры. В архитектуре повлиял главным образом на характер декора, приобретшего манерно-утончённый, подчёркнуто изящный и усложнённый вид. В ранний период развития французского рококо (примерно до 1725) в отделку помещений вводился дробный орнамент, предметам обстановки придавались прихотливо изогнутые формы (так называемый стиль регентства). Развитое рококо (примерно 1725-50) широко использовало в декоре резные и лепные узоры, завитки, разорванные картуши, рокайли, маски-головки амуров и т. д.; в убранстве помещений большую роль играли рельефы и живописные панно в изысканных обрамлениях (десюдепорты и др.
), а также многочисленные зеркала, усиливавшие эффект лёгкого движения (так называемый стиль Людовика XV). Орнаментальная направленность стиля рококо ограничила его влияние на тектонику и наружный облик сооружений. В архитектуре французских отелей (архитекторы Ж. М. Оппенор, Ж. О. Мейсонье, Ж. Бофран и др.) пышное оформление рокайльных интерьеров сочеталось с относит, строгостью внешнего облика. Распространяясь в зодчестве стран Европы (Германии (Г. В. Кнобельсдорф, И. Б. Нёйман, отчасти М. Д. Пёппельман), Австрии, Польши, Чехословакии), стиль рококо часто являлся своеобразным местным вариантом позднего барокко.
Для живописи, скульптуры и графики рококо характерны камерные по духу галантные сцены, эротико-мифологические и пасторальные сюжеты, асимметричные композиции. В скульптуре рококо преобладали рельефы и статуи, предназначенные для убранства интерьера, небольшие статуэтки, группы, бюсты, в том числе из терракоты, расписного или неглазурованного фарфора (Ж. Б. Лемуан во Франции, И.
Ж. Ламур. Решётка ограды площади Станислава I (бывшей Королевской площади) в Нанси. 1750-е гг.
Ф. Буше. «Ринальдо и Армида». 1734. Лувр. Париж.
И. А. Наль Старший. Библиотека дворца в Сан-Суси (Потсдам, ГДР). 1746.
В зодчестве проявил себя в основном в области декора и в малых архитектурных формах (например, в садово-парковых павильонах).
Ж. Ф. Буше. «Венера и Вулкан». Гобелен из серии «Любовь богов». Ок. 1775—78 гг. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург
На смену грандиозному размаху и парадному великолепию барокко пришли стремление к уюту и комфорту, камерность и изящество. В домах наибольшее внимание уделялось личным покоям – спальне, будуару; помещения, рассчитанные на узкий круг близких людей, стали меньше размером. Из предметов мебели приобрели особую популярность кресла и диваны с мягкими сиденьями и удобными спинками, изящные комоды с ящичками. Изысканный, сложный орнамент оплетал зеркала, двери и деревянные панели на стенах, стелился по ножкам мебели. В узорах сочетались мотивы причудливых растений, птиц, фигурки крылатых младенцев-путти, женских головок, раковин. Асимметричный орнамент, обрамлявший зеркала, живописные плафоны на потолках и десюдепорты над дверями, связывал отдельные детали интерьера в единый декоративный ансамбль (дворец Амалиенбург, Германия, 1734—39).
А. Ринальди. Катальная горка. 1762—74 гг. Ораниенбаум, ныне Ломоносов
Скульптура («Амур» Э. М. Фальконе) и живопись эпохи рококо также носят преимущественно декоративный характер. Цветовая палитра рокайльных произведений отличалась лёгкими, светлыми красками. Живопись была частью оформления интерьера, любимыми темами художников были общество в парке, «галантные празднества» (А. Ватто), пастораль, мифологические сюжеты и различные сценки легкомысленного содержания (Ф. Буше, Ф. Лемуан, Н. Ланкре, Ж. М. Наттье). Стремление к камерности сказалось и в жанре портрета. Наряду с уже устоявшейся композицией барочного парадного портрета появляются небольшие по формату работы с погрудным изображением портретируемого (М. К. Латур). На картинах П. Ротари (т. н. «головки») предстают прелестные кокетливые молодые девушки. Часто модель показывается в повседневной обстановке, мастер словно приподнимает завесу, скрывающую её частную жизнь, но не забывает при этом подчеркнуть её социальный статус.
А. Ринальди. Большой зал Китайского дворца. Интерьер. 1762—68 гг. Ораниенбаум, ныне Ломоносов
Стиль рококо характеризуется высокими достижениями в области декоративно-прикладного искусства. Обитые шёлком и украшенные резьбой диваны и кресла, отделанные инкрустацией столы, комоды и секретеры, шпалеры и ткани, изделия из фарфора отличались изяществом, совершенством в деталях, мягкой текучестью форм и сложностью рисунка. Особенно популярны были в Европе фарфоровые статуэтки Мейсенской мануфактуры (Германия). Хрупкие, раскрашенные нежными красками фигурки были сродни персонажам современных им картин. Из фарфора также изготавливали вазочки-ароматницы и другие предметы, сплошь покрытые мелкими фарфоровыми цветками. Они получили название «буль-де-неж», что в переводе с французского означает «комок снега». Секрет изготовления фарфора был раскрыт в Европе как раз в 18 в.
Ж. Ф. Буше. «Портрет мадам де Помпадур». 1759 г. Частное собрание
В России рококо часто плодотворно взаимодействовало с барокко или классицизмом, проявившись главным образом в отделке дворцовых интерьеров, созданных Б. Ф. Растрелли, лепном декоре зданий Растрелли, С. И. Чевакинского и др., а также в ряде отраслей декоративно-прикладного искусства (резьба по дереву, художественное серебро и фарфор, мебель, ювелирное искусство). Замечательным образцом стиля рококо в России являются постройки архитектора А. Ринальди (Китайский дворец, 1762—68, и павильон «Катальная горка», 1762—74, в Ораниенбауме, ныне Ломоносов под Санкт-Петербургом).
(Источник: «Искусство. Современная иллюстрированная энциклопедия.» Под ред. проф. Горкина А.П.; М.: Росмэн; 2007.)
Рококо в интерьере
Родина очаровательного рококо – Франция. В XVIII веке в знаменитых французских салонах за непринужденными беседами юных барышень и их кавалеров решались дела правительственной значимости.
Стиль рококо, романтичный и временами капризный, создает атмосферу всеобщего веселья и праздника.
Рококо является стилевым продолжением барокко. Если взглянуть на барокко и рококо невооруженным взглядом, то поначалу они покажутся идентичными. Внимательно изучая очертания лепнины, улавливая оттенки цветов, различая тематику орнаментов, начинаешь понимать, что рококо имеет несколько иное звучание.
За холодной парадностью барокко скрывается стремление к царственности и величию, тогда как в основе рококо – пышный пир наигранности и романтики. Визуально барочные украшения выглядят основательными, массивными и тяжеловесными, тогда как завитки рококо скорее напоминают взбитые сливки. И если барокко, в основном, стал украшением царских дворцов, то смелость рококо выразилась в декоре домов зажиточных граждан.
Интерьеры в стиле рококо обладают характерными отличительными особенностями.
Женственные формы
Красота и грация женского тела воспета поэтами и писателями, музыкантами и художниками.
В архитектуре ей посвятили целый стиль.
Объединяющим началом всех форм декора в стиле рококо являются плавные линии. Отсутствие острых углов, до предела скругленные контуры мебели и деталей декора поэтично намекают на формы женского тела.
По сравнению с обширным барокко, пространство комнат несколько сужается, становится более интимным и комфортным. Зачастую даже форма стен и потолков принимает округлые очертания. В современных интерьерах округлое помещение или куполообразные потолки можно получить при помощи отделки гипсом или полиуретаном. Сгладить острые углы на стыке потолка и стен помогут позолоченные карнизы. Художественные росписи, переходящие с потолка на стены, помогут создать ощущение камерного пространства.
Прелестные комоды, трельяжи, секретеры и шифоньеры так же подчинены концепции плавных линий, утонченных ажурных узоров и легкости. Ножки и спинки по-прежнему украшены позолотой или серебром
Особая роль отводится мягкому, слегка интригующему освещению.
Уместны узорчатые кованые люстры с хрусталем, свечи, отражающиеся в зеркалах с позолоченными рамами, теплый свет от камина в стиле рококо.
Овальный салон в парижском отеле Субиз является образцом стиля рококо в Европе. Отель построен для принца де Субиза, тем не менее работа архитектора и скульптора Жермена Боффана не оставляет сомнений в том, что рококо имеет ярко выраженные женственные очертания. Основная концепция интерьера – отсутствие прямых линий и углов – достигается за счет богатства декора. Расписные своды и потрясающей красоты стены оплетены, словно кружевом, лепниной из позолоты. Картины в округлых позолоченных рамах умело маскируют даже малейшие намеки на прямые линии и углы. Множество зеркал по периметру зала создают эффект пространственной интриги.
Восточная утонченность
Интерес к восточной культуре в ту пору усиливается и выплескивается экзотическими мотивами в рококо: это и живописные восточные орнаменты со сказочными птицами и цветами, и лакированная мебель, и китайские сады с естественными ландшафтами.
Восточная утонченность рококо раскрывается в Китайском дворце Ораниенбаум в г. Ломоносов, Россия. Творение принадлежит талантливому архитектору Ринальди и отчасти русской императрице Екатерине II.
Свое замысловатое название дворец получил в честь померанцевых деревьев (нем. – oranienbaum) в кадках, окружающих здание по периметру. Во многом это название символично. Плавное перетекание дворцовых интерьеров в парковую зелень – как дань традициям Востока.
Причудливые лепные, резные и рисованные орнаменты буквально оплетают комнаты дворца и тихо прокрадываются в садово-парковый ландшафт сквозь овальные окна.
