Художественный стиль рококо: Рококо: проблемы стиля | Творческая работа учащихся по МХК (11 класс) по теме:

открытый урок «Стиль Рококо» (26/02/17) | Учебно-методический материал по МХК на тему:

Урок №1

ТЕМА 1: Стиль Рококо – возникновение и особенности.

        Цель: Познакомить детей с историей возникновения стиля Рококо, его оригинальностью, особенностями содержания и проявления в архитектуре (оформление интерьеров), живописи, декоративном и прикладном искусстве, жанром камерно-декоративной живописи – пасторали. Закрепить умение рисования человека в соответствии с темой «Пастораль». Этически воспитывать.

ХОД УРОКА

1. Организационный         момент:

А) проверка наличие тетрадей по ИЗО, словариков для новых терминов, простых карандашей и белой бумаги для набросков;

Б) объявление темы урока;

В) постановка учебной задачи: узнать историю возникновения и развития стиля Рококо, его особенностей, познакомиться с жанром камерно-декоративной живописи «пастораль».

2. Беседа учителя, показ слайд-презентации, обсуждение композиции пасторали.

3. Самостоятельная работа детей над предварительными набросками + индивидуальный подход учителя:

А) фигуры людей в статике и движении;

Б) элементы пейзажа;

В) выбор техники работы.

4. Подведение итогов урока

А) закрепление новой терминологии;

Б) обсуждение набросков.

5. Домашнее задание: обдумать композиции на тему «пастораль» с использованием сделанных набросков.

Рококо (рокайль)

Сообщение учителя.

Слайд1.

Стиль Рококо – возникновение и особенности.

Слайд 2.

Rococo (вычурный, причудливый) от rocaille (скала, скальный),  от roc (скала, утес)

Рококо – оригинальный художественный стиль, выработанный в искусстве Франции 1-й половины ХVIIIв. – то же, что и стиль Людовика ХV,т.к. совпадает со временем правления этого короля (1720-1765). Рококо – один из самых известных «королевских стилей».

К началу ХVIIIв. Форма раковины узнается уже с трудом; слово «рокайль» начинает обретать более широкое значение – странная, причудливая форма не только раковины, но и вообще все извивающееся, вычурное, неспокойное, сокращенно иронично – «рококо». Так родилось название нового стиля.

Слайд 3.  

Хронологически Рококо следует за Барокко. И Рококо и Барокко насыщены и декоративны, но если барочная пышность напряжена, динамична, то рокайльная – нежна и расслаблена.

В главном  Рококо противоположно всей предшествующей эпохе. Если все предыдущие стили складывались в архитектуре и только затем распространялись в живописи, скульптуре, мебели, одежде, то Рококо, это оригинальный плод изобретательности французского гения, сразу же возник как камерный стиль аристократических гостиных и будуаров, оформления интерьеров, декоративного и прикладного искусства и практически не нашел отображения в архитектурном экстерьере.

В то же время, будучи камерным, интимным стилем, он вышел за пределы Франции, и по влиянию на развитие европейского искусства его можно поставить в один ряд только с Готикой. Так как Готика и Рококо от начала и до конца – оригинальные явления, не имеющие прототипов в истории искусства.

Сдайд 4

Центром формирования новой культуры ХVIIIв. стал не дворцовый парадный интерьер, а салон, быт гостиного дома. Заправляли французскими салонами женщины, именно они создавали среду, в которой формировалась новая архитектурная культура со своим языком – изящным, галантным и ироничным, с определенными правилами поведения.

Слайд 5

Женщины аристократичных гостиных становятся главным объектом искусства, свою повседневную жизнь они также стараются превращать в искусство. Для них художники-декораторы создавали проекты, а огромная армия портных, парикмахеров, ювелиров, живописцев, ткачей, мебельщиков создавала удивительные вещи. Жизнь светских салонов стала слегка маскарадной и становилась в зависимость от моды.

В стиле Рококо эстетизировалось все материальное, создавалось ощущение воздушной легкости, эфемерности. Любимыми темами художников Рококо стали не сила, страсть и героика, а нежность и игра. Исчезает ощущение времени, оно как бы останавливается, а то и вовсе не существует. Есть только настоящее, без прошлого и будущего. Эстетизируется само мгновение, а не жизнь.

Сдайд 6

Формой французского Рококо становится порою интимная грация, «дух мелочей прелестных и воздушных», как определил ее русский поэт М.Кузьмин. Эстетика мимолетного, неуловимого, изменчивого и капризного нашла свое отражение в жанре «каприз», который отличается легкостью и веселостью – это всего лишь «красивая миниатюра», пустяк.

Рококо – это соединение жизнелюбия и пессимизма, радости и тоски, ощущение новизны форм и предчувствия конца. Девизом эпохи Рококо стал «Счастливый миг»… В оформлении салонов и комнат вся орнаментика характеризуется тонкостью, легкостью, изяществом.

Сдайд 7 ( интерьер)

Центр интерьера – невысокий камин на который ставились часы золоченой бронзы, канделябры, вазы китайского фарфора. Над камином непременно большое зеркало в золоченой раме. У камина столик, кресла. Другие зеркала — в простенках между окнами назывались трюмо (от фр. trumean– простенок).

Вообще мотив зеркала как символа призрачности, игры, соединения иллюзии и реальности, в искусстве Рококо приобретает ведущее значение. Многочисленные зеркала отражались одно в другом, создавая впечатление бесконечного зыбкого пространства анфилады комнат. Горящие свечи мириадами искр лишь усиливают это впечатление. Стиль Рококо дает наслаждение самому изысканному эстетическому вкусу. Здесь все рассчитано на создание определенного настроения.

Сдайд 8.

Рококо ближе всего к музыке. В «чистом виде» музыкальный стиль рококо проявил себя в творчестве «великих французских клавесинистов» Франсуа Куперена («Великого» ) и Жана Филиппа Рамо. Для стиля рококо в музыке характерны совершенно те же самые черты, что в живописи и в архитектуре. Обилие мелких звуковых украшений и завитков (так называемых «мелизмов»)

«Это победа звуков и мелодий над линиями и телом… Это уже не архитектура тела… с извилистыми фасадами, порталы, дворы с их инкрустациями в форме раковин, величественные лестницы помещения, галереи, залы, кабинеты – это окаменелые сонаты, менуэты, мадригалы, прелюдии; это камерная музыка из гипса, мрамора, слоновой кости и благородного дерева…» (Шпенглер О.)

Сдайд 9.

Проблемы архитектуры в искусстве Рококо сужаются до задачи оформления интерьера. Модным становится «bagatelle» (от фр. безделица, пустяк, безделушка). Мелкие фарфоровые  статуэтки, шкатулки, вазы. Расставляемые везде, где только можно: на каминных полках, столиках, специальных подставках-консолях, в шкафах-горках. Усиливается мода на все экзотическое, необычное, восточное.

Главный вид изобразительного искусства – настенные панно, плафоны и декоративные композиции.

Сдайд 10.

Ведущие живописцы стиля Рококо: Антуан Ватто, Клод Жилло, Жан Оноре Фрагонар. Их картины декоративны и предназначены для жилого интерьера.

Со временем появляется и новый жанр камерно-декоративной живописи – пастораль (пастушеский).

Но в Рококо это не просто деревенский, сельский мотив, а идиллические картины «пастушеской» жизни: пастухи и пастушки, одетые в богатые бальные наряды, на фоне природы, в обстановке полной свободы, покоя, среди цветов заняты чтением, игрой на свирели.

Сдайд 11-13.

Примером пасторалей могут служить картины Рене Гайяра  «Вознаграждение пастуха» и «Таинственная корзина»,  Шарля Дебове «Прерванный сон»

В искусстве Рококо женственность стала главным критерием красоты. Манера живописцев и рисовальщиков Рококо предельно живописна, бегла, почти импрессионистична. Яркие краски Барокко сменяются нежными пастельными тонами – белым, розовым, палевым, оливковым, светло-голубым с позолотой.

В целом для стиля Рококо характерны отказ от ордерной системы, светлые тона, воздушная легкость, асимметрия, изысканность и причудливость форм.

С 1760г. на смену стилю Рококо приходит классицизм.

СТИЛЬ РОКОКО В ИСКУССТВЕ ФРАНЦИИ — Студопедия

XVIII век в истории мировой художественной культуры обозначен как пери­од кризиса грандиозной, воздвигавшейся веками художественной системы, в соот­ветствии с которой искусство создавало некую идеальную среду, модель особой жизни, отличной от реального бытия реального человека. Искусство диктовало че­ловеку свои нормы, поднимало его до себя. Искусство как бы держало перед че­ловеком образец высшего совершенства.

В XVIII в. вся система подверглась пересмотру. Важным новым началом в ис­кусстве того времени было появление течений, не имевших собственной стили­стической формы — ордера и не испытывавших потребности в ее создании.

Первым безордерным стилем европейского искусства за многие века стал стиль рококо, возникший во Франции. Если предыдущие художественные стили склады­вались в архитектуре, а затем уже распространялись в живописи, скульптуре, при­кладном искусстве, то рококо возникло сразу как стиль камерный, стиль аристокра­тических гостиных и будуаров.

Стремление к камерному уюту при оформлении интерьеров после шумной и помпезной эпохи Людовика XIV появилось еще в период Регентства, когда после смерти короля-солнца правление перешло к Филиппу Орлеанскому, объявленному регентом до совершеннолетия его племянника Людовика XV

Этот смутный период Регентства (1715-1723 гг.) современники воспринимали по-разному. Одни видели в нем время полного падения всех идеалов, развращен­ности нравов, утраты моральных и этических норм, другие — затянувшийся беспеч­ный праздник, время легкомысленное и блестящее. Наиболее ярким выразителем этого неустойчивого переходного периода являлся Антуан Ватто (1684-1721), один из самых прославленных художников Франции XVIII в., создатель нового на­правления французской живописи периода Регентства. Он вошел в историю жи­вописи как мастер «галантных празднеств». Академия живописи, принимая его в свои члены, должна была специально для него изобрести это определение. Одной из самых известных, ставшей любимой аллегорией рококо, является картина Ватто «Остров Киферы» (мифический остров с храмом Венеры, место любви и наслажде­ния, где царствуют безделье, легкий флирт, вечные праздники и забавы).

«Галантные празднества» — это живописные элегии, бессюжетные лирические сценки, полные утонченной изысканности: кавалеры и дамы встречаются и поют, танцуют и музицируют в парках, на дворцовых верандах, в лугах. Причем все мужчины галантны, а женщины прелестны, нежны и наивно распутны. На полот­нах Ватто «Общество в парке», «Венецианские празднества», «Мирная любовь», «Праздник любви», «Урок любви», «Урок пения», «Урок музыки» сквозит, с одной стороны, призыв к вечному наслаждению, а с другой — намек на эфемерность зем­ного счастья и скорую пресыщенность удовольствиями (см. цв. вкл.).

Легкие и просветленные, полные хрупкой грации, неуловимых настроений и на­меков, эти картины создавали особое элегическое настроение, чему способствовал тонкий и изящный рисунок, удивительный колорит Ватто. Мерцающие краски, тон­чайшие нюансы серого, голубого, розового, лимонно-желтого, цветные рефлексы

при изображении белой шелковой ткани, жемчужно-перламутровый колорит созда­вали причудливую, изысканную и грустную феерию. Это стремление к грёзе и не­доверие к реальности, некая мистификация жизни отражали умонастроения эпохи. Такова серия картин Ватто «Актеры итальянской комедии», «Любовь в италь­янском театре», «Любовь во французском театре», «Актеры Комеди Франсез», «Жюль», «Мезетен». Эта серия открыла новую тему, ставшую одной из главных в искусстве рококо: маскарад, театр масок, персонажи спектаклей.

Ватто создал и новый тип орнамента — с сюжетной сценой в центре и сплош­ным кружевом вокруг, предвосхитивший стиль рокайль (от фр. rocaille — осколки камней, раковины), легкий и элегантный, сложившийся к двадцатым годам и до­стигший подъема к середине столетия.

Центром формирования рококо был не дворцовый парадный интерьер, а салон частного дома, аристократическая гостиная, где тон задавали женщины, которые сделали свою повседневную жизнь искусством.

Женственность стала главным критерием красоты. А главной заботой изобра­зительного искусства — декор помещений. Взамен классических колонн, пилястров и капителей появились настенные панно, плафоны и «десюдепорты» («dessus-de-porte») — декоративные композиции над дверными и оконными проемами. Они пред­ставляют собой причудливый асимметричный орнамент, состоящий из цветочных букетов, гирлянд, рогов изобилия, фигурок амуров, раковин, ленточных перепле­тений и так называемых атрибутов — композиций из музыкальных инструментов,

предметов охоты и сельского тру­да. Вместо карниза, отделяющего плоскость стены от потолка, поя­вилась падуга — плавный, полукру­глый переход, богато декориро­ванный тонким орнаментальным рельефом, выполненным из гипса в стиле рокайль. Рельефные завит­ки плавно переходили в роспись золотом по белому фону, созда­вая причудливые

арабески — насы­щенный прихотливый узор, мно­гократно повторяющийся.

Фрагмент узора в стиле рококо. Интерьер отеля Сюбиэ. Париж

Особенностью убранства ин­терьера в стиле рококо было ис­пользование огромного количест­ва зеркал, которые помещали над камином и в многочислен­ных простенках между окнами. Многократно отражаясь, зеркала создавали иллюзию бесконечно­го, театрально-зыбкого простран­ства. Мотив зеркала как символа призрачности, игры, соединения иллюзий и реальности в искусстве рококо приобрел ведущее значе­ние. После перевода на француз­ский язык сказок «Тысячи и одной ночи» мода на все экзотическое,

восточное, главным образом китайское, буквально захлестнула Париж. Наряду с китайским фарфором приобрели популярность лаковые панно, искусно вмонти­рованные в европейскую мебель, а также шелковые ткани с изображениями па­год, китайцев и китаянок, зонтиков, попугаев, обезьян, используемые для обивки салонов.

Мелкие фарфоровые статуэтки, шкатулки, подсвечники, вазы — безделушки, получившие название «багатель», в изобилии расставляли на каминных полках, столиках, специальных подставках-консолях. Это делало интерьер еще более жи­вописным. Произведения изобразительного искусства уже не представляли цен­ности сами по себе, а превратились в предметы украшения интерьера.

Любимыми темами художников рококо стали не сила, страсть и героика, а неж­ность и игра. Традиционная французская куртуазность, воспетая трубадурами в се­редине века, как бы измельчала, и место прекрасного возвышенного идеала заняло пикантное и сладострастное.