Императрица Екатерина II любила проводить время в Ораниенбауме. Говорят, что настенные панно с изображениями птиц императрица расшивала стеклярусом самостоятельно. Хотите — верьте, хотите – нет, но панно, действительно, завораживают.
Раковина как символ стиля
Сам термин «рококо» в переводе с французского «rocaille» означает ракушку. Морская раковина, с волнистыми изгибами и природной формой, является символом данного стиля.
Изображение ракушки присутствует в гипсовой лепнине на стенах и потолке, угадывается в чашах фонтанов, в завитках кованых ворот и экранов для каминов.
В продолжение морской тематики в оформлении интерьеров и фасадов – пастель жемчужных и мраморных оттенков розового, молочного, светло-зеленого и голубого цветов.
Среди материалов следует отдавать предпочтение дорогим и натуральным: природному камню, мрамору, темной древесине, металлу. Современные строительные материалы позволяют воспроизвести с математической точностью даже самые дорогие виды отделки. Например, венецианская штукатурка великолепно имитирует мрамор, изделия из полиуретана – гипсовую лепнину.
Отдать дань моде и подчинить свой интерьер лаконичному минимализму или выплеснуть эмоции в стихийном рококо – решать вам. Это все равно, что сравнивать провинциальную девчонку с роскошной женщиной – контраст слишком велик.
По горизонтали:
| По вертикали:
|
В этот период произведения искусства и литературы должны были создаваться в соответствии с определенными требованиями эстетики того времени, в эти требования входили гармоничное сочетание частей, отделка деталей, каноны формы и т.д.
Обычно имеется четыре части.Украшения в стиле барокко и рококо — а также стиль классицизм и ампир в ювелирных украшениях
Стиль — это не только чутьё в подборе гардероба. Стиль отражает этапы развития истории в искусстве. Проще — это сумма изобразительных приёмов определённого времени и направления.
Стили сменяли друг друга — иногда благодаря сильным мира сего (Людовик XV, Наполеон Бонапарт, королева Виктория, Людвиг Баварский), а порой просто по причине спада интереса у публики. Стили, отдалённые от нас столетиями, принято считать «историческими» (готика, ренессанс, барокко, классицизм, романтизм). А отстоящие от нас лет на 70 и ближе, пожалуй, можно считать «актуальными» стилями (кубизм, примитивизм, стимпанк и тому подобное).
Об актуальных стилях будет наша следующая статья.
Описывая признаки стиля, используют следующие понятия: композиция, линия, цветовая гамма, материалы; в исторических стилях — орнамент и его элементы. Кстати про исторические стили: «иногда они возвращаются» в виде неостилей — порой с большим успехом (технологии ведь совершенствуются). Яркий пример – та же готика. Кстати, свои названия стили получали очень и очень «задним числом», зачастую в разных странах различные.
Например, на западе (в Англии и странах, бывших под влиянием Соединенного Королевства) принята такая классификация ювелирных стилей:
- Georgian (1714-1837) —«георгианский стиль» — эпоха правления королей Георга 1, 2, 3 и 4
- Victorian (1837-1901) — «викторианский стиль« — эпоха правления королевы Виктории (1837-1890)
- the Romantic Period (1837-1861) («романтический» период)
- the Grand Period (1861-1880) («гранд»)
- the Aesthetic Period (1880-1901) («эстетический»)
- Arts & Crafts (1860-1910) — движение «искусств и ремесел» внутри викторианской эпохи, выработка предметов декоративно-прикладного искусства, идеализация работы самобытных ремесленников средневековья, некий аналог русского художественного содружества Абрамцево
- Art Nouveau (1890-1915)
- Edwardian (1901-1915) — «эдвардианский стиль» -правления короля Эдуарда VII (1901-1910)
- Art Deco (1920-1935)
- Retro (1935-1950) (ретро)
- Mid-Century (1950-1970) (середина века)
- Modern (1970-1995) (модерн)
- Contemporary (1990-Present) (современный)
Итак, с надеждой оглядываясь на историческое кино («Елизавета: Золотой век», «Пираты карибского моря», «Гардемарины» и подобные), попробуем начать с основных исторических стилей — барокко, рококо, классицизм и ампир.
По западной классификации, все эти стили практически укладываются в господствующую в те времена Георгианскую эпоху.
Стиль барокко и его ювелирное наследие
Живописный и величественный стиль барокко (англ. Baroque) — «причудливый», «неправильный» в переводе с португальского — возник в 16 веке в Италии. «Кино-гиды» по стилю — «Фаринелли», «Девушка с жемчужной серёжкой». Визитная карточка этого стиля – забавные украшения с неправильной формы «барочной» морской жемчужиной.
Применительно к ювелирному искусству этой эпохи, принято выделять Раннее барокко (1600-1660), Позднее барокко (1660-1725), и Рококо (1725-1775). Мы в данной статье рассматриваем рококо как самостоятельный стиль.
Причины появления и корни этого стиля, пожалуй, следующие: папство решило ударить дубиной искусства (в монументальном и пышном барочном исполнении) по испанцам и французам, диктовавшим тогда условия политики итальянцам.
Знать Италии компенсировала утрату власти демонстрацией трубящей роскоши (недопустимой в рамках предыдущего стиля — ренессанса). Барокко — это буйство оптимизма, подчинённое симметрии.
Чертам барокко присущи:
- ясная конструктивность (когда масса выпуклых мелких элементов компонуется в ясно читаемый симметричный силуэт)
- ритмичная композиция (соподчинение элементов друг другу и всему замыслу художника)
- чёткие выпуклые рельефы
- «плотный»растительный орнамент, яркость цвета
Барочная архитектура отличается симметричностью и «скульптурными», волнообразными линиями, где вместо круга скорее – овал, а формы – преувеличены. Многие архитекторы эпохи барокко начинали скульпторами.
Украшения в стиле барокко
В ювелирных изделиях эпохи барокко самыми типичными были такие элементы как золото (реже – серебро), разноцветные эмали и яркие драгоценные камни или крупные жемчужины.
Жемчужины были в моде морские, необычной, в том числе, вытянутой формы. Позднее за таким типом жемчуга закрепилось название «барочный жемчуг».
Представители знати носили длинные многорядные нити жемчуга, многодельные серьги «жирандоль» (англ. Girandole или Chandelier – (люстры) earrings) с тремя жемчужными подвесками. Крупными, или же небольшими брошами украшали декольте корсажа, талию. Жемчуг и камни нашивали на платье вместе с лентами.
Ажурные броши-склаважи крепили к шейной ленте или на глубоком декольте (смотрите также фото колье-склаваж в статье о видах колье). Характерны были крупные броши-букеты или переплетенные ветви. Брошь-бант с подвеской назовут «брошь де Севинье» (портрет самой мадам де Севинье — чуть выше). Одежду и обувь украшали драгоценные пряжки.
Стиль рококо – французская утонченность
На слух рококо (англ.
Rococo) похоже на барокко, но на вид имеет внятные отличия. Родина рококо (или рокайля) — Франция начала 18 века (фильм «Прощай, моя королева»о Марии-Антуанетте(2012г) — киногид по этому стилю).
Корни этого стиля — чисто французские: тоска по интиму. В отличие от итальянцев, французы не нуждались в иллюзии могущества; рокайль (в переводе «раковина») — камерный стиль. Сохранив живописность барокко, рокайль отошёл от цветовой яркости, масштабности, симметричности. Линии стали плавными и асимметричными, часто напоминающими завитки раковин и латинскую S.
Украшения времен рококо
Черты рококо — асимметрия, плавность, пастельные тона, утончённость и камерность. По сравнению с ювелирным искусством времен барокко, в эпоху рококо украшения становятся более «фривольными» и воздушными. Создается ощущение, будто мотивы украшений просто не умещаются в заданную форму и стремятся оттуда вырваться.
Ювелиры переходят к «бриллиантовой» огранке алмазов (автором ее считают венецианца Винченцо Перуцци). Бриллиант первенствует. Теперь в моде оправлять его не в золото, а в серебро, пользуясь способом закрепки «паве» (pave) (когда изделие усыпано бриллиантами, точно бублик маком). В моду входят парюры (комплекты украшений, сходных по материалу, работе, рисунку). Популярны серьги «бриолез» (brioles) — с подвижно закрепленными длинными подвесками- «каплями» и «звёздами». Создают драгоценные «букеты», — XVIII столетие называют «веком цветка и алмаза».
Причёски дам весьма замысловаты. В моде подвижные ажурные шпильки -«цитернадель» (от нем. zittern — дрожать и nadel — булавка). Асимметричные эгреты (aigrettes) (головное украшение с пером, от латинского — Egretta, род белых цапель), изящные перья, а иногда и яркие бабочки.
Появились «портбукеты» (ювелирные «вазы» для букетов из живых цветов). Не отставали и мужчины, украшая бриллиантами различные ордена, пряжки одежды и обуви, рукоятки шпаг, множество брелков.
Но витиеватый рокайль уже имел в себе зёрна грядущего классицизма. Например — медальоны с эмалевыми миниатюрами; круглые или овальные, сдержанного декора.
Стиль классицизм: лёгкость и игривость заменяется отсылкой к античности
Классицизм (англ. Classicism — Neoclassicism) пришёл второй половине 18 века как спокойная уравновешенность форм, гармоничность пропорций, сдержанность и упорядоченность декора (словом, никакого буйства, даже симметричного). Киногид по стилю — «Гордость и предубеждение»1995г. Применительно к ювелирному искусству, эпохой классицизма считается период примерно с 1760 по 1830 гг.
Причины появления этого стиля — усталость от придворной роскоши и мотовства, количественный рост представителей класса буржуазии, а также вполне конкретный импульс — раскопки в 1750-1760 гг.
Геркуланума и Помпеи, погубленных Везувием.
Черты классицизма в декоре — это греческий меандр, листья аканта и лавра или дуба, геометрически выверенные розетки и пальметты, медальоны и другие античные мотивы.
Классицизм в украшениях своего времени
(не путать с современными ювелирными изделиями в «классическом стиле»)
В эпоху расцвета классицизма с женщин схлынуло обилие драгоценностей, но иные виды украшений весьма ценились. Скажем, круглые и овальные броши — ими закалывали модные кашемировые шали (носимые поверх тончайших одежд). В золотые оправы брошей вставляли античные камеи (резной камень или раковина; брошь из такого камня или раковины), или эмалевые портретные миниатюры (в окружении мелких бриллиантов или жемчужин). Очень большую роль в украшениях того времени сыграла наполеоновская война — после нее появился отдельный вид «траурных» украшений, например медальоны с вплетенными волосами умерших родственников, либо эмалевые медальоны и кольца с мотивами скорби и памяти.
Большой ажиотаж вызывали старинные геммы (драгоценные камни с углублённой или выпуклой резьбой) из археологических раскопок того времени. Находки вставляли в броши, в кольца, серьги, пряжки, пояса и даже в ожерелья и диадемы. Кольца носили помногу, а на светских раутах порою на всех пальцах рук. Нагие руки украшали множеством золотых обручей, часто с меандром.
Голову украшали золотыми обручами, часто с гравированным меандром. В особых случаях надевали роскошные диадемы с бриллиантами и жемчугом. Диадема (в то время — доминанта парюры) задавала тон декору всех украшений комплекта. В начале XIX века в Европе и России, возродилась техника ажурной филиграни. Из скани составляли ожерелья, плели сетки для волос, собирали на филигрань детали браслетов и колье. Популярны были золотые и серебряные сканые серьги с грушевидной подвеской.
Стиль ампир – «имперский» классицизм
Ампир называют завершающей фазой классицизма (первое десятилетие 19 века).
Название происходит от французского empire — империя; это стиль империи Наполеона Бонапарта ( в этом факте смутно угадывается причина появления этого стиля). Стиль ампир — это практически калька с декоративных элементов Римской Империи. Если рокайль уходил от помпезности барокко, то ампир пренебрегал сдержанностью классицизма.
Черты ампира — рельефные детали в виде четко прорисованных пальметт, львиных масок, грифонов, сфинксов, египетских мотивов или разнообразных эмблем военной тематики (спирали, щиты, дуги, орлы). Из флористики — гирлянды, лавровые и дубовые листья, колосья и снопы. Стиль уверенного величия в рамках художественной гармонии. Не случайно ампир многократно (и почти повсеместно) подхватывался са-а-мыми разными правителями.
Ювелирные изделия в эпоху ампира
Как и всегда, ювелирные изделия — очень наглядный знак величия. Ныне основные владельцы драгоценностей в стиле ампир -царствующие фамилии. Коронационный обруч Наполеона имел вид античного венца.
Придворный ювелир Наполеона Этьен Нито (основатель известной и теперь фирмы «Шоме») — автор парюр для императрицы Марии-Луизы. Эти парюры поражали роскошью и совершенством.
Во времена расцвета ампира очень ценились диадемы, как драгоценные, так и более скромные — в виде золотых лавровых венков либо венков из колосьев или дубовых листьев. По-прежнему большое значение имели камеи (не только античные, но и более позднего времени).
Волосы, уши, шея, руки, пальцы светской дамы и — всё,что было можно, украшалось драгоценностями. Ожерелья и браслеты, драгоценные кольца, тяжелые серьги с подвесками.. В волосах — эгреты в виде двух симметричных перьев, скрепленных дорогим камнем, или гребень, убранный камнями либо камеями. Грудь подчеркивал драгоценный пояс, модные шали скрепляли брошью.
Ампир ушёл вместе с империей Наполеона, уступив место романтизму. Именно об эпохе романтизма 19 века — наша следующая статья.
Автор: Эльвира Свиридова, специально для ЮВЕЛИРУМ
Подробно об эгретах — в Живом Журнале la gatta ciara
ЮВЕЛИРНЫЕ ТЕХНИКИ И СТИЛИ | Украшения в викторианском стиле | Украшения в стиле ар нуво (модерн) | Украшения ар деко | Украшения в авангардных стилях — кубизм, конструктивизм, абстракционизм, футуризм и хайтек | Украшения в стиле стимпанк | Современные украшения в классическом стиле | Отчет с лекции Васильева об истории ювелирных украшений | Первые российские часы. Русские часы разных эпох | Геометрические украшения | Ювелирный стиль примитивизм
Поделитесь статьей с друзьями
Работы дизайнеров из каталога ЮВЕЛИРУМ
Рококо — Руководство по искусству и архитектуре для новичков
Характеристики искусства и архитектуры рококо
Очень декоративные стены и потолок в овальном зале с видом на декоративную люстру.
Парсифаль / Wikimedia Commons
Рококо описывает тип искусства и архитектуры, зародившийся во Франции в середине 1700-х годов. Для него характерен тонкий, но солидный орнамент. Декоративное искусство рококо, которое часто называют просто «поздним барокко», процветало в течение короткого периода, прежде чем неоклассицизм охватил западный мир.
Рококо — это скорее период, чем определенный стиль. Часто эту эпоху 18-го века называют «рококо», период времени примерно начиная со смерти короля-Солнца Франции Людовика XIV в 1715 году до Французской революции 1789 года. Это было дореволюционное время Франции, когда секуляризм и продолжал расти. из того, что стало известно как буржуазия или средний класс. Покровителями искусств были не только члены королевской семьи и аристократы, поэтому художники и мастера имели возможность продавать товары более широкой аудитории потребителей среднего класса.Вольфганг Амадей Моцарт (1756–1791) сочинял не только для австрийской королевской семьи, но и для публики.
Период рококо во Франции был переходным. Граждане не были обязаны новому королю Людовику XV, которому было всего пять лет. Период между 1715 годом и достижением Людовиком XV совершеннолетия в 1723 году также известен как Régence, период года, когда французским правительством руководил «регент», который перенес правительственный центр обратно в Париж из роскошного Версаля. Идеалы демократии подпитывали этот Век Разума (также известный как Просвещение), когда общество освобождалось от своей абсолютной монархии.Масштаб был уменьшен — картины были рассчитаны на салоны и арт-дилеры, а не на дворцовые галереи — а элегантность измерялась небольшими практичными предметами, такими как люстры и супницы.
Определение рококо
Стиль архитектуры и декора, в основном французский по происхождению, который представляет собой завершающую фазу барокко в середине 18 века. характеризуется обильным, часто полуабстрактным орнаментом и легкостью цвета и веса.— Словарь архитектуры и строительства.
— Словарь архитектуры и строительства.Характеристики
Характеристики рококо включают использование сложных кривых и завитков, орнаментов в форме ракушек и растений, а также овальную форму целых комнат.Узоры были замысловатыми, а детали изящными. Сравните сложности c. Овальная камера 1740 года, показанная выше в отеле Hôtel de Soubise во Франции в Париже, с автократическим золотом в палате короля Франции Людовика XIV во дворце Версаль, ок. 1701. В рококо формы были сложными и несимметричными. Цвета часто были светлыми и пастельными, но не без ярких всплесков света. Применение золота было целенаправленным.
«Там, где барокко было тяжеловесным, массивным и подавляющим, — пишет профессор изящных искусств Уильям Флеминг, — рококо тонкое, легкое и очаровательное.«Не все были очарованы рококо, но эти архитекторы и художники рисковали, чего раньше не делали другие.
Художники эпохи рококо могли создавать не только великолепные фрески для великих дворцов, но и более мелкие и изысканные работы, которые можно было выставлять во французских салонах.
Для картин характерны мягкие цвета и нечеткие очертания, изогнутые линии, детальный орнамент и отсутствие симметрии. Предмет картин этого периода осмелел-некоторые из них могут даже рассматриваться порнографическими по сегодняшним меркам.
Декоративное искусство Уолта Диснея и рококо
Серебряные подсвечники из Италии, 1761 год.Библиотека изображений Де Агостини / Getty Images
В течение 1700-х годов во Франции стал популярным декоративный стиль в искусстве, мебели и дизайне интерьеров. Этот роскошный стиль, получивший название Rococo , сочетал в себе изысканность французского рокайль с итальянскими деталями barocco , или барокко. Часы, рамы для картин, зеркала, каминные доски и подсвечники были одними из полезных предметов, украшенных, чтобы стать вместе известными как «декоративное искусство».»
По-французски слово rocaille относится к камням, ракушкам и орнаментам в форме ракушек, которые использовались на фонтанах и в декоративном искусстве того времени.
Итальянские фарфоровые подсвечники, украшенные рыбками, ракушками, листьями и цветами, были распространены в 18 веке.
Поколения выросли во Франции, веря в абсолютизм, что король наделен властью от Бога. После смерти короля Людовика XIV понятие «божественного права королей» было поставлено под сомнение, и был открыт новый секуляризм.Проявлением библейского херувима стали озорные, иногда озорные путти в картинах и декоративном искусстве эпохи рококо.
Если какой-либо из этих подсвечников выглядит немного знакомо, возможно, многие персонажи Уолта Диснея в Beauty и Beast похожи на рококо. Персонаж люмьера Диснея в подсвечнике, в частности, выглядит как работа французского ювелира Жюста-Ореля Мейсонье (1695-1750), чей культовый канделябр, ок. 1735 год часто подражали.Неудивительно, что сказка La Belle et la Bête была пересказана во французском издании 1740 года — эпохи рококо. Стиль Уолта Диснея был прав.