Ведущим живописцем рококо был Франсуа Буше (1703-1770), придворный ху­дожник Людовика XV. Буше не пренебрегал ни одним жанром изобразительно­го искусства, он расписывал веера, изготовлял рисунки для гемм, посуды, рисовал эскизы маскарадных нарядов, причесок и многочисленных «багателей». Искусство Буше создало целую эпоху и стало почти синонимом слова «рококо».

Главной темой живописных полотен Буше являются традиционные для XVIII в. изображения пастухов и пастушек (пастораль), мифологических персонажей, раз­влекающегося общества.

Буше рисовал не просто картинки сельской жизни, его произведения — это идил­лические картины «пастушеской» жизни с эротическим подтекстом. На них хоро­шенькие жеманные пастушки, одетые в богатые бальные платья, сидят у ручья, в парке, среди цветов, в живописных руинах, ловят рыбу, расставляют силки на птиц, показывают ладошки гадающим цыганкам, слушают серенады, которые исполня­ют им на флейтах разряженные в пух и прах пастушки.

Излюбленной темой Буше была фривольная мифология. Образ солнечного бога Аполлона — Гелиоса, олицетворяющего Людовика XIV, полностью исчез из искус­ства. Венера, нимфы и амуры затмили все остальные божества. Венера засыпающая, Венера просыпающаяся, Венера за туалетом, Венера, играющая с Амуром, Венера купающаяся, Венера с Вулканом, Венера с Марсом, Венера с Адонисом, влюблен­ные боги и их галантные похождения, вакханки, амуры — все это появилось в живо­писи Буше в десятках и сотнях вариантов (см. цв. вкл.).

Среди скульпторов первое место в искусстве рококо принадлежит Этьену Мо­рису Фальконе (1716-1791). Начав с «Милона Кротонского», Фальконе сделал рез­кий поворот в сторону интимной лирики и малых форм. Его «Грозящий амур», из­ваянный для маркизы Помпадур, стал предметом всеобщего восторга. Фальконе исполнил одно за другим шесть повторений скульптуры, копиисты воспроизводи­ли «Амура» множество раз и, наконец, копии из бисквита¹ окончательно сделали из него популярнейшую во Франции скульптуру.

Вероятно, Фальконе навсегда остался бы в истории искусства тонким, блестящим, но камерным скульптором, если бы в 1765 г. русский посол в Париже князь Голицын не обра­тился к нему с предложением взяться за работу над памятником Петру I в Петербурге. Гениальное творение «Медный всадник» — одно из тех произведений, которые не подда­ются анализу с точки зрения стилистических категорий. Не в правилах Фальконе было банальное прославление монарха. Петр вызывал в нем искреннее восхищение своими

¹Бисквит (фр, biscuit) — непокрытый глазурью фарфор.

великими свершениями. Но Фальконе сумел показать в образе Петра все, что знал о его жестокости, об одиночестве, о неумолимой прямолинейности и семейных трагедиях, омра­чивших конец его жизни. Не умалив высоты образа, это придало ему оттенок драматиче­ской напряженности.

Эстетика нового стиля, эстетика будуара впервые в истории искусства легализо­вала изображение обнаженного женского тела в откровенно эротическом смысле, В моду вошли хрупкие и томные красавицы в «нежном возрасте». Сама Венера изображалась не богиней, а полураздетой светской дамой, подчас портретно узна­ваемой. Небывалое распространение получили всевозможные «купания», «утрен­ние туалеты», «летние удовольствия», «сравнения», имевшие весьма двусмыслен­ный подтекст и служившие просто поводом для демонстрации пикантных поз.

Рококо завоевало репутацию изысканного, но самого легковесного и эфемер­ного стиля в истории искусства. И все же видеть в рококо только легкомыслие и гедонизм¹ — значит повторить знаменитую ошибку Марии-Антуанетты и ее ари­стократических друзей, которые в конце века с восторгом играли «Свадьбу Фигаро» Бомарше, не замечая за каскадами остроумных шуток и фарсовых ситуаций грозной сути монологов графского камердинера. Рококо явилось прежде всего поиском но­вых путей после долгих лет застоя последней трети XVII в. и начала XVIII в. Мода на восточное в стиле рококо открыла путь идеям Просвещения, которые могли вы­сказываться в завуалированной форме аллегорий и иносказаний.

В 1721 г. появились «Персидские письма» Ш. Л. Монтескье, и совсем неслу­чайно он перенес в них нарядную экзотику восточного маскарада, заимствованную у рококо. Она ничуть не заслонила глубоких размышлений автора о судьбах Фран­ции, о правах человека, но лишь придала им увлекательность, сделала доступны­ми пониманию многих.

Вслед за Монтескье Вольтер, Гельвеций, Дидро заговорили о самых серьезных проблемах морали, эстетики, философии с легкой непринужденностью, остроуми­ем и игривостью, присущими рококо, и именно благодаря этому мнения известней­ших ученых стали достоянием самой широкой аудитории. Этот легкомысленный, изысканный стиль подготовил почву для мощной демократической эпохи Про­свещения, начало которой можно отнести примерно на середину XVIII в.

ЛИТЕРАТУРА И МУЗЫКА ЭПОХИ ПРОСВЕЩЕНИЯ

Движение Просвещения было общеевропейским, но зародилось и стало наи­более действенным именно во Франции,где новая идеология, новая мораль и но­вая эстетика в конце концов привели к разрушительным последствиям Великой французской революции.

Движущей силой исторического процесса просветители считали борьбу раз­ума и суеверий. При этом они полагали, что поскольку на формирование лично­сти решающее влияние оказывает общественная и природная (географическая) среда, постольку феодальный общественный порядок, его политические институ­ты, правовые и нравственные нормы губительны для человека. Общественному благополучию, по их мнению, препятствовали невежество, суеверия, предрассуд­ки, порожденные феодальными порядками и духовной диктатурой церкви. Поэто­му так неистово ненавидел церковь Вольтер. Его фраза: «Раздавите гадину!» — стала

¹Гедонизм (от греч. hedone — удовольствие) — направление в этике, утверждающее удовольствие как основной мотив человеческого поведения.

крылатой. Разум объявлялся самым могучим орудием преобразования окружающе­го мира.

Ключевым принципом политической программы просветителей являлся закон, который как бы автоматически предполагал наличие Свободы, Равенства, Братства. Свободу просветители понимали как добровольное подчинение закону. Равенство — как равное право перед законом каждой личности от пастуха до короля. Братство имело сугубо эмоциональное звучание. При соблюдении законности форма госу­дарственной власти не имела для просветителей принципиального значения. «Луч­шее правительство то, при котором подчиняются только законам», — писал Вольтер в «Философских письмах».

Стремление оказать прямое влияние на умы, характерное для деятелей Про­свещения, определило подчеркнутую публицистичность их творчества и его на­зидательный тон. Просветители признавали огромную роль искусства в общест­венной жизни, видя в нем едва ли не важнейшее средство просвещения. Бытовавший в эстетике со времен античности принцип «поучать развлекая» получил у про­светителей новое толкование: литература и искусство призваны не только поучать, но и воспитывать, формировать человека в идеалах разума. В пределах литера­туры Просвещения возникли разные художественные направления, обладающие своей спецификой, главными среди которых были просветительский классицизм, просветительский реализм и сентиментализм.

Наиболее ярко характерные черты просветительского классицизма воплоти­лись в творчестве Франсуа-Мари Аруэ (1694-1778), вошедшего в историю под име­нем Вольтер. Просветительский классицизм отвергал стихийное вдохновение, поэтические «вольности», он предпочитал разум чувству, рационализм — эмоциям. Из этих принципов классицистической эстетики и исходил Вольтер во всех лите­ратурных и научно-публицистических жанрах: театральных пьесах, стихотворени­ях, поэме «Орлеанская девственница», исторических трудах, философских сочине­ниях, полемических статьях.

Все произведения Вольтера — философские, он привил публике вкус к филосо­фии и научил понимать ее достоинства и искать ее в сочинениях других авторов.

Самой известной «философской поэмой», рожденной эпохой Просвещения, является «Орлеанская девственница» — уничижительная сатира на церковь, духо­венство, религию. Жанна для Вольтера — пассивное орудие и жертва чужих инте­ресов и интриг, ибо, согласно его исторической концепции, не народ вершит исто­рию, а столкновение идей — светлых и темных. Шутливая поэма, направленная на развенчание слащавой и ханжеской легенды о Жанне д’Арк как избраннице неба, ничуть не уменьшила авторитета народной героини, но значительно поколебала ав­торитет церкви.

Однако самым ярким художественным наследием Вольтера и по сей день ос­таются его философские повести. Философские повести — это прежде всего поли­тическая, предельно заостренная сатирическая публицистика, ибо персонажи и сюжеты носят условный характер и используются лишь в той мере, в какой они пригодны для изображения социального зла. В ранней повести «Задиг, или Судь­ба» Вольтер пользовался традиционной для французской литературы XVIII в. вос­точной стилизацией, где под восточными именами действовали его современ­ники. В дальнейшем он прибегнул к приему, введенному в литературный обиход Монтескье и состоящему в том, что обыденные явления, к которым люди при­выкли, смирились, приняли за норму, ставятся на обозрение «чужих» персонажей, которые сразу замечают их нелепости, В повести «Микромегас» нелепости евро­пейской цивилизации увидены глазами пришельца из космоса, в повести «Просто-

душный» выявлены через восприятие дикаря «гурона», в повести «Кандид, или Оптимизм» — наивного неискушенного юноши. В этой последней, самой глубокой и значительной повести Вольтера проявляется перелом, происшедший в сознании писателя. Оптимистическая идея о гармонии добра и зла опровергается события­ми жизни главного героя — скромного и добродетельного юноши Кандида. Пове­ствование строится как пародия на авантюрный роман, где герои переживают са­мые невероятные приключения: их убивают, но не до конца, вешают, но не совсем, разлученные, казалось бы, навеки, встречаются вновь и соединяются счастливым браком, когда от их молодости и красоты не остается и следа. После самых неве­роятных приключений герои обретают счастье в труде, который, по мнению Воль­тера, отгоняет три великих зла — скуку, порок и нужду.

Вольтер во всех литературных жанрах оставался верен своей просветительской миссии. Он излагал свои мысли с изящной простотой, и, несмотря на явную тен­денциозность, присущую всем просветителям, самые сложные проблемы обретали в его изложении ясность и постигаемость. Вольтер в буквальном смысле правил об­щественным мнением Европы.

Расцвет просветительского реализма относился к зрелому этапу Просвещения и означал признание огромной преобразующей роли науки и искусства в жизни человека, способности его достоверно отражать реальность, причем реальность современную. Просветительский реализм решительно отверг прежнюю иерархию жанров, выдвинув на первый план роман как «эпос частной жизни»; веселую ко­медию, изображающую смешное и порочное; серьезную комедию, повествующую о добродетели и долге человека; мещанскую драму, воспроизводящую семейные несчастья; художественную критику.

Выдающимся представителем просветительского реализма был Дени Дидро (1713-1784). Прежде всего он известен как организатор и издатель «Энциклопедии, или Толкового словаря наук, искусства и ремесел». Желая сделать издание научно значимым и авторитетным, Дидро привлек к написанию статей видных ученых фи­лософов, художников, музыкантов, писателей. «Энциклопедия», обобщив все све­дения, накопленные человечеством к середине XVIII в., стала концентрированным выражением идей Просвещения. Статьи «Энциклопедии» отрицали идеологию ка­толической церкви, абсолютизм как отжившую государственную систему иутверж-дали принципы нового буржуазного порядка.

В идеологической борьбе французского Просвещения искусство занимало столь значительное место, что возник новый жанр — художественная критика. Большое место в творческом наследии Дидро занимают труды, в которых были разработа­ны проблемы искусства. В статьях «Прекрасное», «Салоны», «Опыт о живописи» Дидро подверг убийственному осмеянию подражание римской античности, «вы­сокие» жанры.

Главным жанром Дидро признавал «мещанскую драму», в которой изобража­лись быт и нравы третьего сословия. Дидро наделял своих героев-буржуа высо­кими гражданскими добродетелями, заключавшимися в выполнении долга, умении сдерживать страсти разумом, раскаяться в дурном поступке, простить виноватого, что подчас открыто противоречило стяжательской природе их реальных прототи­пов. В жанре мещанской драмы были написаны «Побочный сын» И «Отец семей­ства», бесконфликтные сюжеты и благостные герои которых превращали их в про­поведи в лицах.

Значительным был вклад Дидро и в жанр художественной прозы. Его рома­ны, повести, рассказы создавались как импровизация по следам живой жизни. Ро­ман «Монахиня» появился вследствие сенсационных разоблачений монастырского

быта и дикого изуверства, скрытого за монастырскими стенами. По существу эта горячая исповедь стала новым жанром светской литературы.

Вершиной художественной прозы Дидро является небольшая философская по­весть-диалог «Племянник Рамо». Содержание ее составляет оживленный разговор В одной из кофеен Пале-Рояля между безымянным философом и приживальщи­ком в богатых домах, реально существовавшим историческим лицом — племянни­ком композитора Рамо. В своем произведении Дидро высказывается в соответствии с просветительскими идеями разума, добродетели, человечности; собеседник обру­шивает на философа целые потоки цинизма, пошлости, парадоксов, обнаруживая разорванность сознания, которое проявляется в откровенно паразитическом образе мыслей и в образе жизни героя. Наглый циник, беззастенчивый негодяй, он прези­рает общество, в которое стремится войти, и сознательно выбирает общественный паразитизм. Беспомощность нравственной позиции философа перед циническими разоблачениями племянника Рамо — своего рода самокритика просветительского разума, сознание его ограниченности перед нарастающими противоречиями жиз­ни. «Племянник Рамо», где впервые был изображен реалистический характер, стал первым произведением критического реализма, опередившим свой век.

Кульминацией в эволюции французского театра эпохи Просвещения стали ко­медии Пьера Огюстена Карона де Бомарше (1732-1799). Его жизнь и творчество можно расценить как общественный подвиг, совершенный им во имя третьего со­словия, представителем которого он сам являлся. Активная общественная деятель­ность Бомарше сопровождалась литературным творчеством. Настоящим апофео­зом третьего сословия, которое Бомарше расценивал как истинную опору нации, способную разрушить феодальную систему, стали комедии «Севильский цирюль­ник, или Тщетная предосторожность» и «Безумный день, или Женитьба Фигаро».

«Женитьба Фигаро» — комедия интриги, в которой блестяще воссоздана точная и детальная картина нравов Франции, хотя действие и разворачивается в Испании.

Фигаро собирается жениться на Сюзанне, горничной графини Розииы, но граф Альма­вива, завлекшись Сюзанной, хочет воспользоваться старинным феодальным правом пер­вой брачной ночи.