Художники эпохи рококо
Les Plaisirs du Bal или Удовольствия от бала (деталь) Жана Антуана Ватто, ок.
1717.Josse / Leemage / Corbis / Getty Images
Три самых известных художника в стиле рококо — это Жан Антуан Ватто, Франсуа Буше и Жан-Оноре Фрагонар.
Изображенная здесь деталь картины 1717 года, Les Plaisirs du Bal или «Удовольствие от танца» Жана Антуана Ватто (1684-1721), типична для периода раннего рококо, эпохи перемен и контрастов. Обстановка находится как внутри, так и снаружи, в грандиозной архитектуре и открыта для мира природы. Люди разделены, возможно, по классам, и сгруппированы таким образом, что они никогда не смогут объединиться. Некоторые лица четкие, а некоторые размытые; некоторые повернуты спиной к зрителю, а другие заняты.Некоторые носят яркую одежду, а другие выглядят затемненными, как будто они сбежали с картины Рембрандта 17 века. Пейзаж Ватто относится к тому времени, предвосхищающему время.
Франсуа Буше (1703-1770) сегодня известен как художник, изображающий смелых чувственных богинь и любовниц, в том числе богиню Диану в различных позах, полулежащую полуобнаженную госпожу Брюн и лежащую обнаженную госпожу-блондинку.
Та же «поза хозяйки» используется на картине Луизы О’Мерфи, близкой подруги короля Людовика XV.Имя Буше иногда ассоциируется с артистизмом рококо, как и имя его знаменитой покровительницы, мадам де Помпадур, любимой любовницы короля.
Жан-Оноре Фрагонар (1732–1806), ученик Буше, известен созданием типичной картины рококо — Качели ок. 1767. Часто копируемый по сей день, L’Escarpolette одновременно легкомысленный, озорной, игривый, богато украшенный, чувственный и аллегорический. Дама на качелях считается еще одной любовницей другого покровителя искусств.
Маркетри и старинная мебель
Деталь маркетри Чиппендейла, 1773 г.Андреас фон Айнзидель / Документальный фильм Корбиса / Getty Images
По мере того, как в 18 веке ручные инструменты становились все более совершенными, развивались и процессы с использованием этих инструментов. Маркетри — это сложный процесс инкрустации дерева и слоновой кости на кусок шпона, который затем прикрепляется к мебели.
Эффект похож на паркет , способ создания рисунков на деревянных полах.Здесь показана деталь маркетри из комода «Минерва и Диана» Томаса Чиппендейла, 1773 год, который некоторые считают лучшим произведением английского краснодеревщика.
Французскую мебель, изготовленную между 1715 и 1723 годами, до того как Людовик XV достиг совершеннолетия, обычно называют французским регентством — не путать с английским регентством, которое произошло примерно столетие спустя. В Великобритании стили королевы Анны и позднего Уильяма и Марии были популярны во время французского Реганса. Во Франции стиль ампир соответствует английскому регентству.
Мебель Людовика XV могла быть наполнена маркетри, как дубовый туалетный столик в стиле Людовика XV, или украшена резьбой и позолотой, как резной деревянный стол Людовика XV с мраморной столешницей, 18 век, Франция. В Великобритании обивка была яркой и смелой, например, английское декоративное искусство, диван из орехового дерева с гобеленом Сохо, ок.
1730.
Рококо в России
Екатерининский дворец недалеко от Санкт-Петербурга, Россия.с. lubas / Moment / Getty Images
В то время как сложная архитектура барокко встречается во Франции, Италии, Англии, Испании и Южной Америке, более мягкие стили рококо нашли свое отражение в Германии, Австрии, Восточной Европе и России.Хотя рококо в Западной Европе в основном ограничивалось внутренним декором и декоративным искусством, Восточная Европа была увлечена стилями рококо как внутри, так и снаружи. По сравнению с барокко архитектура рококо более мягкая и изящная. Цвета бледные, преобладают изогнутые формы.
Екатерина I, императрица России с 1725 года до своей смерти в 1727 году, была одной из великих женщин-правительниц 18 века. Дворец, названный в ее честь под Санкт-Петербургом, был заложен в 1717 году ее мужем Петром Великим.К 1756 году он был расширен в размерах и славе, чтобы соперничать с Версалем во Франции. Говорят, что Екатерина Великая, императрица России с 1762 по 1796 год, категорически не одобряла экстравагантность рококо.
Рококо в Австрии
Мраморный зал в Верхнем дворце Бельведер, Вена, Австрия.Урс Швейцер / Imagno / Getty Images
Дворец Бельведер в Вене, Австрия был спроектирован архитектором Иоганном Лукасом фон Хильдебрандтом (1668-1745). Нижний Бельведер был построен между 1714 и 1716 годами, а Верхний Бельведер — между 1721 и 1723 годами — два массивных летних дворца в стиле барокко с украшениями эпохи рококо.Мраморный зал находится в верхнем дворце. Для потолочных фресок был заказан итальянский художник рококо Карло Карлоне.
Мастера лепнины в стиле рококо
Внутри Вискирхе, баварской церкви Доминикуса Циммермана.Религиозные изображения / UIG / Getty Images
Пышные интерьеры в стиле рококо могут удивить. Строгая внешняя архитектура немецких церквей Доминика Циммермана даже не намекает на то, что находится внутри. Баварские паломнические церкви XVIII века, созданные этим мастером лепнины, представляют собой этюды двух сторон архитектуры — или это искусство?
Доминикус Циммерманн родился 30 июня 1685 года в районе Вессобрунн в Баварии, Германия.
В Вессобруннском аббатстве молодые люди учились древнему ремеслу работы с лепниной, и Циммерман не стал исключением, став частью того, что стало известно как Вессобруннерская школа.
К 1500-м годам этот регион стал местом для христиан, верующих в чудеса исцеления, и местные религиозные лидеры поощряли и увековечивали привлечение иностранных паломников. Циммерманн был привлечен к строительству мест для чудес, но его репутация основана только на двух церквях, построенных для паломников — Wieskirche в Висе и Steinhausen в Баден-Вюртемберге.Обе церкви имеют простой белый фасад с красочными крышами, соблазняющие и не представляющие угрозы для обычного паломника, ищущего чудо исцеления, но оба интерьера являются визитными карточками декоративной лепнины в стиле баварского рококо.
Немецкие мастера лепнины
Архитектура рококо процветала в городах южной Германии в 1700-х годах, происходя из французского и итальянского барокко того времени.
Преобладает ремесло использования древнего строительного материала, лепнины, для сглаживания неровностей стен, и его легко превратить в имитацию мрамора под названием scagliola (skal-YO-la) — материал дешевле и с ним легче работать, чем создавать столбы и колонны из камень.Местный конкурс мастеров лепнины заключался в том, чтобы использовать пастообразную штукатурку для преобразования ремесла в декоративное искусство.
Возникает вопрос, были ли немецкие мастера лепнины строителями храмов для Бога, служителями христианских паломников или пропагандистами собственного искусства.
«На самом деле иллюзия — это то, что представляет собой баварское рококо, и оно применяется повсюду, — утверждает историк Оливье Бернье в The New York Times , — Хотя баварцы были и остаются преданными католиками, это трудно не заметить. чувствуют, что в их церквях 18-го века есть что-то восхитительно нерелигиозное: они больше похожи на нечто среднее между салоном и театром, они полны милой драмы.
»
Наследие Циммермана
Первым успехом Циммермана и, возможно, первой церковью в стиле рококо в регионе стала деревенская церковь в Штайнхаузене, построенная в 1733 году. Архитектор нанял своего старшего брата, мастера фресок Иоганна Баптиста, чтобы он тщательно расписал интерьер этой паломнической церкви. Если Штайнхаузен был первым, то показанная здесь паломническая церковь 1754 года в Висе считается кульминацией немецкого декора в стиле рококо с аллегорической дверью в рай на потолке.Эта сельская церковь на лугу снова была работой братьев Циммерман. Доминикус Циммерман использовал свое мастерство лепки и мрамора, чтобы построить роскошное, богато украшенное святилище в несколько простой овальной архитектуре, как он впервые сделал в Штайнхаузене.
Gesamtkunstwerke — немецкое слово, объясняющее процесс Циммермана. Означает «все произведения искусства» и описывает ответственность архитектора как за внешний, так и за внутренний дизайн своих структур — строительство и отделку.
Более современные архитекторы, такие как американец Фрэнк Ллойд Райт, также приняли эту концепцию архитектурного контроля, как внутри, так и снаружи. 18 век был переходным временем и, возможно, началом современного мира, в котором мы живем сегодня.
Рококо в Испании
Архитектура в стиле рококо в Национальном музее керамики в Валенсии, Испания.Джулиан Эллиотт / Робертхардинг / Getty Images
В Испании и ее колониях сложная лепнина стала известна как churrigueresque в честь испанского архитектора Хосе Бенито де Чурригера (1665-1725).Влияние французского рококо можно увидеть здесь в скульптурном алебастре Игнасио Вергара Джимено по проекту архитектора Иполито Ровира. В Испании сложные детали были добавлены на протяжении многих лет как в церковную архитектуру, такую как Сантьяго-де-Компостела, так и в светские резиденции, такие как готический дом маркиза де Дос Агуаса. Ремонт 1740 года произошел во время подъема рококо в западной архитектуре, которая является удовольствием для посетителей того, что сейчас является Национальным музеем керамики.
Время, открывающее истину
Время раскрывая истину (деталь), 1733, Жан-Франсуа де Трой.Fine Art Images / Наследие изображения / Getty Images
Картины с аллегорическим сюжетом были обычным явлением для художников, не связанных аристократическим правлением. Художники могли свободно выражать идеи, которые были бы понятны всем классам. Изображенная здесь картина Жана-Франсуа де Троя « Время раскрывая истину в 1733 году» является именно такой сценой.