По ходу пьесы слуга ведет с графом упорную борьбу за свое человеческое до­стоинство; его ум и хитрость простолюдина оказываются сильнее сословных при­вилегий графа. В его уста Бомарше вложил знаменитую тираду о том, что сильные мира сего не всегда сильны разумом, что они дали себе труд родиться, но не при­ложили никаких усилий, чтобы достичь своего благополучия. Он сравнивает их с собой, вспоминая, что находился в толпе людей темного происхождения, и ради одного только пропитания ему приходится выказывать большую осведомленность и находчивость, каких в течение века не требовалось для управления Испанией. В «Безумном дне» Франция весело расставалась со старым режимом.

Жан Жак Руссо (1712-1778) был одним из виднейших представителей европей­ского сентиментализма, которыйрасцениваетсякакзавершающаястадияэпохиПро-свещения. Отличительными чертами сентиментализма, несмотря на разнообразие его художественных форм в различных странах, является культ чувства и культ при­роды. В связи с этим основной целью объявлялось воспитание чувствительности, т.е. особой восприимчивости к красоте природы, состраданию.

Подлинной энциклопедией сентиментализма стал роман «Юлия, или Новая Элоиза», написанный в эпистолярной форме. Форма писем придавала ему ощуще­ние достоверности, правдивости и в то же время позволяла знакомить читателя с мировоззрением Руссо. «Новая Элоиза» буквально пронизана мыслью о примате

чувства перед разумом. Особое место в романе отводится социальному неравен­ству, сословным предрассудкам, которые и легли в основу фабулы: в произведении повествуется о любви дворянки Юлии и ее учителя-философа Сен-Пре.

Руссо через своего героя воспевает «естественное состояние человека», живуще­го на лоне природы и не испорченного цивилизацией. Начальные главы романа по­священы естественному чувству — любви Юлии и Сен-Пре, ставшей как бы за­претной в буржуазном обществе. В следующих главах прославляется нравственный долг, обязанности человека как члена общества. Юлия страстно любит Сен-Пре, но понимает, что как член общества она должна выполнять свой долг, без которого «нет жизни порядочному человеку». Преодолев страсть, она обретает новое счастье в замужестве с равным ей по общественному положению человеком — в выполнении обязанностей преданной жены, добродетельной матери, мудрой хозяйки дома.

Действие романа происходит у подножия Альп, в Швейцарии, где природа игра­ет главенствующую роль, являясь подлинной участницей событий, советчицей, утешительницей. Прекрасные швейцарские ландшафты, создавая важный эмоцио­нальный фон всему происходящему, как бы сопоставляются и контрастируют с об­щественной парижской жизнью.

Идеи Руссо получили на пороге 1770-х годов кратковременное, но интенсив­ное и плодотворное развитие в движении «Бури и натиска» в Германии.Писате-ли-штюрмеры («Sturm» — буря) восставали против разума и «здравого смысла», в котором видели проявление мещанской ограниченности, и вслед за Руссо выдви­гали культ сердца, чувства, страсти. В духе его идей они ратовали за «естественно­го» человека, спонтанное, ничем не ограниченное проявление сильной личности.

Сильная мятежная личность была привлекательна и для раннего творчества Ио­ганна Вольфганга Гёте (1749-1832). Поэзия борьбы отличает «Песнь странника в бурю»: странник, застигнутый бурей и грозой, с трудом пробивает себе дорогу. Эта мятущаяся сильная натура стала в творчестве Гёте символической. Те же идеи со­ставили содержание од «Песнь Магомета» и «Прометей». Но подлинным шедев­ром, сделавшим Гёте известным не только в Германии, но и далеко за ее пределами, был роман «Страдания юного Вертераж Гёте показал духовную трагедию молодо­го бюргера, протест незаурядной, мятущейся натуры против убожества немецкой действительности.

Специфика Просвещения в Германии обусловлена была раздробленностью страны и тем, что бюргерство предпочитало решительному действию путь бес­прерывных компромиссов. Надежды Гёте на осуществление реформ в Веймаре, куда он был приглашен на службу к герцогу, завершились крахом. Это повлекло за собой переоценку подхода к отражению действительности. В отличие от ранних мя­тежных творений новые произведения Гёте отмечены отказом от мятежа: «Не для свободы люди рождены». Гёте, обратившись к формам античного искусства, стре­мился преодолеть немецкое убожество «изнутри» путем «эстетического воспита­ния» гармоничной личности на почве захолустной феодальной Германии. Этот пе­риод в его творчестве назван веймарским классицизмом.

Грандиозным синтезом идейных и художественных завоеваний эпохи Про­свещения явился роман Гёте — трагедия «Фауст», которая создавалась на протяже­нии шестидесяти лет и отразила эволюцию мировоззрения автора.

Материалом послужила легенда, сложившаяся вокруг реальной фигуры — уче­ного-чернокнижника доктора Фауста, жившего в первой половине XVI в., который якобы продал душу дьяволу в обмен на знания и искусство магии. Первоначально Гёте осмыслил сюжет в духе идей «Бури и натиска», показав Фауста мятежной ти­танической натурой, восставшей против мертвой схоластической науки.

Сохранив традиционные мотивы легенды и лубочной народной книги, Гёте добавил тра­гедию соблазненной девушки, убившей своего ребенка (социальный мотив, волновавший многих современников писателя), и важные с точки зрения общего философского замысла пролог на небе и сцену договора. В прологе Господь и Мефистофель на небе спорят о пред­назначении человека. Мефистофель утверждает, что человек по природе зол и его можно удовлетворить примитивными животными наслаждениями:

Божок вселенной, человек таков,

Каким и был он испокон веков.

Он лучше б жил чуть-чуть, не озари

Его ты Божьей искрой изнутри.

Он эту искру разумом зовет

И с этой искрой скот скотом живет.

Господь же верит, что, вопреки всем заблуждениям, добрый человек выйдет на истин­ный путь:

Он служит мне, и это налицо, И выбьется из мрака мне в угоду. Когда садовник садит деревцо, Плод наперед известен садоводу.

Ставкой в споре служит Фауст, его спасение или гибель.

В ключевой сцене первой части — сцене договора Фауста с Мефистофелем — заключен фи­лософский смысл всей трагедии. Фауст отвергает обычные земные блага — богатство, славу, любовные утехи, которыми соблазняет его Мефистофель:

Ты пищу дашь, не сытную ничуть. Дашь золото, которое, как ртуть, Меж пальцев растекается; зазнобу, Которая, упав тебе на грудь, Уж норовит к другому у шмыгнуть…

Он проклинает мнимые нравственные ценности, внушенные религией, и желает толь­ко живой, полезной деятельности, надеясь найти ее с помощью Мефистофеля и тем самым становясь его заложником.

Но в конце концов Фауст выходит победителем, выбирая созидательную коллек­тивную деятельность на благо каждого члена общества,

«Фауст» представляет собой поэтическую и вместе с тем философскую энцик­лопедию европейской духовной культуры нового времени, вобравшую идейные и художественные завоевания эпохи Просвещения и отразившую проблемы сле­дующего периода -эпохи романтизма.

Вторым крупным писателем веймарского классицизма эпохи Просвещения в Германии был Иоганн Христофор Фридрих Шиллер (1759-1805). Шиллер всту­пил в немецкую литературу на исходе движения «Бури и натиска», и его первая драма «Разбойники» полна героической патетики, направленной против тирании.

Как и Гёте, Шиллер был восторженным приверженцем античности, видя в ней тот идеал, на который следует равняться. Герои его драм «Дон Карлос», «Валлен-штейн», «Мария Стюарт», «Орлеанская дева», «Вильгельм Телль» — прежде всего борцы за идеалы свободы, отрешившиеся от всего личного.

Особое место в творчестве Шиллера занимают баллады, ставшие особенно популярными в немецкой литературе со времени «Бури и натиска». Шиллер пол­ностью видоизменил этот жанр, ориентированный на фольклорные мотивы, соз­дав жанр классической баллады — баллады-притчи. Драматические ситуации, пере-

данные в них, несутопределенную моральную идею. Например, в балладе «Порука» рассказывается о самоотверженной дружбе, смягчившей душу тирана.

В балладе «Ивиковы журавли» искусство, над которым надругались в лице его жреца, жестоко карает убийцу, открывая его и предавая гибели.

В балладе «Боги Греции» жизнерадостное мироощущение древних греков про­тивопоставляется хмурому мистицизму и аскетизму христиан, сменившему радо­стное жизнелюбие античных богов:

В дни, когда вы светлый мир учили Безмятежной поступи весны, Над блаженным племенем царили Властелины сказочной страны, -Ах, счастливой верою владея, Жизнь была совсем, совсем иной В дни, когда цветами, Киферея¹, Храм увенчивали твой!.. Не печаль учила вас молиться, Хмурый подвиг был не нужен вам; Все сердца могли блаженно биться, И блаженный был сродни богам. Было все лишь красотою свято, Не стыдился радостей никто Там, где пела нежная Эрато², Там, где правила Пейто³… Как дворцы, смеялись ваши храмы; На истмийских пышных торжествах В вашу честь курились фимиамы, Колесницы подымали прах. Стройной пляской, легкой и живою, Оплеталось пламя алтарей; Вы венчали свежею листвою Благовонный лен кудрей.

Где ты, светлый мир? Вернись, воскресни

Дня земного ласковый расцвет!

Только в небывалом царстве песни

Жив еще твой баснословный след.

Вымерли печальные равнины,

Божество не явится очам;

Ах, от знойно-жизненной картины

Только тень осталась нам.

Все цветы исчезли, облетая

В жутком вихре северных ветров;

Одного из всех обогащая,

Должен был погибнуть мир богов.

Я ищу печально в тверди звездной:

Там тебя, Селена, больше нет;

Я зову в лесах, над водной бездной:

Пуст и гулок их ответ!

Да, ушли и все, что вдохновенно,

Что прекрасно, унесли с собой, —

Все цветы, всю полноту вселенной, —

Нам оставив только звук пустой.

Высей Пинда⁴, их блаженных сеней

Не зальет времен водоворот;

Что бессмертно в мире песнопений,

В смертном мире не живет.

Баллады, написанные Шиллером в начале XIX в., значительно отличаются по то­нальности от его поэтических шедевров «балладного» года. Вместо гармонии про­светительского мировоззрения все чаще проступает понимание трагической про­тиворечивости бытия, созвучное романтическому восприятию мира:

Пред тобою мир необозримый! Мореходу не объехать свет; Но на всей Земле неизмеримой Десяти счастливцам места нет. Заключись в святом уединенье, В мире сердца, чуждом суеты! Красота цветет лишь в песнопенье, А свобода — в области мечты.

Музыкальное искусство Германии также не осталось в стороне от насыщенно­го духовными исканиями времени. Во второй половине XVIII в., в пору расцвета немецкого и французского Просвещения, сложилось искусство венской классиче­ской школы музыки, сыгравшей решающую роль во всем последующем развитии

¹Киферея — одно из имен Афродиты по имени острова Киферы, одного из центров культа богини.

²Эрато — муза лирической поэзии.

³Пейто — прозвище богини лесов и охоты Артемиды.

⁴Пинд — священная гора Аполлона (поэзия).

европейской музыкальной культуры. Искусство венских классиков Глюка, Гайдна, Моцарта и Бетховена отразило в формах музыки важнейшие духовные искания это­го времени, его нравственные и этические идеалы, его представления о прекрасном. Проблемы драматургии, волновавшие немецких писателей, были столь же живо­трепещущими и для музыкантов. Музыка выразила главное в мировоззрении про­светительской эпохи — ее великий оптимизм, убежденность в гармоничности бытия. В творчестве «венских классиков» отражались надежды и чаяния европейской ин­теллигенции в наступлении века разума и умирании феодализма.

Свойственные искусству «штюрмеровского» периода раскованность, вдохно­венность были характерны и для музыки Гайдна и Моцарта, проявившись в осо­бых неожиданных эмоциональных переходах, отражающих пламенность чувства, постоянную устремленность вперед, к лучшему. Культ природы, провозглашенный Руссо, также получил отражение в немецкой музыке. У Гайдна он был запечатлен в зарисовках сельских сценок, крестьянского быта, связанного с жизнью природы; у Моцарта — в особой атмосфере душевной трепетности, возникающей от соприкос­новения с ее вечной красотой.

Музыкальное искусство второй половины XVIII в. отмечено дальнейшим раз­витием таких музыкальных форм, как опера, симфония, и созданием новой сонатно-симфонической формы — так называемого сонатного аллегро. Это сопровождалось становлением и расцветом оперных театров, филармоний, камерных ансамблей.

Франц Йозеф Гайдн (1732-1809), крупнейший композитор классического на­правления и один из самых гармоничных художников в истории музыкального ис­кусства. Гармоничное мироощущение музыканта опиралось на его представление о том, что судьба отдельного человека может быть драматичной и даже трагической, но вечное течение ее всегда прекрасно, так как несет постоянное обновление, ра­дость и страдание в ней соразмерны.

Большую часть жизни Гайдн провел в Вене, где создал свои самые выдающие­ся произведения. Его творческое наследие огромно: оперы, оратории, многочислен­ные культовые произведения, симфонии, увертюры, концерты для различных ин­струментов, смычковые квартеты, фортепианные произведения, сонаты и песни, Гайдн — автор австрийского императорского гимна и создатель первой оратории на светское либретто — «Времена года». Но настоящим его призванием была инст­рументальная музыка, прежде всего симфонии, в которых он выражал свое отно­шение к происходящему. Это отношение могло иметь лирическую, драматическую тональность, либо окрашено мягким юмором, как, например, знаменитая «Про­щальная симфония».

Когда князь Эстергази, первым капельмейстером которого был Гайдн, отказался дать от­пуск своему оркестру, композитор, желая продемонстрировать усталость оркестрантов, на­писал симфонию, в финале которой поочередно покидают сцену все музыканты, пока на ней не остаются всего двое скрипачей.

Народно-жанровые темы нашли воплощение в шести Парижских симфониях, принесших Гайдну мировую славу. Двенадцать Лондонских симфоний — вершина в развитии симфонизма Гайдна, определившая ту исключительную роль, которую он занял во всей последующей истории музыкального искусства.

Имя Вольфганга Амадея Моцарта (1756-1791) стало синонимом самой музы­кальной стихии. Творчество являлось для него формой бытия, и он одинаково сво­бодно владел всеми формами и средствами как светской, так и духовной музы­ки, как вокальной, так и инструментально-оркестровой, камерно-ансамблевой, концертной, сольной. В музыке Моцарта соединились серьезная немецкая и легкая

итальянская музыка. Завораживающая звуковая красота, техническое совершен­ство, безупречная чистота стиля рождают ощущение простоты и ясности. Иллюзор­ная простота скрадывает сложность содержания. Музыкальное наследие компози­тора огромно и многопланово: им были написаны оперы, среди которых «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан», «Волшебная флейта», мессы, Реквием, симфонии, произве­дения культовой музыки, серенады, концерты для фортепиано, скрипичные кон­церты, сонаты, арии и песни. Неизменным оставалось лишь неустанное стремле­ние вперед, способность охватить творческим духом проблемы бытия, облечь их в гармоничную форму. Полярность его художественных замыслов и сложность ви­дения жизни символизируют два произведения, идущие как бы рука об руку: лю­бимое создание Моцарта — опера «Волшебная флейта» и заупокойная месса Рекви­ем, с мыслями о которой Моцарт покинул сей мир.

«Волшебная флейта» была написана Моцартом на сюжет в духе популярных в то время народных феерий, полных экзотических чудес. В либретто фигурируют му­дрец Зарастро, появляющийся в колеснице, запряженной львами, мстительная Ца­рица ночи, феи, волшебные мальчики и дикари, испытания в египетской пирамиде и таинственные превращения. Вместе с тем в этот наивный сюжет Моцарт вложил глубокие морально-философские представления масонства — религиозно-этическо­го движения, проповедующего идею нравственного усовершенствования человека, его духовного очищения и духовного братства — с одной стороны, и духовную власть над миром — с другой. Гуманистические идеалы масонства носили характер наивной утопии, что было в целом характерно для прогрессивных воззрений конца XVIII в. В трактовке Моцарта социальная утопия и фантастика совмещались с меткими жизненными наблюдениями, выразительными бытовыми штрихами, а фантастиче­ские персонажи обрели характеры реальных людей. Масонство Моцарта прояви­лось в «Волшебной флейте» и в идее разумности жизни, и в конкретных сюжетных подробностях, и в сценах испытания, словно происшедших от обрядовых традиций масонства. Опера удивительным образом соединила в себе мудрость философского взгляда на жизнь и исключительную простоту музыкального воплощения при от­сутствии внешних эффектов, казалось бы, предполагаемых сюжетом. Музыка Мо­царта не всегда принималась современниками, поскольку намного опережала свое время. Моцарт всегда был устремлен в будущее, как бы ни был «традиционен».

Исторически к венской школе относится и Людвиг Ван Бетховен (1770-1827), хотя его эстетические идеалы формировались в иное время и связаны с эпохой. Французской революции 1789 г, Бетховен развил в новых условиях художествен­ные принципы Гайдна и Моцарта, что позволяет говорить о двух этапах в разви­тии искусства венских классиков. Бетховен был человеком бурного темперамента, он жил якобинскими идеями, был полон несокрушимого оптимизма и веры в ко­нечную победу лучших сил человека, при этом часто впадая в крайности. Прези­рая аристократию за ее чванство и ненавидя тиранию, композитор одновременно посвящал свои произведения венским аристократам-меценатам и даже русскому царю. Бетховен — автор оперы «Фиделио», двух месс, девяти симфоний, несколь­ких увертюр, фортепианных концертов, квартетов, различных камерных произве­дений, сонат для фортепиано, в том числе «Патетической», «Лунной», «Аппассио­наты». Сам Бетховен связывал содержание «Аппассионаты» с «Бурей» Шекспира, показывая могущество сил природы и державную волю человека, укрощающего и покоряющего стихию. Вместе с тем ни в каком другом музыкальном произведении трагизм борьбы и революционное сознание композитора, выступающего против всех сил угнетения, не нашли такого потрясающего выражения, как в «Аппас­сионате».

Самое заметное место, однако, в творчестве Бетховена занимают симфониче­ские драмы, в основу которых были положены идеи опер Глюка, воплощающие кон­фликтное столкновение человека с судьбой. Словно отделившись от сценических ситуаций, сама музыка стала у Бетховена выразительницей идеи борьбы и победы. Таковы Третья — «Героическая», Пятая, Девятая симфонии.

«Героическая» симфония открылановую эру в историижанра- Впервые было соз­дано музыкальное произведение, представляющее собой гениальное симфониче­ское воплощение образов революционной борьбы и победы. Бетховен намеревал­ся посвятить ее Наполеону, который был для него в те годы идеалом народного вождя, под победоносными ударами которого рушились европейские монархии. Имя Бонапарта уже стояло на титульном листе партитуры только что закончен­ной симфонии, когда дошла весть о коронации: «Этот — тоже заурядный человек! -с горечью воскликнул композитор. — Теперь он будет топтать ногами все человече­ские права, следовать только своему честолюбию… и сделается тираном!» Третья симфония получила новое название — «Героическая». Среди всех классических сим­фоний, включая произведения самого Бетховена, «Героическая» выделяется своим гигантским объемом, многообразием тематических элементов, динамизмом. Бетхо­вен называл «Героическую» симфонию своим любимым детищем.

Рококо РОКОКО, ИЛИ СТИЛЬ РОКАЙЛЯ (франц. Rococo — «вычурный, прихотливый, извилистый», от Rocaille — «скальный»; Roc — «скала, гора, утес») — истор…

Рококо

РОКОКО, ИЛИ СТИЛЬ РОКАЙЛЯ (франц. Rococo — «вычурный, прихотливый, извилистый», от Rocaille — «скальный»; Roc — «скала, гора, утес») — исторический художественный стиль, распространенный в западноевропейском искусстве второй четверти и середины XVIII в.

В 1736 г. французский ювелир, рисовальщик-орнаменталист и резчик по дереву Жан Мондон «Сын» (J. Mondon Le fils) опубликовал альбом гравированных рисунков под названием «Первая книга форм рокайль и картель» («Premier livre Les formes Rocaille et Cartelle»). Картель (франц. Cartelle, от итал. Carta — «бумага, сверток») — элемент орнамента, близкий бандероли, картушу, кнорпелю, ролльверку. Однако слово «рокайль» было в то время новым.

В 1754 г. рисовальщик и гравер Шарль-Николя Кошен Младший опубликовал памфлет, адресованный парижской гильдии ювелиров, в котором призывал отказаться от вычурных форм «rocaille». Существуют сведения о том, что в XVIII в. на профессиональном жаргоне резчиков по кости слово «рокайль» означало: выпуклый рисунок, рельеф. Это же слово встречается в «Карманном словаре изящных искусств» аббата А. Булье (1759). Архитектор французского Неоклассицизма Ж.Ф. Блондель Младший употреблял слово «rocaille» в 1770-х гг. для обозначения причудливых форм предшествующей его творчеству эпохи. Термин «рококо» в ироничном смысле (добавив к слову «рокайль» двойное окончание, наподобие: «обезьянничанье») использовал Ж.Ж. Руссо, когда высмеивал вкусы и нравы «эпохи маркиз». Однако до середины XIX в. слово «рококо» не являлось названием художественного стиля, его употребляли исключительно в негативном значении, иногда в качестве синонима слова «барокко» (которое тоже считали наименованием дурного вкуса). С 1759 г. в Германии встречается синоним «рокайля» — «Grillenwerk» (вычурная работа).

Появление же самого слова «рокайль» связано с эстетикой «Большого стиля» эпохи «Короля Солнце» Людовика XIV (вторая половина XVII в.). Во французских парках «регулярного стиля», в частности в Версале, было принято устраивать потайные павильоны среди зеленых боскетов. Павильоны стилизовали под естественные пещеры — гроты, внутри их оформляли как морское царство Нептуна. В жаркое лето кавалеру с дамой было приятно зайти в прохладный полумрак пещеры, где бил небольшой фонтан, бежал ручеек, а на стенах среди грубо обработанных, поросших мхом камней виднелись искусно сделанные лепные украшения в виде раковин (атрибутов морского бога) и переплетающихся растений. Постепенно форма раковины действительно стала одним из основных мотивов стиля Рококо. Однако происхождение термина связано не со словом «раковина», а со словом «грот, камень, скала» (франц. Roc).

Стилю Рококо 1730—1740-х гг. предшествовал французский стиль Регентства (1715—1722). Его рассматривают в качестве этапа, связующего эпохи Людовика XIV («Большой стиль») и Людовика XV, но в истории искусства Франции «стиль Людовика XV» («Le style de Louis Quinze»), совпадающий по времени с годами правления этого короля (1715—1774), не отождествляют с Рококо. «Стиль Луи XV» трактуют в качестве переходного к «стилю рокайля». Последний в этом случае понимается шире в хронологическом и географическом отношениях, поскольку он был распространен и в других странах помимо Франции. В таком случае «стиль Людовика XV» является историко-региональным, а стиль Рококо — историческим.

Предыдущий стиль в истории искусства Франции — стиль Людовика XIV — соединял элементы Классицизма и Барокко. На этом основании Рококо иногда представляют как естественное развитие Барокко. Однако в отношении французского искусства подобная трактовка неприемлема. Принципиальное различие обоих стилей можно рассмотреть на примере их типичных мотивов. Ренессансная раковина морского гребешка, характерная для искусства Итальянского Возрождения и французского Ренессанса XVI в., к концу XVII в. трансформировалась в «Большом стиле» в эмблему «Короля Солнце», но оставалась классически симметричной.

Стиль Барокко в полной мере во Франции не был принят, поскольку в этой стране сильна классическая традиция. В искусстве итальянского, испанского, немецкого и фламандского Барокко, напротив, раковина трансформируется в причудливые, асимметричные формы кнорпеля и ормушля. Аналогичное сравнение можно провести в отношении двух других форм: барочной волюты и рокайля. Волюта — завиток с двойным S-образным изгибом — происходит от античной гелики, или консоли, — элемента, имеющего конструктивное значение, поэтому в форме волюты идеально выражено конструктивное усилие, напряжение.

Когда в эпоху Итальянского Возрождения Ф. Брунеллески перевернул античные кронштейны на 90° и превратил их в декоративные завитки, венчающие аркбутаны фонаря купола Флорентийского собора, они не потеряли своей выразительной силы. И в дальнейшем, в архитектуре Барокко, волюты выражали динамику, напряженное движение от горизонтали к вертикали. Завиток рокайля иного происхождения, он представляет собой поверхностный, орнаментальный мотив, лишь отчасти связанный с формой раковины и в большей степени — с флореальными элементами, и не имеет отношения к архитектурной конструкции. Поэтому рокайль не несет в себе конструктивного смысла и качеств тектоничности. Он деструктивен и атектоничен, это объясняет тот факт, что стиль Рококо не получил распространения в композиции архитектурного экстерьера (внешнего вида зданий).

Стилистика Рококо не связана с традицией классической архитектуры, в то время как итальянское Барокко «выросло» из архитектуры римского классицизма начала XVI в. и является его естественным продолжением, усложнением приемов формообразования (хотя выглядит отрицанием архитектуры Классицизма). Барочная пышность напряжена, динамична, рокайльная — нежна и расслаблена.

Стиль Рококо (исключая его разновидности в других странах) является истинно французским изобретением, не связанным с тенденцией перерастания архитектуры Классицизма в Барокко. Он возник в камерном искусстве периода Регентства, в интерьерах аристократических гостиных, салонах и будуарах. Если другие исторические стили рождались в архитектуре и даже более того — на основе кардинальных изменений архитектурной конструкции, как, например, Готика, Классицизм, Барокко, Неоклассицизм, и лишь затем распространялись на другие виды искусства, то стиль Рококо является исключением. Он возник не в результате преображения архитектурных форм, а из орнаментального мотива, получил развитие в оформлении интерьера, мебели, в фарфоре, декоративной лепке и резьбе, в искусстве костюма и ювелирных изделий. В тех же случаях, когда орнаментика рокайля затрагивает архитектурную композицию, она действует на нее атектоничным образом.

Швейцарский историк культуры Якоб Буркхардт (1818—1897), автор знаменитой книги «Культура Возрождения в Италии» (1860), использовал термин «рококо» для обозначения деструктивной стадии развития любого художественного стиля, в частности поздней Готики.

В Германии стиль Рококо долгое время сравнивали с поздней Готикой (нем. Sptgotik) и считали возвратом от Барокко к Классицизму, но сопровождающимся деструктивными тенденциями.

Французский историк искусства Луи Откёр (1884—1973) в третьем томе «Истории классической архитектуры во Франции» (1952) показал, что классическая традиция в искусстве Франции никогда не прерывалась и, в частности, стиль Рококо был связан не только с новыми орнаментальными мотивами, а с дальнейшим развитием классицистического стиля с преобладанием изогнутой линии и криволинейных поверхностей. Этот тезис возвращает нас к связи стиля Рококо с эстетикой садово-паркового искусства.

Для Франции второй четверти XVIII в., по определению А. Брюнинга, характерно стремление придавать интерьерам «вид палатки или древесного шатра. Тяжелые пилястры вдоль стен времен Барокко сменяются тонкими воздушными колонками, обвитыми гирляндами цветов. Потолок белоснежный, точно полотно, раскинутое на легких кольях палатки, или голубой, как будто само ласковое небо заглядывает в дом».

Обращение к природе и формальная изысканность стиля объясняют присутствие в Рококо экзотических флореальных мотивов. В этом отношении Рококо действительно имеет общие черты с Готикой.

В растительных мотивах декора тканей еще в период Регентства сложился прием двух параллельных и волнообразно изгибающихся осей симметрии, похожих на плетение ветвей. Эти ветви обвивают гирлянды, букеты, вокруг них — мелкие цветы и букетики, размещенные наклонно, по диагональным осям.

Еще одна черта века Рококо: академическое искусство не уступает своих позиций. Как остроумно заметил С. Рейнак, «картина Куапеля на библейскую тему, исполненная в громадных размерах, имеет вид живописи для веера, но чрезмерно увеличенной». Девизом галантного века Людовика XV стала фраза, которую приписывают фаворитке короля маркизе де Помпадур: «После нас хоть потоп!» («Aprs nous Le dluge!» — так маркиза утешала короля после поражения его войск при Росбахе).

После пышного и помпезного века Людовика XIV центром формирования новой культуры стал не парадный дворцовый интерьер или просторы Версальских садов, а салон, быт частного дома. Заправляли французскими салонами женщины, именно они создавали среду, в которой формировалась новая аристократическая культура с собственным языком — изящным, галантным и ироничным. Женщина стала главным объектом искусства. Огромная армия портных, парикмахеров, декораторов, ювелиров, живописцев, ткачей, мебельщиков создавала удивительные вещи. Уподобленная маскараду жизнь светских салонов французской столицы была поставлена в зависимость от моды и капризов королевы Марии Лещинской (1725—1768) и фавориток короля: герцогини де Шатору (с 1743 г.), маркизы де Помпадур (с 1745 г.), графини Дю Барри (с 1769 г.). Фигура женщины, алчной, но образованной, — средоточие нового стиля. «Маркиза Помпадур была творцом эпохи Рококо. Графиня Дю Барри была созданием этой эпохи». Полстолетия спустя живописец французского Неоклассицизма Ж.Л. Давид презрительно назвал стиль Рококо «эротическим маньеризмом», русский поэт В. Я. Брюсов — «веком суетных маркиз».