Оригинальная картина, висящая в Национальной галерее Лондона, олицетворяет четыре добродетели слева: стойкость, справедливость, умеренность и рассудительность.В этой детали не видно изображение собаки, символа верности, сидящей у ног добродетелей. Приходит время Отец, который раскрывает свою дочь, Истину, которая, в свою очередь, снимает маску с женщины справа — возможно, символ Обмана, но, безусловно, существо на противоположной стороне добродетелей. На заднем плане Римский Пантеон разоблачает новый день.
Пророчески, неоклассицизм, основанный на архитектуре Древней Греции и Рима, как и Пантеон, будет доминировать в следующем столетии.
Конец рококо
Мадам де Помпадур, любовница-муза короля Людовика XV, умерла в 1764 году, а сам король умер в 1774 году после десятилетий войны, аристократического богатства и расцвета французского третьего сословия. Следующий в очереди, Людовик XVI, будет последним из Дома Бурбонов, правившим Францией. Французский народ отменил монархию в 1792 году, и король Людовик XVI и его жена Мария-Антуанетта были обезглавлены.
Период рококо в Европе — это также период, когда родились отцы-основатели Америки — Джордж Вашингтон, Томас Джефферсон, Джон Адамс.Эпоха Просвещения завершилась революцией — как во Франции, так и в новой Америке — когда господствовали разум и научный порядок. «Свобода, равенство и братство» было лозунгом Французской революции, и рококо излишеств, легкомыслия и монархий закончилось.
Профессор Талбот Хэмлин, FAIA, Колумбийского университета, написал, что 18-й век изменил наш образ жизни — что дома 17-го века сегодня являются музеями, но жилища 18-го века по-прежнему являются функциональными резиденциями, практически построенными для человеческий масштаб и разработан для удобства.
«Разум, который начал занимать такое важное место в философии того времени, — пишет Хэмлин, — стал путеводной звездой в архитектуре».
Источники
- Bavaria’s Rococo Splendor, Оливье Бернье, The New York Times , 25 марта 1990 г. [доступ 29 июня 2014 г.]
- Руководство по стилю: Rococo, Victoria and Albert Museum [доступ 13 августа 2017 г.]
- Словарь по архитектуре и строительству, Кирилл М.Harris, ed., McGraw-Hill, 1975, p, 410
- Arts and Ideas , Third Edition, by William Fleming, Holt, Rinehart and Winston, pp. 409-410
- Екатерининский дворец в святом -petersburg.com [доступ 14 августа 2017 г.]
- Архитектура на протяжении веков Талбот Хэмлин, Патнэм, пересмотренный 1953 г., стр. 466, 468
Рококо в восемнадцатом веке
Французское происхождение.
В годы, последовавшие сразу после смерти короля Людовика XIV, дизайн во Франции начал приобретать совершенно новое ощущение.
С одной стороны, общественные здания продолжали строиться с использованием классического дизайна, который французские архитекторы и королевские покровители отдали предпочтение с начала семнадцатого века. С другой стороны, домашние помещения быстро стали элегантнее. Этот стиль известен на английском языке по итальянскому слову, описывающему его, «рококо», хотя французское слово rocaille имело то же значение. Это относилось к «каменной кладке» или гипсу, сделанному так, чтобы казаться камнем. С шестнадцатого века эти методы использовались для создания причудливых гротов из лепнины в садах дворцов и загородных вилл.Однако примерно в 1700 году техника rocaille начала применяться в помещениях, и французские штукатуры широко использовали эту технику во дворцах и таунхаусах. Рокайль теперь относится к тонким завиткам лепнины в завитках и арабесках, рисункам, которые многократно воспроизводились на стенах, потолках и деревянных панелях в течение первой половины восемнадцатого века.
Эти узоры впервые появились в Версале и других королевских резиденциях около 1700 года, а через десять или два десятилетия рокайль вошел в моду в украшении домов в Париже.
Развитие рококо.
Мода на гипсовые украшения в новых причудливых формах, которые предлагала техника rocaille , была лишь одним из нескольких изменений вкусов и моды, которые произошли во Франции вскоре после смерти короля Людовика XIV в 1715 году. Важные декоративные элементы, термин rocaille суммировал все декоративные импульсы эпохи. За пределами Франции этот период в архитектурном и декоративном дизайне упоминается в итальянском эквиваленте рококо с восемнадцатого века.Возникновение нового стиля показывает довольно внезапный сдвиг в эстетических ценностях, сдвиг, вдохновленный важными изменениями, происходящими во французском элитном обществе. Обширные внутренние помещения Версальского дворца семнадцатого века отдавали предпочтение темным и звучным цветам и использованию панелей из драматического полихромного мрамора.
Палитра рококо была в целом более светлой, отдавая предпочтение стенам белого цвета или цвета слоновой кости, украшенным низкими рельефами, отделанными позолотой. Утонченные оттенки пастели играли заметную роль в картинах, которые висели в этих комнатах или которые были выполнены в виде фресок на стенах.Мода на зеркала усилила яркий свет и в этих помещениях. В общем, интерьер в стиле рококо выглядел значительно веселее и менее угрожающе, чем в помещениях семнадцатого века. Размеры этих комнат также часто были меньше, поскольку они предназначались больше для тихих интимных встреч, чем формальные приемные в более ранний период.
Париж.
Именно в Париже эта новая мода быстро прижилась, и здесь новые элементы дизайна интерьера украсили многие салоны в середине восемнадцатого века.Развитие рококо произошло в то время, когда Париж восстановил важный статус в первые годы правления Людовика XV. В период между 1715 и 1722 годами молодой король сосредоточил свое правительство не в Версале, а в крупнейшем городе Франции, поскольку регент Филипп д’Орлеан предпочел город стране.
Это кратковременное восстановление правительства в Париже во многом стимулировало шквал внутреннего убранства и строительства, поскольку дворяне, поселившиеся в Версале, резиденции Людовика XIV, вернулись в столицу, чтобы быть ближе ко двору.Вместо сложной угловатой и симметричной формальности эпохи Людовика XIV парижские дизайнеры в стиле рококо в те годы создавали комнаты, которые были образцами сдержанной и декоративной изысканности. Однако большая часть этой элегантности не могла быть замечена широкой публикой, поскольку фасады многих прекрасных таунхаусов, построенных в то время, продолжали использовать классические формы, которые были популярны в Париже с семнадцатого века. Мода рококо была почти исключительно явлением высшего сословия, которое к 1735 году стало доминирующим стилем внутреннего убранства.В том же году Жермен Боффран создал две потрясающие комнаты в интерьере Hôtel de Soubise в Париже: Овальный салон и Салон принцессы. Эти помещения сохранились до наших дней и демонстрируют многие из центральных черт стиля, когда он достиг высшей точки развития.
Вместо угловой симметрии, которая преобладала во времена Людовика XIV, комнаты Боффрана отличаются творческой и изогнутой асимметрией. Стены покрыты тонким, невысоким рельефным орнаментом, но эти поверхности не так сильно инкрустированы декоративными элементами, как предшествовавшие им интерьеры в стиле барокко.Вместо этого большие белые пятна проступают через схему тщательно продуманных завихрений, позолоченных узоров Боффранда. За счет повторения вертикальных линий, используемых повсюду
В этих помещениях дизайнер обратил внимание на высокие декоративные потолки этих комнат, хотя он использовал окна, чтобы улавливать и преломлять свет от множества позолоченных поверхностей. В результате получился эффект шкатулки для драгоценностей. В то время как комнаты Боффрана по-прежнему считаются одними из величайших достижений моды, многочисленные особняки высшего класса в Париже и по всей Франции были реконструированы по мере изменения вкусов.Хотя большая часть этих пространств не была столь сложной, как в Hôtel de Soubise, типичные комнаты в стиле рококо были обшиты деревянными панелями, окрашенными в белый цвет или слоновую кость, и украшены типичными узорами из позолоченной штукатурки.
Заметное место занимала также сложная лепнина, при этом многие гипсовые декоративные рельефы заметно использовались на границе между потолком и стенами.
Рококо покоряет Версаль.
Даже в Версале, дворце, когда-то наполненном внушительными и темными интерьерами, королевская семья перестроила многие комнаты, чтобы соответствовать меняющейся моде.В годы после 1722 года Людовик XV восстановил правительство во дворце семнадцатого века, хотя к 1730-м годам он устал от запретного убранства многих комнат Версаля. В 1735 году Людовик XV решил переделать свои личные покои во дворце. Он выбрал более светлый стиль рококо, чтобы заменить темный декор, который раньше заполнял эти комнаты, и разделил свои апартаменты на несколько меньших шкафов, включая спальню, комнату с часами, личный кабинет и ванную комнату, избегая сложной спальни своего прадеда. , Людовик XIV.Но как только его новое жилище было завершено, Людовик XV больше не возвращался в эту неудобную спальню. Вместо этого он предпочитал меньшие масштабы своего нового, более уединенного окружения.
Таким образом, король продемонстрировал такое же стремление к интимной обстановке, как и элита Парижа и других французских городов.
ПЕРЕМЕЩЕНИЕ
Семейные ценности
Со смертью Людовика XIV в 1715 году и перемещением двора в Париж во время регентства Филиппа Орлеанского … строительство великолепных, но тем не менее скромных городских домов или отелей в Париже объявило о смене в ценностях французской внутренней архитектуры.Этот сдвиг, в свою очередь, открыл для художников возможности изобразить эти интерьеры способами, которые воспользовались социальным смыслом большей близости и близости.