В искусстве стиля Рококо эстетизировали материальное, телесное, но этому, парадоксальным образом, придавали возвышенное значение, отчего возникало ощущение легкости, изящества, непринужденности, эфемерности бытия.

В эпоху французского Рококо завершались процессы, начавшиеся в XVII в., в «Большом стиле» Людовика XIV: отрабатывались понятия этикета, вкуса; культивировались не цель, а средства искусства, не художественный образ как целое, а отдельные способы и приемы композиции, манеры, техники выполнения. С этим связан и необычный, изощренный эротизм новой культуры.

Традиционная французская куртуазность, культ Прекрасной Дамы, воспетый средневековыми трубадурами, принимают иной характер. Место недосягаемого идеала красоты занимает доступное и пикантное. При этом категории прекрасного и идеального, так волновавшие художников эпохи Возрождения и теоретиков Классицизма, теряют свое значение. Любимыми темами художников Рококо были не сила и страсть, а нежность и игра. Философские темы ванитас, «суеты сует», «пляски смерти», распространенные в эпоху Возрождения и Барокко (XVI—XVII вв.), исчезают вместе с ощущением времени, которое будто бы останавливается. Есть только настоящее, без прошлого и будущего.

Эстетизируется мгновение, а не жизнь. Формулой культуры Рококо стал «счастливый миг». Идейной и эмоциональной основой — гедонизм, индивидуализм (формировавшиеся еще в период Регентства), а формой выражения этой идеологии — интимные сюжеты, игривая грация, «дух мелочей прелестных и воздушных», как определил эту особенность русский поэт М. А. Кузмин.

Эстетика мимолетного, неуловимого нашла выражение в жанре каприза, блестяще воплощенного в картинах А. Ватто, отличающегося от барочного каприччьо легкостью, веселостью или нежной грустью. Любимая аллегория — Благословенные острова, Рай влюбленных с храмом Венеры, где царствуют безделье, легкий флирт, праздники и забавы; мужчины там галантны, а женщины прекрасны, нежны и наивно распутны. Двусмысленность подобных аллегорий усиливалась призывами к вечному наслаждению и намеками на быстротечность жизни, скорую пресыщенность удовольствиями, призрачность земного счастья.

Мифологические сюжеты, обязательные в искусстве Классицизма и Барокко, продолжали использовать, но круг персонажей сузился. Венера, нимфы и амуры затмевали остальные божества. Образ солнечных богов Аполлона и Гелиоса, олицетворявших Людовика XIV, героические сюжеты и аллегории отступили перед темами, представлявшими художнику наибольшие возможности в изображении обнаженного женского тела. Были легализованы откровенно эротические сюжеты — натурщицы в вызывающих позах, лишь слегка замаскированные с помощью малозначащих атрибутов под Диан и Венер. Саму Венеру стали изображать в образе раздетой или полураздетой светской дамы, подчас с известными чертами какой-либо высокопоставленной особы, демонстрирующей свои прелести в почти домашней обстановке. Причем подобное обмирщение считалось похвальным и находчивость художника всегда получала одобрение. В светских сюжетах намеренно выбирали ситуации, которые могли послужить поводом, как бы невинным, для эротики, например «Прекрасные возможности качелей». В «купаниях», «утренних туалетах», «летних удовольствиях» художники обыгрывали тему «сравнения», когда несколько красавиц вступают в соревнование, демонстрируя друг другу и, конечно, зрителю прелестные части своего тела. Античные буколики — сцены «пастушеской жизни» — превратились в обычные сюжеты соблазнения: «пастухи и пастушки», одетые в пышные бальные наряды, среди цветов и барашков заняты чтением, игрой на свирели…

Характерная тема: неотвратимость стрел любви, на которую известны иллюстрации Ф. Буше к пьесе Ш. С. Фавара «Осада Цитеры». Сюжет пьесы сводится к следующему. Остров Цитера — неприступная цитадель богини любви Венеры. Ни одно войско в мире не может овладеть ее крепостью. Но однажды, когда Венера отлучилась, отправившись на свидание к Адонису, бог войны Марс наслал на остров войско диких скифов. Их сердца, сделанные из железа, Марс посчитал неуязвимыми для стрел Амура. Нимфы, защищавшие Цитеру, согласились решить исход войны единоборством предводителей. Одна из нимф предложила скифскому царю пронзить ее сердце, но он, сам сраженный ее прелестями, выронил из рук оружие. Остальные нимфы опутали скифов гирляндами цветов, и все закончилось к обоюдному удовольствию. На дальнем плане Буше изобразил храм любви со статуей Венеры, а на переднем нимфа опутывает побежденного скифа «цепями» из роз.

Так эстетика будуара соединилась в стиле Рококо с классическими сюжетами. Вместо полнокровных, пышущих энергией, силой и движением фигур Рубенса в моду вошли хрупкие и томные бело-розовые тела «в нежном возрасте ранней весны» (франц. blanc et Rose — «белое с розовым»). Эстетика обнаженного тела, трактуемого в искусстве Классицизма идеально-отвлеченно, уступила место пикантной «раздетости», или «полуобнаженности» (франц. retroussе), находящейся в полном согласии с французской традицией драпри — искусства драпировки (франц. draperie).

«Нежные образы» воплощались соответствующими средствами: мягкими контурами, округлыми линиями, нюансами тона и цвета, чему подобрали теоретическое обоснование:

«Эти формы посвящены Венере… В самом деле, взглянем на прекрасную женщину. Контуры ее тела мягки и округлы, мускулы едва заметны, во всем царит простая и естественная нежность, которую мы скорее чувствуем, чем можем определить».

Французский писатель Ж.Ш. Гюисманс сформулировал женственную эстетику Рококо еще более откровенно устами героя своего романа:

«Стиль Луи XV подходил хрупким, истощенным возбуждениями мозга людям; ведь только XVIII век сумел облечь женщину порочной атмосферой, придать контурам мебели форму ее прелестей, заимствуя для изгибов, для хитросплетений дерева и меди судороги ее наслаждения, завитки ее спазм…»

Манера художников Рококо живописна, бегла, почти импрессионистична.

Изменился заказчик картин. Если в эпоху Барокко и «Большого стиля» основными заказчиками были католическая церковь и королевский двор, то теперь состав любителей и ценителей живописи пополнился новой аристократией и представителями «третьего сословия», которые желали видеть «только приятное».

Создается впечатление, что главным видом искусства в ту эпоху стали декоративные работы — росписи плафонов, настенные панно и десюдепорты (франц. dessus-de-porte — «то, что над дверью») — панно, расположенные над дверным или оконным проемом и связанные с ним общим обрамлением. Десюдепорты дополняли лепными золочеными рокайлями, внутри размещали зеркала либо картины ведущих живописцев.

Так, в знаменитом интерьере — Зеркальном зале Отеля принца де Субиз (Htel Soubise), классике французского Рококо, оформленном по проекту архитектора Жермена Боффрана (1667—1754), живописные десюдепорты созданы выдающимися художниками своего времени, в том числе Франсуа Буше. План зала — овальный (форма, типичная для стиля Рококо), но даже эта форма зрительно замаскирована раскреповками (выступающими трюмо и заглубленными зеркалами). Многократные отражения зеркал друг в друге и падуга (закругление перехода от вертикальной плоскости стены к плафону) не дают возможности оценить конфигурацию и истинные размеры помещения. К тому же сама падуга с десюдепортами, весьма неудобного формата для живописца, усложнена множеством рокайлей. Архитектурное пространство деструктивно, оно создает зыбкий образ «зеркала в зеркале», мнимость, ощущение эфемерности границ (франц. mise-en-abme — «положения в бесконечности»).

Франсуа Буше — выдающийся мастер, он создал огромное количество замечательных картин, рисунков, гравюр, однако создается впечатление, что большую часть жизни Буше потратил на багатели (франц. bagatelle — «безделица, пустяк»). Этот художник обучал маркизу де Помпадур рисованию, в 1755—1770 гг. руководил мануфактурой Гобеленов (обязанность первого живописца короля), где выполнил картоны для известной серии «Любовь богов». Он расписывал веера, разрабатывал рисунки для гемм и декоративные вставки для карет и портшезов, оформлял театральные постановки с участием маркизы де Помпадур, рисовал для нее модели платьев, причесок, бантов и ювелирных изделий. По рисункам Буше изготавливали каминные экраны, канделябры, фарфоровые фигурки на мануфактуре в Севре.

Влияния столичного Рококо заметны в архитектурном ансамбле центра г. Нанси в Лотарингии, созданном в 1751—1763 гг. Эре де Корни, учеником Ж. Боффрана. Однако наиболее интересны в этом ансамбле рокайльные декоративные детали и кованая ограда по рисунку Ж. Ламура.

Именно в стиле Рококо формируется композиционная схема оформления салонов и гостиных. Центром интерьера становится камин, над ним — огромное зеркало. На каминной полке — вазы китайского фарфора или делфтского фаянса либо часы в корпусе из позолоченной бронзы и два канделябра. Перед камином — каминный экран, столик, кресла. На полу — ковер мануфактуры Обюссон. Лепной орнамент рокайля в технике стукко обычно оставляют белым с частично вызолоченными деталями. Обвивая обрамления зеркал, филенок, атектоничный сам по себе, такой орнамент еще более маскирует тектонику архитектуры, которая и без того ослаблена скругленными углами стен и падугами. Если в «Большом стиле» падуги и десюдепорты украшали тяжелыми гирляндами и круглой скульптурой, то в век Рококо их сменил тончайший лепной и расписной орнамент.

Яркие краски уступили место разбеленным, приглушенным тонам. Характерны их названия: розовый «помпадур», цвет «бедра испуганной нимфы», сомон («цвета семги»), палевый, бланжевый (кремового оттенка), карникино (телесный), «гри де перль» (жемчужно-серый), перванш (серо-голубоватый), планшевый (желтоватый, светло-охристый цвет). Неопределенные — лавандовый цвет («цвета льна» или «холодного золота»), серо-лавандовый (зеленоватого оттенка) — и экстравагантные названия: «цвет живота только что постригшейся монахини». Особенно модным в век Рококо считали цвет «кака дофин» (франц. «caca du dauphin» — первое слово в переводе не нуждается; дофин — малолетний наследник престола). Еще один цвет, зеленовато-бежевого оттенка, называли «caca d’oie» (тот же продукт, но не дофина, а гуся). Ярко-красный, алый цвет именовали «la fillette» («как у девочки»). Причем подобные названия не казались смешными или постыдными. Они находились в полном согласии с эстетикой Рококо.

Масляную живопись заметно потеснили рисунок пастелью, акварель, гравюра карандашной манерой. Особую роль стали играть зеркала. Люди хотели видеть себя со стороны, красоваться перед собой и друг перед другом (это, в частности, стимулировало развитие портретного жанра). В анфиладах комнат, как и в Зеркальной галерее Большого Версальского дворца, зеркала отражались одно в другом, но создавали иное, не парадное, а интимное настроение, образ неясного, зыбкого пространства. Стиль Рококо дает наслаждение самому изысканному вкусу, здесь все рассчитано на создание определенного настроения, но не более того. Многие картины Ф. Буше, Н. Ланкре, Ж. де Лажу и, десятилетия позднее, Л. Л. Буайи кажутся лишь поводом для изображения пикантных поз.

Рококо — один из самых формальных стилей, в нем важнее не «что», а «как» изображается, каким образом это оформлено. Стиль рокайля представляет собой удивительный пример «мнимой пластики», трансцендентности изобразительных мотивов, являющихся, по существу, музыкальной организацией форм.

«Это победа звуков и мелодий над линиями и телом… Это уже не архитектура тела… галереи, залы, кабинеты… с их инкрустациями в форме раковин… Это окаменелые сонаты, менуэты, мадригалы, прелюдии; это камерная музыка из гипса, мрамора, слоновой кости и благородного дерева, кантилены из волют и картушей, каденции внешних лестниц… „allegro fuggitivo“ для маленького оркестра».

В эпоху Рококо формировалась мода на экзотические предметы, изделия искусства стран Востока, главным образом Китая и Японии. Наряду с китайским фарфором, который ввозили в Европу голландские мореходы еще в XVII в., популярность приобретают китайские лаковые панно, украшающие стены или искусно вмонтированные в европейскую мебель, картины, гравюры, шёлковые ткани с изображениями сцен из восточной жизни, пагодами, пальмами, китайцами и китаянками, слонами, зонтиками и попугаями.

Эта причудливая смесь получила шутливое название шинуазри (франц. Chinoiserie — «китайщина», от China — Китай). Изображения обезьянок и других забавных зверей — сенжери (франц. singerie — «обезьянничанье»). Разумеется, эти мотивы имели мало общего с подлинным искусством Китая, однако называть их «псевдокитайскими» тоже неверно.

Шинуазри представляет собой отдельное романтическое стилистическое течение внутри Рококо. Оно существовало и позднее, в искусстве французского Неоклассицизма второй половины XVIII в., подобно тому, как «египетский стиль», уходящий корнями в эпоху Древнего Рима, возродился в период французского Ампира начала XIX в., продолжался в период Историзма и вновь был востребован художниками Модерна начала XX в. Иногда в стиле шинуазри создавались целые художественные ансамбли, как, например, в парке Сан-Суси в Потсдаме, в парке Пильниц близ Дрездена или в Китайском дворце в Ораниенбауме близ Петербурга. Мотивы шинуазри смешивали с рокайлями и итальянскими гротесками, мотивами «берен», бандельверками из музыкальных инструментов или атрибутов «пастушеской жизни», условно обозначавшими «сельский стиль». Подобные элементы отрабатывались художниками-орнаменталистами.

Искусство орнаментальной гравюры, основоположниками которого во Франции, в частности в жанре гротеска, в XVI в. были Э. Делон, Р. Буавен и Ж. А. Дюсерсо, в период Регентства и Рококо развивали А. Ватто, К. Одран, Ж. де Лажу, Ж. О. Мейссонье, Ж. Б. Пильман, Н. Пино, Ж. М. Оппенор, Д. Маро. Композиции этих художников использовали лепщики, резчики по дереву, мебельщики, бронзовщики и ювелиры.

В жанре шинуазри более других прославился Ж. Б. Пильман (его однофамилец Филипп Пильман в 1717—1724 гг. работал в Петергофе).

Среди мастеров-мебельщиков наиболее известны М. Карлен, Ш. Крессан, П. Мижон, Э. Мишар, семья потомственных мастеров Каффиери. Братья Мартен прославились изобретением цветных лаков, не хуже китайских. В работе мастеров-мебельщиков показательна эволюция формы комода. Если в «Большом стиле» Людовика XIV комод (изобретение мастера А. Ш. Булля) еще сохраняет тектоничность, проистекающую от «ящичной конструкции» (нескольких ящиков, расположенных один над другим, на четырех ножках), то в эпоху Рококо появляются «пузатые комоды», в которых за слоем грунта, позолотой и нежно-голубой, розовой и «салатной» окраской с росписью цветами совершенно невозможно опознать изначальную конструкцию.

В изделиях из серебра: канделябрах, парадных сервизах — также очевидна деструктивная тенденция, на которую провоцировал мастеров орнамент рокайля. Наиболее известные мастера в этой области — ювелиры семей Ретье и Жермен. В относительно поздний период появляется характерный мотив «перистого рокайля» (нем. «fedrigen Rokaillen») с длинными, «колючими» отростками, или «перьями», что свидетельствует о маньеристичной стадии развития стиля.

В одном ряду с эротическими произведениями живописи и графики можно поставить и многие изделия «малых форм». Большинство из них не сохранилось, и они известны только по литературным описаниям. К примеру, пересказанная братьями Жюлем и Эдмоном Гонкурами — авторами обстоятельных исследований «Искусство XVIII века» и «Любовницы Людовика XV» (1859—1870) — история создания «чудесной вазы» для фруктов, некогда украшавшей Малый Трианон в Версале, форма которой была будто бы отлита из золота с «несравненной груди Марии Антуанетты». Судя по иллюстрации в книге, ваза воспроизводит тип античного сосуда — мастоса.

МАСТОС (греч. mastos — «сосок, грудь, холм») — античный сосуд в форме женской груди. Такие сосуды изготавливали в Древней Греции во второй половине VI в. до н. э. Его широкое устье суживается книзу, выпуклые стенки заканчиваются небольшим выступом, напоминающим сосок. В верхней части тулова расположены две ручки, одна — в вертикальном положении, другая — в горизонтальном. Форма этого оригинального сосуда получила неожиданное продолжение в искусстве Франции XVIII в.

Об иных багателях — табакерках, футлярах карманных часов, брелоках на шатленах с «эротическими сюрпризами» — можно написать отдельный очерк.

Существует теория, согласно которой игра в шинуазри, разного рода шутихи и сюрпризы служила средством «освежения чувств», преодоления пресыщенности и снятия усталости от эротического напряжения.

Стиль Рококо продолжали культивировать при парижском дворе в начале правления Людовика XVI (1774—1793) и королевы Марии Антуанетты, хотя еще ранее, при Людовике XV, в 1754 г. появился памфлет Ш. Н. Кошена, направленный против излишеств «стиля рокайля», а мадам Дю Барри вводила моду на Неоклассицизм. Это обстоятельство подтверждает принцип одновременности развития разных исторических художественных стилей и аристократическую природу искусства Рококо.

Заслуживает внимания связь эстетики Рококо с Романтизмом раннего этапа эпохи Просвещения во Франции. Еще в период Регентства, в 1704 г., Ж. А. Галлан начал публиковать собственный французский перевод сказок «Тысячи и одной ночи». Мода на шинуазри открыла путь идеям Просвещения в завуалированной форме сказок, притч, аллегорий, стилизаций. В 1721 г. появились «Персидские письма» Ш. Л. Монтескьё, в 1748 г. — «Нескромные сокровища» Д. Дидро. Изображение Востока в литературных произведениях было художественным приемом, позволяющим острее показать слабые стороны аристократической западноевропейской культуры, но, одновременно, поводом для сладострастных описаний. Ведь в представлениях европейца Восток — край утонченной неги и изысканных наслаждений. Духовная опустошенность, эмоциональная усталость на закате Рококо породила сентиментализм, который «плавно перешел» из «эпохи маркиз» в век демократических идеалов Просвещения. Эта особенность французской культуры доказывает, что художественные формы долговечнее актуальных и передовых идей.

В период Неоклассицизма середины и второй половины XVIII в. огромную популярность имели сентиментальные сочинения Ретифа де ла Бретона и Ш. де Лакло. В России в начале XIX в. А. С. Пушкин, великий классик и «запоздалый романтик», увлекался в молодые годы скабрезными стихами Э. Парни. Однако со временем игра в рокайли была отброшена и французские просветители, а за ними литераторы просвещенного XIX столетия подвергли эстетику Рококо уничижительной критике. Г. Гейне назвал первую половину XVIII в. «годами больного поколения», которое пребывало «в веселом греховном блеске и цветущем тлении». А. С. Пушкин в «Арапе Петра Великого» писал, что в период Регентства «нравственность гибла», а «государство распадалось под игривые припевы сатирических водевилей». Действительно, содержательная основа стиля демонстрирует быстрое измельчание: от искренней чувствительности и тонкой поэзии картин Ватто к наигранной чувственности искусства Буше и, наконец, к невыносимо сладкой сентиментальности «невинных девушек» в изображении Ж. Б. Грёза

г. Стиль французского Рококо имел классическое значение для региональных разновидностей, сложившихся в то же время за пределами Франции. В Италии, в Венеции возникло так называемое венецианское рококо. Роскошь венецианского искусства соединилась с утонченностью культуры XVIII в. в живописи С. Риччи и Дж. Б. Тьеполо, к примеру в Палаццо Лабиа. Нежно-голубые и розовые краски зазвучали в пейзажах Каналетто и Ф. Гварди. Однако это искусство представляло собой не новый стиль, а дальнейшее развитие особенностей венецианской школы. Изысканностью и чувственностью эта живопись вызывает лишь ассоциации с эстетикой французского рокайля.

Наиболее яркая региональная разновидность стиля Рококо сложилась на юге Германии, в Баварии. С 1725 г. пажом у баварского эрцгерцога Максимилана II Эммануэля в Мюнхене служил Франсуа де Кювийе (Кювилье) Старший (1695—1768). Этот выдающийся мастер — декоратор, рисовальщик и орнаменталист — в 1720—1724 гг. учился в Париже. Его лучшей работой считают оформление Зеркального зала дворца Амалиенбург в Нимфенбурге близ Мюнхена.

Этот интерьер является своеобразной параллелью Зеркального зала Отеля Субиз в Париже работы Боффрана, но превосходит его пышностью, монументальностью, насыщенностью декоративными деталями. По иронии судьбы Кювийе был карликом, и в его творчестве, как в кривом зеркале, отразились все причуды стиля рокайля. Кювийе прославился и своими графическими фантазиями, собранными в альбомах «Книга картушей» («Livre de Cartouches», 1737), «Обрывки причуд» («Morceaux de Caprice», 1745—1755) и других (позднее эти сборники издавались в Париже). Кювийе, подобно Мейссонье, создал около пятисот рисунков для гравюр, впечатляющих экстравагантностью, бесконечной фантазией, даже вычурностью. В них есть все: от изгибающихся стен и волнистых порталов, невероятных аркад и висящих в воздухе галерей до капризных дверных ручек, извивающихся светильников и невероятных картинных рам. Индивидуальную манеру Кювийе иногда считают высшей точкой развития рокайльного стиля.

Во Франконии, в г. Байрейт (Байройт), возник несколько иной стиль, который называют «байройтским рококо». В целом в городах Южной, традиционно католической Германии в XVIII в. складывался оригинальный сплав элементов стилей Барокко и Рококо. Именно этот сплав оказал наибольшее влияние на формирование русского искусства середины XVIII в., прежде всего в творчестве Ф. Б. Растрелли Младшего.

В Саксонии влияние французского рокайля сказалось в творчестве мастеров Майссенской фарфоровой мануфактуры — Й. И. Кендлера, П. Райнике, Й. Ф. Эберлайна, а также в архитектуре Дрездена. Знаменитые дрезденские ювелиры XVIII в. сочетали в своем творчестве отдельные элементы итальянского Маньеризма, Барокко и французского Рококо.

На севере Германии в первой половине XVIII в. сложился утонченный, изысканный стиль фридерианского рококо.

В Австрии на протяжении второй половины XVIII в. господствовал пышный, немного тяжеловесный стиль «венского рококо».

В Англии стиль Рококо не получил признания, но его элементы присутствуют в раннегеоргианском стиле и в мебели прославленного мастера Т. Чиппендейла.

Одним из главных достижений эпохи Рококо считают открытие технологии и художественных возможностей европейского фарфора (первая европейская мануфактура была пущена в 1710 г. в Майссене). Тонкий, полупрозрачный, звонкий, с белоснежной поверхностью, этот материал кажется самой природой создан для искусства Рококо. Именно в эту эпоху в связи с открытием фарфора развивались жанровые разновидности мелкой фарфоровой пластики и миниатюрной красочной росписи. Искусство мастеров Майссена и Севра было дополнено своеобразной орнаментикой руанских фаянсов.

В распространении стиля Рококо важное значение имеют биографии отдельных мастеров. Так, выдающийся рисовальщик, орнаменталист и резчик по дереву Николя Пино (1684—1754), ученик отца — Пино Старшего, работавшего в Версале, и Ж. Боффрана, в 1716 г. приехал с архитектором Ж. Б. Леблоном по приглашению Петра I в Петербург. Он успешно работал в Петергофе, где в 1718—1720 гг. создал панели Дубового кабинета Петра I в Большом дворце. В 1726 г. Пино вернулся во Францию, где стал одним из ведущих орнаменталистов стиля Рококо. Архитектор Ж. Ф. Блондель Младший назвал Н. Пино «Ватто орнамента». Французские мастера внесли не самый значительный, но необходимый компонент в формирование оригинального стиля «петровского барокко» первой четверти XVIII в. в Петербурге. Позднее в Париже, в 1754 г., Н. Пино по заказу графа К. Г. Разумовского выполнил эскиз парадной кареты для Елизаветы Петровны — подарок графа российской императрице. Расписывал карету Ф. Буше, бронзовые детали выполнил Ф. Каффиери Второй. Ныне это уникальное произведение хранится в музее Московского Кремля.

Первые работы в России итальянского архитектора Антонио Ринальди (1709—1794), приехавшего в Петербург в 1754 г. (до этого архитектор работал в Украине), созданы в «стиле рокайля». Особенно замечателен интерьер фарфорового кабинета Павильона катальной горки в Ораниенбауме. Изящностью отделки и тонкостью прорисовки орнаментов он превосходит все известные образцы французского Рококо. По стенам на специально изготовленных полочках-консолях размещалась коллекция скульптурок майссенского фарфора, выполненных специально для этого кабинета.

Однако история стиля Рококо не ограничивается XVIII в. Севрская и Майссенская фарфоровые мануфактуры продолжали выпускать изделия по старым образцам. В Нойвиде изготавливали «рокайльную мебель». В XIX в. во Франции в связи с реставрацией династии Бурбонов после периода революций и войн (1815—1830) возникло «второе рококо». В 1830—1848 гг. — «третье рококо», а в период Модерна, в 1880—1890-х гг., — «четвертое рококо».

Искусство XVIII века. Рококо.