Еще до того, как его финансовые схемы пали, Джон Лоу (1671–1729), шотландский реформатор денежно-кредитной политики, работавший на Филиппа Орлеанского, помог мгновенно заработать многим парижанам богатство, которое побудило их скупать подобные дела. который ранее не был установлен за пределами королевской семьи. Филипп надеялся уменьшить огромный государственный долг, возникший в последние годы правления Людовика XIV, и первоначально планы Ло сработали.
Он руководил основанием банка, который будет выпускать банкноты, заменяя дефицитную золотую и серебряную валюту, а бумажные деньги были выпущены в больших количествах. До того, как бумажная валюта потеряла большую часть своей стоимости, стратегия Ло оказала значительное влияние на строительную активность в Париже. Внезапно, казалось, у многих появились средства для строительства или ремонта существующих построек и обставления их картинами, мраморными бюстами и красивыми шкафами, диванами и стульями, изготовленными мастерами, которые когда-то были у Людовика XIV.
Жак-Франсуа Блондель (1705–1774), архитектор Людовика XV, стал выразителем того, как внутренняя архитектура должна выглядеть и функционировать во Франции восемнадцатого века. Блондель утверждал, что является последователем Витрувия, римского архитектора и теоретика первого века, в утверждении того, что Блондель называл «товаром, твердостью и восторгом». Идея товара означает не только полезное и удобное, но также просторное или удобное. Хотя здание должно соответствовать прочным архитектурным традициям («твердость») и отображать эстетику эпохи («восторг»), оно также должно быть удобным.Людовик XIV и его архитекторы вряд ли стремились к комфорту. Как мы уже видели, это не имело первостепенного значения для процветающего салонного общества Парижа начала-середины восемнадцатого века.
Блондель понимал, что французскому дворянству нужны дома, в которых будет большая комната для церемониальных целей, приемная, которая была меньше, но все же общественная, и частные апартаменты для членов семьи. Rococo hôtel был построен для семьи, мужа, жены и детей.Домашние слуги содержались в отдельных комнатах (часто выше спален с низкими потолками) или в собственных квартирах. Таким образом, частные помещения — даже салон, который был одновременно приемной и местом для банкетов — были построены в таком масштабе, чтобы легко разместить, но не перегружать нуклеарную (а не расширенную) семью и их случайных гостей.
источник: Вернон Хайд Минор, Барокко и рококо. Искусство и культура, (Лондон: Laurence King Publishing, 1999): 342–343.
Салоны.
Расцвет стиля рококо в оформлении совпал с развитием салона как учреждения французской культуры. В первой половине восемнадцатого века эти культурные встречи элит и интеллектуалов становились все более важными в общественной жизни Парижа. Хотя салон в итоге сыграл ключевую роль в
На заре Просвещения, а затем и Французской революции, это было место, где собирались большие группы образованных людей, которые ценили остроумие и речь, социальную грацию и ценитель искусства и музыки.К 1750 году в таком большом городе, как Париж, было около 800 салонов, которые регулярно собирались для обсуждения вопросов гражданского, философского или художественного значения. Таким образом, повальное увлечение декором в стиле рококо стало одним из последствий появления этих салонов, поскольку богатые семьи соревновались друг с другом за создание пространства, достойного высоких дискуссий, происходивших в их домах.
В этих новых социальных группах представители знати смешивались с купцами и студентами в новых частных пространствах, которые предлагала архитектура в стиле рококо.Женщины часто председательствовали на обсуждениях, которые происходили в этих салонах, что свидетельствует о растущем статусе, который они приобрели в то время как лидеры интеллектуальных дискуссий, а также арбитры домашних вкусов и потребления. Неоспоримо женственный характер большей части рококо в значительной мере связана с новой роли, которую богатые женщины играли как потребители искусства и рафинированных аксессуары домашней жизни. В дизайне механизма также учитывался вкус иностранцев, хотя в них использовались простые и на удивление приземленные мотивы.В поисках экзотического вдохновения дизайнеры обратились к Ближнему и Дальнему Востоку, переняв декоративные детали из элементов китайского и арабского дизайна. В других случаях они пытались идеализировать сельскую жизнь, наполняя свои комнаты пейзажами, охотой или деревенской жизнью.
В то время стала популярной ткань, напечатанная с этими сценами, большая часть которой еще не была импортирована во Францию из других стран в середине века. Чтобы избежать разбазаривания ресурсов страны, Людовик XV в 1762 году зафрахтовал королевскую фабрику по производству популярной ткани в Жуи-ан-Жоза, небольшой деревне недалеко от Версаля.Название деревни способствовало появлению современного термина «Toile du Jouy» или просто «toile», чтобы обозначить своего рода ткань, наполненную повествовательными сценами повседневной жизни.
Стиль разворачивается.
В первую очередь декоративное измерение, которое рококо приобрело во Франции, неоспоримо. В результате историки архитектуры давно спорят о том, заслуживает ли рококо какого-либо рассмотрения как «архитектурный» период вообще. Однако за пределами Франции рококо приобрел более выраженный архитектурный аспект, особенно в Германии и Австрии.Напротив, этот стиль был непопулярным в Англии, где, за исключением небольшого количества комнат, оформленных таким образом,
влияние рококо оставалось ограниченным.
В Риме архитекторы и дизайнеры оставались невосприимчивыми к популярности моды и продолжали создавать здания и памятники, в которых использовались величественные, внушительные пропорции барокко. В других местах Италии можно было найти небольшие очаги архитектуры под влиянием рококо, в первую очередь в столице герцогства Савойи, Турине, и в Неаполе, крупнейшем городе Италии в то время.Таким образом, из всех мест, где рококо путешествовал за пределами Франции, именно в Центральной Европе, особенно в Германии и Австрии, это движение произвело свои наибольшие вехи. В этом регионе рококо развивалось не только как внутренняя мода, но и как архитектурный феномен. Ключевой фигурой, способствовавшей росту популярности стиля в этом регионе, был Франсуа де Кувильес (1695–1768), франкоязычный дизайнер, чья семья родом из Фландрии. Кувильес приехал работать в Мюнхен по необычным обстоятельствам.В 1711 году он стал придворным карликом на службе у баварского герцога Максимилиана II Эммануила, пока тот отбывал срок ссылки из своей родной страны.
Несколько лет спустя Кувильес вернулся с герцогом в Мюнхен, где в конце концов получил образование при дворе. К 1720 году официальный дизайнер герцога обучал его архитектуре. Вскоре он уехал в Париж, где пробыл пять лет, чтобы закончить учебу. Таким образом, Кувильес был студентом в Париже в первые годы становления рококо популярным среди аристократов и богатых.Когда он вернулся в Мюнхен в 1725 году, он занял видное место среди многих опытных дизайнеров, практикующих в то время в южной Германии. За свою долгую карьеру его самые знаменитые достижения включали серию вилл, построенных для баварских герцогов в садах дворца Нимфенбург за пределами Мюнхена, комнат, спроектированных в пригородном дворце в Шляйсхайме, и Residence Theater в Мюнхене. Это последнее строение, тщательно восстановленное после разрушения во время Второй мировой войны, сегодня в Мюнхене ласково называют просто «Кувильес».«Театр богато украшен и декоративен в высшей степени, поскольку архитектор полагался на декоративные элементы, чтобы сделать очевидными различия между различными уровнями аристократов, посещавших театр.
Он сосредоточил величайшие декоративные детали, например, на герцогской ложе и первом балконе окружавшие его, предназначенные только для высших слоев общества. На балконах выше эти украшения уменьшались с каждым уровнем. В то время как его дизайн был очень декоративным, Cuvilliés
был проницательным студентом театрального дизайна и предоставил пространство, которое было отличным местом для хорошей драмы.Даже сейчас он продолжает служить своей первоначальной цели, поскольку является домом для многих театральных постановок в Мюнхене.
Влияние Кувильеса.
Будучи студентом, Кувильес получил непосредственное представление о том, как парижские штукатуры создают свои потрясающие эффекты рокайль . За годы, когда он работал придворным архитектором в Мюнхене, его влияние гарантировало, что эти методы стали неотъемлемой частью архитектуры Баварии и южной Германии. К середине века дизайнеры использовали новые навыки с потрясающим эффектом при создании зданий, которые выглядели как скульптурные массы, построенные из плавных форм, которые давали методы rocaille . В это время архитекторы из южной Германии также использовали возможности рококо для создания церквей, которые были ярко наполнены светом. Таким образом, рококо в этом регионе превратилось в нечто большее, чем мода на внутренний интерьер. По всей Центральной Европе многие здания, первоначально построенные в стиле барокко, такие как дворец Цвингер в Дрездене или резиденция в Вюрцбурге, приобрели детали в стиле рококо. Однако рококо достиг своего наиболее заметного развития как независимое архитектурное движение в Баварии и на юге Германии.
Крупнейшие дизайнеры.
Использование света, создание праздничных интерьеров и преобладание извилистых линий, инкрустированных орнаментом, были центральными чертами нового стиля, которые сыграли особенно динамичную роль в работах двух самых опытных немецких дизайнеров рококо: Доминика Циммерманна. (1685–1766) и Иоганн Майкл Фишер (1712–1766). Самая большая работа Циммермана — его Церковь Виса (что означает «луг»), расположенная за пределами деревни Штайнгаден в Баварских Альпах.
Возникшая в 1743 году для близлежащего монастыря, в этой церкви хранилось чудесное изображение бичевания Христа, к которому развилось паломничество. Циммерманн разработал неф церкви как удлиненный овал, поддерживаемый восемью колоннами, которые сливались с потолком сооружения в буйстве инкрустированного декора. Коринфские колонны некоторых из этих опор имеют эффект ювелирных украшений, вылепленных из гипса и украшенных позолотой. Выше, в пространстве, где карниз или антаблемент обычно отделяют стены церкви от потолка, Циммерманн создал плавное пространство, украшенное лепниной и позолотой.