Искусство XVIII века. Рококо (рокайль, стиль Людовика XV). XVIII в называют веком Просвещения, Галантным веком. Развитие европейского искусства XVIII в. сложно и неравномерно. В лишенной национального единства Италии наивысшие достижения связаны с венецианской школой. Во Франции прослеживается эволюция от рококо (с 1720 г.) к искусству программно-гражданского характера. В искусстве, и особенно в литературе Англии уже зарождаются характерные черты реализма развитого буржуазного общества. Молодой Гойя в Испании всем своим творчеством подготовил романтизм нового столетия. В искусстве XVIII в. проявляется в собственном смысле частное явление, единичный человек, обособленный угол природы, но, как правило, они выступают в соединении с миром фантазии, в театральной игре, на сценических подмостках. Лишь XIX в. осмелился вывести частное, единичное, обособленное как значительное само по себе, не нуждающееся в контурах. Мощную пространственную динамику, пластическую игру форм барокко сменяет стиль, который как бы переводит криволинейное построение барокко в новый регистр. Оставляя без внимания фасады, рококо разыгрывает на стенах и потолках интерьеров орнаментальные симфонии, сплетает кружевные узоры, достигая в этом виртуозности, изящества, блеска, но полностью утрачивая барочную монументальность, основательность и силу. Рококо – первый безордерный стиль. Рококо не имеет своей позитивной философии и сфера его действия ограничена. Наибольшее развитие стиль достиг в области прикладного искусства. В других сферах он проявляется сильнее всего там, где художнику приходится решать прежде всего декоративно-оформительские задачи: в архитектуре – не в конструкции здания, а в планировке и оформлении интерьера; в живописи – не в станковой картине, а в декоративных панно и росписях.   Барокко Патетичность, грандиозность, внушительность; Мощное движение тяжелых масс; Торжественные мистерии, высо-копарные оды; Бытовые жанры считаются нисшими. Рококо Облегченность, воздушность, несерьезность; Исчезает ощущение весомости; Беззаботные празднества, шутка;   Частое обращение к бытовым жанрам, но трактовка их несерьезная.   Искусство рококо – улыбающееся, меланхолическое искусство. Для него характерна вычурная с инкрустацией мебель в интерьерах, декоративные панно, зеркала, дробные формы, орнамент сложный, построенный на изогнутых линиях. Ассиметричные композиции создают ощущение беспокойства – игривое, насмешливое, вычурное, дразнящее чувство. Сюжеты картин и росписей – любовные, эротические. Героини картин – нимфы, вакханки, Дианы, Венеры, совершающие свои туалеты и триумфы. Это “пастушеские сценки”, “галантные празднества”. В это время появляется интерес к тонким, интимным переживаниям, это шаг к сентиментализму. Для стиля рококо не характерно использования ордера в декоре. При этом интерьеры декорируются панно, зеркалами. Плафонные розетки украшаются орнаментом (мотивы акантового листа, раковины, морской волны, трельяжной сетки). Иногда в орнаменте используются китайские мотивы. Конструктивная логика, четкое соотношение несущих и несомых частей, говорившее о строгих законах бытия, о героике долга, уступило место прихотливым плетениям орнамента, маскирующим истинные размеры и конфигурацию интерьера, границы стен и потолка. Небольшие комнаты, сохраняя уютность, не кажутся тесными, поскольку архитектура и живопись содают своего рода играющее пространство, пределы которого не ощутимы. Оно тает в зеркалах, огромных окнах и панно, многократно отражается, преломляется в живописных изображениях. Орнамент образует как бы сквозную форму, обволакивая карнизы, зеркала и окна, разделяя и одновременно соединяя реальное и воображаемое пространство. С этим связан и излюбленный колористический эффект: цвет декоративен, он лежит на плоскости холста или стены, украшает ее, одновременно обозначает бесконечную, неопределенную глубину, туманную даль. Колористическоя гамма состоит из забеленных, приглушенных тонов: жемчужно-серого (гри де перль), голубоватого (перванш), цвета крабового мяса (сомон), бледно-охристого (беж) и других. Новый стиль стал стилем небогатых домов. В XVIII в. особое развитие получил театр. Ощущение мимолетности, призрачности жизни овладевает человеком. Частная жизнь, интимные чувства, человеческие эмоции противопоставляются холодной официальности, фальшивой торжественности. В Англии возникает синтетический тип портрета взявший от парадных портретов выражение общественной ценности человека, а от интимных – интерес к его индивидуальному бытию. В пейзажной живописи получает развитие “пейзаж настроения”, игравший значительную роль у Ватто, а затем у Гейнсборо и Гварди. Развитие классицизма связано с именем немецкого эстетика Иоганна Иоахима Вингельмана. Статья «Мысли по поводу подражания греческим произведениям в живописи и скульптуре» 1755 г. подняла на уровень программы классические тенденции. Появились понятия «строгого вкуса», «вкуса к идеальному». Вингельман в это время написал первый учебник по истории искусств «История искусств древности». Он содействовал эволюционному движению в направлении осознания явлений искусства. Классицизм XVIII в. воспринимается как «облегченный» классицизм предшествующего столетия. В нем больше археологической точности, чем в пердшественнике, больше изящества, выдумки, разнообразия. Но также чувствуется недостаток весомости и силы. Классицизм XVIII в. отбрасывает античные классические нормы. Зодчество Германии XVIII в. развивается в рамках классицизма. Бранденбурнские ворота (1781-1791) архитектора К. Лангансена напоминают Пропилеи Афинского Акрополя. В сфере внимания находятся страны: Италия, Франция, Англия, Испания.   Италия. Венеция XVIII в. являлась центром музыкальной и театральной жизни Европы, книгопечатания, стеклоделия. Она славилась празднествами, маскарадами. Спрос на декоративные росписи дворцов вызвал развитие монументально-декоративной живописи, продолжавшей традиции барочного искусства. Джовани Батиста Тьеполо (1696-1770) – последний представитель барокко в Европе. Ему свойственны огромное декоративное дарование и высокая колористическая культура («Королева Зенобия, обращающаяся к солдатам», «Встреча Клеопатры с Антонием»). Тьеполо – «Веронезе XVIII в.». Он являлся президентом Академии художеств. Слава о нем распространилась повсюду, мастер работал в Испании, Германии. Тьеполо писал громадные фрески, роскошные декоративные панно, алтарные образы, был виртуозом рисунка и офорта. Он смело объединял реальное пространство архитектуры с иллюзорным пространством живописи. Его собратья по искусству писали небольшие картины – легкие бытовые сцены, портреты. Ведуты – городские пейзажи – пишут Каналетто, Гварди («Венецианский дворик», «Мостик у моря»). Гварди также пишет поэтические пейзажи настроения, галантные празднества, балы и концерты. Некоторые исследователи утверждают, что Тьеполо, Гварди, Каналетто развивали итальянский вариант рококо.   Франция. В первой половине XVIII в ведущим стилем во Франции был рококо. Предтеча этого направления – Жан Антуан Ватто (1684-1721). Художник галантных празднеств, он изображал аристократическое общество в парке музыцирующее, танцующее, праздное («Жиль», «Паломничество на остров Киферу»). В этой живописи нет ни действия, ни сюжета. В цветовом решении используется множество оттенков. Композиция картин Ватто лишена устойчивости и поэтому возникает ощущение непрекращающегося движения. Но в его творчестве не было цельности и убежденности. Франсуа Буше (1703-1770), начиная с выбора сюжета, следовал стереотипу, выработанному современным вкусом. Он изображал бесконечные апофеозы и триумфы, аллегории, разыгрываемые детьми или обнаженными амурами («Туалет Венеры», «Венера с амуром»). Картина мастера – декоративное панно. Жан Оноре Фрагонар (1732-1806) сделал блестящую карьеру без официальных связей. Пренебрегая королевскими заказами, почестями Академии художеств и выставочных Салонов, он писал картины благодаря поддержке коллекционеров и меценатов. Если его учитель Франсуа Буше, любимый живописец маркизы де Помпадур, прославлял придворное искусство при дворе Людовика XV и создавал композиции на мифологические сюжеты с обнаженными фигурами, которые украшали кабинеты и будуары, то Фрагонар отразил свою чувственность только в холстах. Почитатели Фрагонара говорили о его виртуозности, свободном мазке, динамике и смелости композиций в сценах забав и любви («Счастливые возможности качелей», «Поцелуй украдкой»). Это живописец-импровизатор, необычайно импульсивный и впечатлительный. Он работает в области бытового жанра, портрета, пейзажа, натюрморта, пишет картины на литературные и исторические сюжеты. Стихия Фрагонара – бурное чувство полноты жизни, ничем не стесненной. Он создает счастливый, бесконечный и легкомысленный мир, нередко заимствуя сюжеты из арсенала рококо, но в его работах столько непосредственного и личного, что это не может уместиться в рамках одного стиля. Он создает вещи с быстротой и воодушевлением экспромта. Его картины наполнены светом и воздухом. В 1760-1770-х гг. наметился интерес к голландскому реализму. Жан-Батиста Шарден (1699-1779) пишет натюрморты и жанровые картины. Ему свойственна трезвая реалистическая манера, изображение тихой жизни буржуа, не знающей резких перемен. Мастер писал натюрморты, в то время считавшиеся нисшим жанром. На протяжении всей своей жизни Жан Батист Грез(1725-1805) мечтал лишь об одном: получить благородный титул исторического художника, причисленного к последователям Николы Пуссена. Однако, по настоящему он прославился своими сценами из деревенской жизни, в которых не без патетики и слезливых эффектов превозносил «традиционные добродетели» крестьянской семьи: законный брак, власть отца и почтительную любовь сына. Как проповедник патриархальных идиллий он пользовался популярностью у современников. Его картины – уроки морали («Баловное дитя», «Плоды хорошего воспитания», «Паралитик»). Развитие скульптуры во Франции XVIII в. связано с именем Гудона («Портрет мадам Гудон», «Статуя Вольтера»), Фрагонара («Грозящий Амур», «Памятник Петру I), Пигаля («Меркурий»). Во второй половине XVIII в ведущим стилем в архитектуре Франции становится классицизм. В этом стиле строится церковь святой Женевьевы в Париже, архитектор Жак Жермен Суффло. Позже она была перестроена в Пантеон – место погребения великих людей Франции. В интерьере и прикладном искусстве стиль классицизма называют стилем Людовика XVI.   Англия. Рационалистические тенденции создавали почву для процветания классицизма. Для архитектуры Англии характерно увлечение античностью (палладианство). Барочные тенденции в начале века нашли отражение в загордных резиденциях Хоурд и Бленим (архитектор Джон Ванбру). Здания имеют сложную пространственную структуру, динамичные линии силуэта, живописное распределение масс. Интересна скульптура Гринлинга Гиббонса, который прославился как резчик по дереву и камню (резьба собора святого Павла, алтарные преграды церквей Сити). К 1740-м гг. английское Просвещение достигло зрелости. Вера в могущество человеческого разума, активность вторжения в общественную жизнь, убежденность в возможности ее обновления путем воспитания и просвещения возобладали в сознании людей. Но английское Просвещение не имело революционного пафоса. Большинство его представителей были удовлетворены реформами 1689 г. В 1794 г. начинается строительство круглого в плане города Бата. Архитектор Джон Вуд, руководивший проектом, был одновременно архитектором, инженером-строителем, предпринимателем и художником. Его сын и преемник Джон Вуд Младший завершил строительство «круга» в 1764 г. и в 1769 г. построил знаменитый Ройал Кресчент – комплекс из 30 домов, соединенных вместе и образующих линию. В 1793-96 гг. строится Сандерленндский мост с длиной пролета 32 м. и с применением чугунных деталей. Основоположником ландшафтного паркостроения является Вильям Кент. В ландшафтном парке распределение и планировка групп деревьев, лужаек, водоемов подражает естественным формам природы. Живописные дорожки открывают новые и новые виды. Здесь присутствуют гроты, руины. Вильям Кент увлекался палладианством. В замке Холькхэм (1730-е гг.) интерьеры отмечены спокойствием и умеренностью, использованы здесь кессонные потолки. В архитектуре Англии трудно провести грань между классицизмом и барокко. Во второй половине XVIII в. работают братья Адамс – Роберт и Джеймс. Роберт Адамсизучает памятники античной культуры в Италии. По возвращении на родину он строит жилые здания с проработанной планировкой. Постепенно он отходит от палладианства (замок Кедльстон-холл). В Англии XVIII в. развивается пейзажная и портретная живопись, карикатура. Совершенствуется техника акварельной живописи, которая становится самостоятельным видом искусства. Интересны акварельные пейзажи Джона Роберта Козенса и Томаса Гертина. Томас Гейнсборо (1727-1788) был девятым ребенком в семье. Мать Гейнсборо – умная, образованная женщина, увлекалась живописью. Особенно хорошо она писала цветы. Гейнсборо сформировался как хороший художник очень быстро. В 13 лет он покинул Садбери, а приехав в Лондон, стал работать портретистом. Он поселился у серебряных дел мастера Роберта Эндрюса Старшего. В Лондоне он посещает Академию святого Мартина, которой руководит Хогарт. Гейнсборо очень любил писать пейзажи, но прославился как портретист. Констебель считал его «гением пейзажа». Художник обладал интуицией, тонко чувствовал человека. Гейнсборо продолжал писать для души любимые пейзажи. Во время прогулок он собирал причудливые корни деревьев, траву и дома сооружал миниатюрные ландшафты, а на холсте преображал их в величественные скалы, ущелья и деревья. В творчестве этого мастера выражены два основных аспекта Просвещения: рационалистический и эмоциональный. Он член Академии художеств, но стоит от нее в стороне. Обостренное чувство природы и музыкальность стали важными чертами таланта Гейнсборо. Для зрелого мастера характерны портреты в рост на фоне пейзажа, удлиненность пропорций. Поздние работы как бы сотканы из легких, разнообразных по форме и плотности мазков – серебристых, зеленоватых, голубых. Мазки струятся, вибрируют, то становясь гуще, то оставляя свободные кусочки холста. Волнующая мелодия мазков воздействует на зрителя, создавая тонкое чувство ритма. Пейзажи Гейнсборо и Уилсона выполнены в классическом стиле, напоминая Лоррена. Уильям Хогарт (1697-1764) пишет жанровые картины, групповые («разговорные») портреты, портреты людей искусства, выполняет гравюры, работает в сатирическом жанре («Девушка с креветками», «Свадебный бал», «Модный брак», «Выборы»). В гибком мазке Хогарта нет увлечения декоративностью. Это средство создания подвижной, выразительной формы и силуэта. Дж. Рельнольдс (1723-1792) выполняет серии портретов, иногда по 150 в год. Он был первым президентом Королевской Академии. Как теоретик описывает классическую эстетику в трактате «Речи». Он стоит на позиции иерархии стилей, но как практик мало работает в области «высокого стиля». Предметы на картинах Рейнольдса несут печать характера их владельца. В дизайне мебели в середине XVIII в. господствует стиль Чиппендейл ( по имени мастера Томаса Чиппендейла). Он отразил английскую восприимчивость и тяготение к классицизму при ограниченном воздействии барокко. Такая мебель при наличии изогнутых линий от рококо ясна, логична, изящна, лишена декоративных усложнений, выполнена из красного дерева.   ЛЕКЦИЯ Не нашли то, что искали? Воспользуйтесь поиском гугл на сайте:

Рококо — Литературная энциклопедия

РОКОКО (от франц. rocaille — раковина, изделие из ракушек) — стиль искусства и литературы, развившийся в XVIII в. в Европе на почве декаданса феодально-дворянской культуры. Своего наиболее полного выражения он достиг во Франции, где последний век «старого порядка» был в то же время веком пышного цветения аристократического искусства, вызывавшего восхищение и подражание дворянской Европы. Это было искусство, отмеченное печатью высокого мастерства, изумляющее своей грацией и изяществом, однако идейно опустошенное, болезненно-хрупкое, вполне чуждое шумной «суете» социальной жизни; как в башне из слоновой кости, оно замкнулось в узких пределах будуара и спальни. Триумфы Р. при одновременной деградации классицизма ясно свидетельствовали о том, что духи былого величия и героизма отлетали от дворянского искусства XVIII в.; оно превращается в грациозную безделушку, средство развлечения или, говоря словами кавалера Дора` (1734—1770), в звонкую «погремушку», назначение к-рой — развлекать «человечество в его несчастиях» (из предисловия к сб. стихов «Mes fantaisies», 1768).

Вместе с торжественно-чопорными париками «алонж» поэты сдают в музей все, что напоминает о мощи, доблести, долге и самопожертвовании. «Величественное» начинает рисоваться пресным и старомодным. Воцаряется галантная игривость, фривольная беззаботность, все оказывается только мимолетной забавой и легкокрылой шуткой. Играют в «золотой век», в любовь, в самую жизнь. «Шутки и смехи» (Les jeux et les ris) изгоняют с Парнаса Каллиопу, Уранию и Мельпомену (см. «Музы»). «Шутка была в своем детстве в великий век Людовика XIV, наш век довел ее до совершенства. Настолько же, насколько мы упали в стиле величественного, настолько мы прогрессировали в стиле легкомысленного и фривольного» — с горечью замечает в своих мемуарах маркиз д’Аржансон (R. L. D’Argenson, 1694—1757), печалящийся о закате «прекрасного века Людовика XIV, столь благородного и столь великого». Д’Аржансон тонко подмечает основную тенденцию всей аристократической культуры XVIII в. Он пишет свои мемуары в годы, когда французский абсолютизм, а с ним вместе господствующее сословие Франции уже вступили в полосу неудержимой деградации. Абсолютизм превратился в тормоз дальнейшего развития Франции, восстановив против себя широкие круги третьего сословия; дворянство (особенно аристократия) все более становилось классом-паразитом, бессмысленно расточавшим богатства страны. Меньше всего оно заботилось об интересах государства. Оно жаждало наслаждений и только наслаждений. Оно стремилось превратить свою жизнь в непрекращающийся праздник, в гигантскую оргию, не оставляющую места для размышлений и забот. Моральная распущенность становится бытовым явлением, и чем ближе к революции, тем все более гомерические размеры она приобретает, — все боги сброшены, безраздельно царят лишь Вакх и Венера. «После нас хоть потоп!», восклицает официальный представитель этого общества. В большом ходу (особенно в эпоху регентства) эпикурейские теории Сент-Эвремона (Charles de Saint-Denis, sieur de Saint-Evremond, 1613—1703), возводящего гурманство в философский принцип, видящего счастье в чувственной любви.