инкрустации, так что глазу трудно определить, где кончаются стены и начинается потолок.Свет проникает в пространство через широкие вытянутые окна. Извилистые линии продолжаются и в экстерьере, где архитектор использовал длинные плавные детали, подчеркивающие окна. Скромная изысканная отделка, кажется, тоже капает с пилястр и верхних поверхностей здания.
Оттобойрен.
Как и Циммерманн, Иоганн Михаэль Фишер уже имел репутацию опытного архитектора, когда он начал создавать пространства в стиле рококо.
С конца 1720-х годов он спроектировал ряд католических церквей в Баварии и по всей южной Германии.Однако в своей зрелой работе он начал адаптировать новый стиль к ряду монастырских церквей, которые он создал в 1740-х годах. Самым большим и самым известным из них был Оттобойрен в небольшом одноименном городке на юго-западе Германии. Предыдущие архитекторы уже установили монументальные размеры этого сооружения и зафиксировали его форму в виде греческого креста. Фишер произвел революцию в их дизайне, построив две огромные башни снаружи церкви и установив между ними выпуклую центральную часть.Эти две башни обрамляют искусно украшенный фронтон, который проходит над центральным входом в церковь. Колонны, установленные по обеим сторонам входа, еще больше подчеркивают строго вертикальные линии экстерьера. Внутри Фишер максимально использовал пространство греческого креста, установив огромные окна в огромных стенах и позволяя свету заполнять структуру. Центральные опоры, поддерживающие главный купол этого сооружения, украшены цветными пилястрами из искусственного мрамора, поэтому они кажутся даже больше, чем есть на самом деле.
Во всем интерьере Фишер оставил широкие участки стен, пространства, позже украшенные картинами Иоганна и Франца Цайлера и скульптурами Иоганна Йозефа Кристиана. Эти декоративные элементы умело подчеркнули монументальные линии, разработанные Фишером в конструкции. В результате Оттобойрен является одним из главных памятников немецкого рококо, архетипом того, что немцы давно называют Gesamtkunstwerk , шедевра, в котором творческое слияние всех искусств работает на достижение единой, великой цели.
Последствия рококо.
Великие произведения архитектуры рококо, такие как Вис или монастырская церковь в Оттобойрене, сегодня, кажется, суммируют творческие возможности, а также ограничения рококо как архитектурного и стилистического движения. В этих сооружениях украшение сочетается с искусным архитектурным дизайном, создавая произведения несравненной красоты и величия. Однако в руках более слабых источников света мода на инкрустацию привела к появлению гораздо менее творческих пространств.
Мода поддерживала подъем рококо с момента его зарождения в Париже в начале восемнадцатого века. По мере приближения второй половины восемнадцатого века и по мере того, как дизайн рококо приближался к завершающей стадии витиеватой обработки, мода так же быстро начала меняться. Во второй половине восемнадцатого века неоклассические пространства, часто безмятежные и суровые, произвели революцию в домашней, церковной и общественной архитектуре по всей Европе так же быстро, как рококо изменило моду в первой половине века.
источника
Энтони Блант, изд., Барокко и рококо: архитектура и украшение (Нью-Йорк: Icon Editions, 1982).
Джулиус С. Хельд и Д. Познер, Искусство семнадцатого и восемнадцатого веков (Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Прентис Холл, 1971).
Вернон Хайд Минор, Барокко и рококо. Искусство и культура (Лондон: Лоуренс Кинг, 1999).
Кэти Скотт, Интерьер в стиле рококо: оформление и социальные пространства в Париже в начале восемнадцатого века (Нью-Хейвен, штат Коннектикут.
: Издательство Йельского университета, 1995).
см. Также Изобразительное искусство: рококо
9,6: рококо (1730-1760)
- Последнее обновление
- Сохранить как PDF
Период рококо последовал за периодом позднего барокко в Европе, движение с подвижным подходом и игривыми темами, блестящие и светлые пастельные тона резко контрастировали с более темными картинами в стиле барокко.Период рококо обычно ассоциируется с правлением короля Людовика XV и строительством Версаля. Искусство рококо зародилось в Париже, где центр искусства переместился из Италии во Францию, где были построены роскошные замки с роскошными фресками, картинами и скульптурами.
Это отдельный мир, период рококо принес с собой обостренные образы богато украшенного искусства, мебели, одежды, причем совершенно нефункциональными способами.
Рококо — это термин, состоящий из двух слов: рокайль (камень) и кокиль (ракушка).
Два художника, Франсуа Буше (1703-1770) и Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806), известны в Европе своими сладострастными картинами с аллегорическими сценами в стиле рококо. Цветочные панорамы с замысловатыми женскими платьями, The Secret Message (9.25) были нарисованы на вымышленном фоне вьющихся виноградных лоз вокруг деревьев, цветочной и зеленой травы с древнегреческими скульптурами, которые появлялись с заросшей растительностью, запутавшейся по краям.Атласная одежда и легкомысленная игра — это сердце периода рококо и вершина декоративного искусства, поскольку женщина в The Swing (9.26) уступает туфлю спрятавшемуся мужчине. Ее развевающееся розовое шелковое платье образует центр внимания, голубое небо сияет на ней.
Рисование королевских фигур было обычным делом для женщин-художников в стиле рококо. Элизабет Луиза Виже-Ле Брен (1755–1842) изобразила королеву в году Марию-Антуанетту с Розой (9.27) чрезмерно одет в элегантную шелковую одежду, напудренный парик и шляпу с перьями. Королева ценила розы и часто позировала с розами из своих многочисленных кустов.
Внутри художественного движения рококо, преобладавшего в позднем барокко
Признание в любви
Движение рококо было периодом искусства, возникшим во Франции и распространившимся по миру в конце 17 — начале 18 века. Это слово является производным от французского термина rocaille , что означает «садовый орнамент из камней и ракушек».
Это началось в 1699 году, после того как французский король Людовик XIV потребовал, чтобы во время его правления создавалось более молодое искусство.
Его также называют поздним барокко, потому что оно развивалось, когда художники барокко отошли от симметрии к более плавному дизайну.
Искусство рококо обратилось к самому важному противоречию того времени — цвет против рисунка — и объединило их, чтобы создать прекрасные произведения. Художники этого периода больше внимания уделяли деталям, орнаменту и использованию ярких красок.
Мебель и архитектура рококо определялись отходом от строгих религиозных симметричных дизайнов барокко. Вместо этого они сосредоточились на светском, более беззаботном, асимметричном дизайне, продолжая при этом склонность барокко к декоративному чутью.
Типичное произведение рококо
В искусстве светлые цвета, пышные формы и изящные линии стали характерными для движения рококо. Холсты были украшены херувимами и мифами о любви, в то время как в соответствии с шутливыми тенденциями того времени, портретная живопись также была популярна.
Художники рококо отошли от интенсивной драматургии периода барокко и стали более игривыми в своих произведениях.
Хотя многие художники процветали в период рококо, наиболее известными из них являются Франсуа Буше, Жан Антуан Ватто и Жан-Оноре Фрагонар.
Движение рококо: Жан Антуан Ватто, 1684 — 1721
Жан Антуан Ватто считается отцом искусства рококо и своим мастерством оказал влияние на всех остальных художников. Он создавал новаторские работы с асимметричным дизайном и предпочитал рисовать идиллические, счастливые сцены.Большая часть его искусства сосредоточена на ярких людях, танцующих вокруг и наслаждающихся жизнью в красивой обстановке.
Этот образ получил название отдельного жанра — fêtes galantes. Хотя он умер в молодом возрасте, его ясная, плавная работа, как говорят, возродила движение барокко, изобрела движение рококо и посеяла семена для последующих художественных движений, включая импрессионизм.
Начало пути к Cythera
Восторги жизни
Туалет
Венецианские удовольствия
Елисейские поля
| Готов Архитектурные периоды и стили всегда меняются постепенно. Из-за этого важно сначала узнать названия периодов или стилей, их приблизительные даты и несколько визуальных подсказок для распознавания любого архитектурного периода или стиля. Архитектура барокко началась с нарушения правил порядка и пропорций эпохи Возрождения.Начните смотреть это видео на YouTube, а затем ответьте на следующие вопросы. Видео на YouTube
Set
Go Активность . Посмотрим, насколько хорошо вы определяете здания в стилях барокко и рококо. 1. Используя Google Maps, приложение для веб-картографии Google, совершите виртуальное посещение поля и решите, какие 3 из 5 зданий относятся к этим стилям.2. Повторите этот же процесс для каждого здания.
| Архитектура барокко: Рим, Италия. Sant’Ivo alla Sapienza. Франческо Борромини Архитектура барокко: Рим, Италия. Сант-Андреа-аль-Квиринале. Джан Лоренцо Бернини Архитектура барокко: Санкт-Петербург, Россия. Архитектура рококо: Ору-Прету, Бразилия. Святой Франциск Ассизский.Антонио Ф. Лиссабон Архитектура рококо: Пушкин, Санкт-Петербург, Россия. Екатерининский дворец. Иоганн — Фридрих Браунштейн Архитектура рококо:Келуш, Португалия. Palacio Real de Queluz. Матеуш Висенте де Оливейра |
Они не переключаются с одного стиля на другой в определенный день. Перекрывающиеся периоды, в которые происходят основные изменения, часто приводят к путанице при попытке определить конкретный стиль или период. Иногда в одном здании пересекаются два и более стиля.
Петропавловский собор. Доменико ТрезиниЖан-Антуан Ватто — Биография | короткие заметки
Биография | короткие заметки | Лучшие произведения — artandcrafter.comh3
Жан — Введение — 50 слов
| — Биография | Примечания | Произведения | — Короткие заметки | Знай все |
| — Жизнь, картины | вклад | — Факты | Обзор | вся жизнь |
h3
Жан — Биография- 200 слов
В этой статье: вы бы узнали следующее: Этот художник — французский художник, полное имя этого художника — Жан-Антуан Ватто , дата рождения этого художника — 10 октября 1684 года .
Жан-Антуан Ватто — художник направления Рококо . А срок жизни этого художника 10 октября 1684 года — умер 18 июля 1721 года.
По национальности этот художник — француз, но картины этого стиля связаны с другими художественными движениями, такими как Dada , Arabesque и Art nouveau .
Жан-Антуан Ватто известен благодаря / как — итальянская комедия и балет (французский художник). Этот художник считается важным участником .Некоторые картины, такие как « Посадка на Киферу», «Пьеро (живопись)» и «Мезетен», очень известны этому художнику.
Образовательная квалификация означает художественную квалификацию этого художника.
Эта статья охватывает приблизительно все аспекты Жана-Антуана Ватто ( успех и слава ). Он включает в себя: ( Посадка на Киферу (1717–1818 гг.), «Удовольствия любви» (1718–1919 гг.) И Фете Шампетр, 1722 г.
, ).
- Где и когда родился Жан-Антуан Ватто?
- Какие работы Жана-Антуана Ватто самые известные?
- Чем знаменит Жан-Антуан Ватто?
Этот художник родился 10 октября 1684 года, а местом рождения этого художника в стиле рококо является Валансьен, Франция.
Таким образом, эта информация о Жан-Антуане Ватто была взята с Wikipedia.org. Дата рождения и Место рождения Жан-Антуана Ватто рассказывает об истории рококо.
Дата рождения: — 10 октября 1684 года .
Место рождения: — Валансьен, Франция .
Если вы любитель рококо, то наверняка видели много работ Жана-Антуана Ватто.
Но самые известные работы — это « Посадка на Киферу, », «Пьеро (живопись)» и «Меццетен». Эти работы этого художника в стиле рококо до сих пор пользуются огромным спросом .
Есть так много других художественных стилей, таких как дада, арабески, ар-нуво, и эти художественные стили напоминают их.
Самые известные произведения Жана-Антуана Ватто.
1 st картина- « Посадка на Киферу. ”2 № картина- « Пьеро (живопись). ”
3 rd картина- « Mezzetin. ”
4 -е, картин- « L’Enseigne de Gersaint. ”
5 -й Картина- « Итальянские комедианты. ”
Этот художник запомнился вкладом в движение рококо. Итальянская комедия и балет (французский художник) — это область деятельности этого художника. Таким образом, этот художник прославился — итальянской комедией и балетом (французский художник). А художественная квалификация этого художника — образование.
Действительно, этот художник рококо сыграл решающую роль в период ренессанса рококо , , а также работы этого художника очень прекрасны, такие как «Посадка на Киферу», «Пьеро (живопись)», «Меццетин». .
Есть так много заметных работ Жана-Антуана Ватто. Но это высшее произведение искусства.
Лучшее произведение искусства — «Прапорщик Жерсент, 1720 г. и посадка в Киферу, 1717 г.»
h3
Жан — Краткое введение
Краткое введениеh3
Жан — Ранние годы и начало — 250 слов
Жан-Антуан Ватто сыграл жизненно важную роль в возрождении рококо, есть так много работ этого художника, таких как « Посадка на Киферу », Пьеро (живопись) »и т. Д.
Если вы заметите детство этого художника в стиле рококо и сравните его с другими художниками, такими как Жорж Сёра, Жорж Сёра, Герхард Рихтер и Франсуа Буше.
Таким образом, вы получите много сходства , детство второго художника очень похоже на Жан-Антуана Ватто.
Этот художник связан с другими направлениями искусства, такими как дадаизм, арабески и модерн. Нет сомнений в том, что художественная квалификация Жана-Антуана Ватто очень хороша в художественном движении рококо.
Работы Жана-Антуана Ватто исследуют взаимосвязь между художественным самовыражением и культурой знаменитостей. В целом художники в стиле рококо остаются востребованными.
Вы, наверное, слышали об известных произведениях Жана-Антуана Ватто. Известные работы этого художника — «Меццетен», «Пьеро (живопись)», «Посадка на Киферу», «Итальянские комедианты» и «L’Enseigne de Gersaint».
И особенность в том, что эти картины связаны с детством .Вы когда-нибудь были в музее Жана-Антуана Ватто?
Вы определенно заметите эту разницу, потому что Жан-Антуан Ватто очень сильно отличается от других художников рококо.
Он / она также был одним из пионеров художественного движения Рококо .
h3
Жан — категория 1 в Википедии — 250 слов
Список Ahrefsh3
Жан — Топ 3 движений в родственной области
1.Модерн Искусство модерн
2. Дада Дадаизм
3. Арабески Арабески
h3
Жан — Википедия категория 2-250 слов
h3
Жан- Картины / Произведения
1. Посадка Cythera Посадка на Киферу Жан создал это привлекательное произведение искусства под названием « PAINTOS, », а дата создания этого произведения — DATOS .Жанр этой картины — GENROS . Это дорогая картина в этой категории… 2.
Пьеро (живопись) Пьеро (живопись) Жан создал это привлекательное произведение искусства под названием « PAINTOS, », а дата создания этого произведения — DATOS . Жанр этой картины — GENROS . Это дорогая картина в этой категории… 3. Меццетин Мезетин Жан создал это привлекательное произведение искусства под названием « PAINTOS, », а дата создания этого произведения — DATOS .Жанр этой картины — GENROS . Это дорогая картина в этой категории… 4. L’Enseigne de Gersaint L’Enseigne de Gersaint Жан создал это привлекательное произведение искусства под названием « PAINTOS, », а дата создания этого произведения — DATOS . Жанр этой картины — GENROS .
Это дорогая картина в этой категории… 5. Итальянские комедианты Итальянские комедианты Жан создал это привлекательное произведение искусства под названием « PAINTOS, », а дата создания этого произведения — DATOS .Жанр этой картины — GENROS . Это дорогая картина в этой категории…h3
Жан — Другие художники этого художественного движения.
Доступны оба варианта : наш веб-сайт artandcrafter .com и Wikipedia .orgАнтуан Ватто Биография | artble.com
В 1702 году, в возрасте 18 лет, Ватто отправился в Париж, чтобы начать свою карьеру художника. Там ему посчастливилось близко учиться у разных художников и познакомиться с работами мастеров прошлых веков.Позже Ватто воплотил кульминацию этих влияний, чтобы сформировать свой фирменный стиль.
Как и все художники до и после него, Ватто начинал снизу, но его усилия не пропали даром. Его работа второразрядным художником в мастерской, где он делал репродукции популярных голландских художников, развила его характерную технику эскиза.
Всего два года спустя, в 1704 году, Ватто стал помощником Клода Жилло, художника, который оказал сильное влияние на его творчество и навсегда изменил его; содержание творчества Жилло (театр) резко контрастировало с помпезным официальным искусством Людовика XIV.
Жилло был сценографом и познакомил молодого Ватто с комедией дель арте (актеры которой были изгнаны из Франции семью годами ранее). Ватто искренне принимал персонажей итальянского театра, и влияние Жилло сохранялось на протяжении всей карьеры Ватто.
Следующее существенное влияние на Ватто оказал дизайнер интерьеров в стиле рококо Клод Одран III. В мастерской Одрана Ватто столкнулся с более естественными и органичными отражениями, такими как S-образная форма или форма раковины.
Одран также познакомил молодого Ватто с творчеством Питера Пауля Рубенса. Одран был сторожем Люксембургского дворца — привилегией, которой Ватто воспользовался в полной мере, поскольку он имел возможность воочию изучить серию Рубенса о Марии Медичи. Рубенс оказался вдохновителем в годы становления Ватто.
Ватто начал рисовать с витиеватой элегантностью и в истинном стиле рококо, и он был первым, кто привнес такой стиль на холст. Раньше его видели только в архитектуре, дизайне интерьеров и керамике.
Опираясь на влияние Жилло и Одрана, Ватто разработал свой собственный уникальный стиль, исполняя театральные темы с использованием воздушной техники. Он хотел создать более оригинальные работы и проверить новые идеи, зарождающиеся внутри него.
В 1709 году Ватто соревновался за приз Рима (стипендия для студентов-искусствоведов) в Королевской академии живописи и скульптуры и занял второе место. Когда спустя годы он снова принял участие в соревновании, приз не был предложен, но он получил признание Шарля де ла Фосса и президента Академии Корнеля Ван Клеве.
Ватто был приглашен в Academie de Peinture в 1712 году благодаря таланту, который он проявлял во время серии отборочных туров. Ему потребовалось пять лет, чтобы закончить свой прием «Посадка на Киферу», но в 1717 году он стал полноправным членом Академии.
В «Отправлении в Киферу» Ватто нарисовал Киферу, греческий остров любви, с персонажами итальянской комедии, наслаждаясь красивыми пейзажами, в которых они были изящно нарисованы. Комбинация театра и дизайна Ватто была свежей, и его работы не вписывались в нее. любые ранее созданные категории, судьи Академии признали Ватто в его собственной категории, «fete gallantes», или «великие темы».
Судьи были впечатлены сладостью палитры художника, отдававшего дань уважения колористике Венеции шестнадцатого века и его эстетике декора в стиле рококо. Ватто использовал различные кривые линии S и C в своих мелких деталях, а его техника кисти создавала настроение и атмосферу, а не отражала реальность.
«Посадка на Киферу» происходила в туманной сказочной атмосфере и сегодня находится в Лувре во Франции.