«Давайте петь и веселиться,

Давайте жизнию играть;

Пусть чернь слепая суетится:

Не нам безумной подражать!»

восклицает Парни (см. (стих. «a mes amis», перев. Пушкина)), блестяще формулирующий заветную мудрость Р. Гедонизм становится догмой. Поэты сбрасывают с себя торжественную тогу трибуна, покидают форум, оставляют знамена Марса, их чело украшено легкими гирляндами цветов, в руке у них бокал пенящегося вина или пастушеский посох, они поют праздность (molle paresse), сладострастие, дары Вакха и Цереры, прелести сельской жизни, отрешенной от забот мирской суеты. Личность выпадает из естественной системы социальных связей, с трагической беззаботностью попирает она все, что выходит за узкие пределы ее крохотного эгоистического мирка. Идеи государства, феодального коллектива рассеиваются, как дым. С аффектированным равнодушием взирает человек Р. на судьбы вне его лежащего мира. «Счастлив, кто, забывая о людских химерах, имеет деревню, книгу и верного друга и независимо живет под кровлей своих предков…» Из своего уединения «со скорбью, но без волнения глядит он на то, как государства сталкиваются по воле монархов…» И «в то время как безутешная вдова к подножию трибунала несет свои стенания, в объятиях обожаемой супруги он только от сладострастия льет свои слезы…» (Леонар (Leonard, 1744—1793), стих. «Le bonheur»).

Такой галантный эгоцентризм, глубоко симптоматичный для прогрессирующего распада феодального общества, порождает в литературе Р. мотив своеобразной эротической робинзонады, дающей возможность поэту вовсе отмыслить от своего героя (место Пятницы занимает, разумеется, возлюбленная) шумную «суету» реального мира, постоянно грозящего тревожным диссонансом ворваться в мир хрупкой феодальной идиллии (напр. стих. Парни «Projet de solitude», вариации темы «Путешествия на остров Цитеру»). В изящной «сказочке» кавалера де Буффлера (1738—1815) «Aline, reine de Golconde» (Алина, королева Голконды, 1761) герой и героиня, пережив ряд галантных приключений и превратностей судьбы, находят наконец счастье в совместной жизни на лоне пустыни, безлюдной и плодоносной. Призрак социаль

2.68 Цветовые системы. История вопроса (часть 12)

Тема лекции: Европа 18 в. Рококо.

Источник — сайт Михалкевича на народ.ру

В XVIII веке барокко превращается в рококо. Появляется тяготение к ассиметрии композиции, декору (мягкая деталировка форм), сочетание ярких и чистых тонов цвета с белым и золотом.

Стиль рококо

Длительная эпоха барокко завершается во второй половине XVIII столетия искусством стиля рококо. Название стиля произошло от французского слова «rocaille» ,что означает композиции из раковин и гротов, играющих большую роль в новом стиле. Стиль рококо, затрагивающий главным образом орнаментально-декоративный строй предметов украшения, мебели и интерьеров, ассоциируется, прежде всего, с причудливыми формами орнаментики, состоящей из раковин, коралловидных образований, завитков, цветочных гирлянд, прихотливо извивающихся стеблей и т.д.

Стиль рококо является стилем искусства двора и аристократии. Появляются новые типы жилых помещений: будуары, интимные кабинеты. Стиль очень ярко и последовательно проявился в оформлении интерьеров. Зеркала, позолота, буйно стелющиеся по стенам и потолкам лепные узоры деформируют пространственную структуру интерьеров. Архитектоническое начало с его колоннами, пилястрами, карнизами сменяются откровенно декоративным; единственный элемент, служащий членению поверхностей стен и потолков, — капризно изогнутая рамка.

В этот период продолжается усиливаться восточное, и, прежде всего китайское влияние. Изящные по формам, украшенные тонким, изысканным декором художественные изделия китайских мастеров отлично гармонировали со стилем, процветавшим при европейских абсолютистских дворах.

Особенно в большом количестве завозился фарфор, привлекавший европейцев экзотичностью, новизной материала и форм.

Характерной особенностью стиля является сочетание внешней сдержанности и внутренней роскоши, которая была предназначена для комфорта.

Помещения не всегда выдерживаются в одной цветовой гамме и обустраиваются с учетом наклонностей хозяина и его рода занятий.

По сравнению со сдержанностью и трезвостью барокко, интерьеры рококо перенасыщены предметами меблировки, но в целом — это эталон утонченности, элегантности, изнеженности. Нежные, пастельные тона преобладают и в колорите, наиболее частые цветовые решения — белое в сочетании с голубым, зеленым или розовым и непременное золото.

Стилю рококо чужды прямая или правильных очертаний кривая линия и симметрия. В мебели и декоративном убранстве интерьера используются самые дорогие материалы: экзотические породы дерева, мрамор, шелк, гобелен, бронза, золото.

Внутри дом всегда украшается настенной живописью, достаточно часто встречается и роспись потолков, продолжающая сюжетную линию стен.

Да и сама комната строится в форме вытянутого овала или круга, углы могут присутствовать только в кабинетных комнатах и в будуаре, хотя и это встречается достаточно редко.

Стены помещений украшаются не фресками, а шпалерными развесками— коврами с расшитыми диковинными узорами по шелку или атласу.

Только в стиле рококо используются настенные консоли, которые делаются из стукко или фарфора. Эти два материала позволяют вылепить невысокий рельеф, который очень быстро принимает нужную форму и схватывается.

4

В качестве основных орнаментов используются восточные мотивы с изображением пальм, заморских животных и птиц, картин из жизни туземцев.

В сторону большего удобства и элегантности изменяются и формы мебели для сидения. Контуры предметов становятся мягкими, волнистыми, изгиб ножки усиливается. Характерной для рококо становится изысканная и в изобилии украшенная мебель. Здесь присутствует целая смесь характерных для других стилей черт: богатая рокайная резьба барокко и раскраска пастельными тонами отдельных деталей мебели, простота конструкций средневековья, отделка ножек в виде лап животных и золотая отделка в духе римского стиля.

В отделке полов присутствуют и каменная мозаика, и паркет, которые всегда гармонируют с остальным витиеватым убранством комнат.

Для того чтобы стилизовать интерьер вашей квартиры под стиль рококо, можно воспользоваться несколькими деталями. Цветочные скатерти, занавески, обои и плитка наиболее подходят для этого стиля. При этом лучше выбирать мелкий рисунок на бледном голубоватом или сиреневатом фоне. Для стилизации комнат потребуется больше деталей. Это и изысканная обивка мебели, и подобранные в тон занавеси, роскошно спадающие на пол, многочисленные вазы с вылепленными цветами, от больших напольных до миниатюрных. Также комнату можно украсить лепниной с тонким слоем бронзовой или золотой краски. Что касается спальни, то здесь можно установить балдахин, с каркаса которого, как свадебная фата, будет, струится волна полупрозрачного шелка.

Дополнения из Википедии

Архитектура

Архитектурный (точнее — декоративный) стиль рококо появился во Франции во времена регентства (1715-1723) и достиг апогея при Людовике XV, перешёл в другие страны Европы и господствовал в ней до 1780-х годов. Стиль рококо был продолжением стиля барокко или, точнее сказать, его видоизменением, соответствовавшим жеманному, вычурному времени. Он не внёс в архитектуру никаких новых конструктивных элементов, но пользовался старыми, не стесняя себя при их употреблении никакими традициями и имея в виду, главным образом, достижение декоративной эффектности.

Отбросив холодную парадность, тяжёлую и скучную напыщенность искусства времён Людовика XIV и итальянского барокко, архитектура рококо стремится быть лёгкой, приветливой, игривой во что бы то ни стало; она не заботится ни об органичном сочетании и распределении частей сооружения, ни о целесообразности их форм, а распоряжается ими с полным произволом, доходящим до каприза, избегает строгой симметричности, без конца варьирует расчленения и орнаментальные детали и не скупится расточать последние. В созданиях этой архитектуры прямые линии и плоские поверхности почти исчезают или, по крайней мере, замаскировываются фигурной отделкой; не проводится в чистом виде ни один из установленных ордеров; колонны то удлиняются, то укорачиваются и скручиваются винтообразно; их капители искажаются кокетливыми изменениями и прибавками, карнизы помещаются над карнизами; высокие пилястры и огромные кариатиды подпирают ничтожные выступы с сильно выдающимся вперёд карнизом; крыши опоясываются по краю балюстрадами с флаконовидными балясинами и с помещёнными на некотором расстоянии друг от друга постаментами, на которых расставлены вазы или статуи; фронтоны, представляя ломающиеся выпуклые и впалые линии, увенчиваются также вазами, пирамидами, скульптурными фигурами, трофеями и другими подобными предметами. Всюду, в обрамлении окон, дверей, стенных пространств внутри здания, в плафонах, пускается в ход затейливая лепная орнаментация, состоящая из завитков, отдалённо напоминающих собой листья растений, выпуклых щитов, неправильно окруженных такими же завитками, из масок, цветочных гирлянд и фестонов, раковин, необделанных камней (рокайль) и т. п. Несмотря на такое отсутствие рациональности в пользовании архитектоническими элементами, на такую капризность, изысканность и обременённость форм, стиль рококо оставил много памятников, которые доныне прельщают своей оригинальностью, роскошью и весёлой красотой, живо переносящими нас в эпоху румян и белил, мушек и пудреных париков (отсюда немецкие названия стиля: Perückenstil, Zopfstil).

Живопись

Появление стиля рококо обусловлено изменениями в философии, вкусах и в придворной жизни. Идейная основа стиля — вечная молодость и красота, галантное и меланхолическое изящество, бегство от реальности, стремление укрыться от реальности в пастушеской идиллии и сельских радостях. Стиль рококо зародился во Франции и распространился в других странах: в Италии, Германии, России, Чехии и др. Это относится и к живописи, и к другим видам искусства. В России в эпоху рококо живопись европейского типа только появилась впервые, сменив свою, русскую традицию, иконопись. Это портретная живопись Антропова и Рокотова. На смену репрезентативности приходит камерность, изысканная декоративность, прихотливая игра форм. Наиболее ярко живопись рококо проявилась во Франции и Италии. Вместо контрастов и ярких красок в живописи появилась иная гамма цветов, легкие пастельные тона, розовые, голубоватые, сиреневые. В тематике преобладают пасторали, буколика, то есть пастушеские мотивы, где персонажи не обременены тяготами жизни, а предаются радостям любви на фоне красивых ландшафтов в окружении овечек. Впервые черты этого стиля проявились в творчестве Антуана Ватто, у которого главной темой были галантные празднества. Его творчество относят к реализму, он изображал жизнь придворных довольно справедливо. Но в его картинах явно просматривается и новый стиль. Другой, характерной чертой того времени, была эротика. Создано много картин, изображающих обнаженную натуру, различных нимф, Венеру. Крупнейший представитель рококо во Франции — Франсуа Буше, работавший в жанре портрета и пейзажа.

В Италии крупнейший представитель того времени — Джамбаттиста Тьеполо (1696, Венеция — 1770, Мадрид). Большое внимание тогда уделялось фрескам, росписи потолков, сводов, стен. Была даже особая специализация среди художников — квадратурист. Он изображал иллюзорные архитектурные формы, служившие обрамлением, а то и фоном. В этом случае нарисованное на плоскости с расстояния кажется скульптурой. Такие росписи есть, например, в вестибюле Зимнего дворца. Видным художником является Пьетро Лонги. Его бытовые сцены вполне соответствуют характеру стиля рококо — уютные гостиные, праздники, карнавалы. Кроме этого в Италии в это время развилось и другое направление, которое не совсем вписывается в рамки стиля. Это — ведутизм, реалистическое и точное изображение городских видов, прежде всего Венеции. Здесь преобладает принцип точной передачи действительности. Виды Венеции пишут Каналетто и Франческо Гварди. Бернардо Беллотто работал также в Германии. Его кисти принадлежат великолепные виды Дрездена и других мест.

Декоративно-прикладное искусство

Стиль рококо выразился блестящим образом также во всех отраслях художественно-промышленных производств; с особенным успехом он применялся в фабрикации фарфора, сообщая своеобразное изящество как форме, так и орнаментации его изделий; благодаря ему, эта фабрикация сделала в своё время огромный шаг вперёд и вошла в большой почёт у любителей искусства.

3

В 1708 году алхимик Иоганн Фридрих Бётгер открыл секрет изготовления фарфора и нашел подходящую для этого глину. В Майсене была открыта первая фабрика, где первым мастером был Иоганн Готтлиб Кирхнер. Фарфор получает популярность, появляются и другие центры его производства. Наиболее знаменитой была мануфактура в Севре, где работал Этьен Морис Фальконе. Кроме фарфора — в моде серебро. Изготовляются шоколадницы, супницы, кофейники, блюда, тарелки и другое. В этом веке рождается кулинарное искусство в его современном виде, в том числе — искусство сервировки стола.

Мебель рококо отличается характерными чертами. Одна из самых ярких черт — изогнутые линии, изогнутые ножки. Мебель становится более легкой и изящной по сравнению с той, что была прежде. Появляются новые предметы мебели, консольные столики, секретеры, бюро, комоды, шифоньеры. Два наиболее распространенных типа кресел — «Бержер» и «Маркиза».

Мастера мебели: Давид Рентген, Шарль Крессан, Жак Дюбуа, Франсуа Эбен, Пьетро Пиффетти (Рим), Эннемон-Александр Петито (Парма), Джузеппе Маджолини (Милан). Ведущее положение в изготовлении мебели в Италии занимали мастерские Турина и Венеции.

Мода

Мода эпохи рококо отличалась стремлением к рафинированности, утончённости и намеренному искажению «естественных» линий человеческого тела.

Моду рококо принято считать женственной модой, так как в эту эпоху произошло максимальное приближение мужской моды к типично-женским образцам. (Некоторые исследователи даже называют XVIII век «веком женщин»). Идеал мужчины — утончённый придворный, франт. Идеал женщины — хрупкая стройная жеманница. В моде — осиная талия, узкие бёдра, хрупкие плечи, круглое лицо. Этот силуэт оставался неизменным на протяжении всей эпохи рококо. Женщины носят пышные юбки — панье, создающие эффект «перевёрнутой рюмочки».

Женская причёска (см. подробно — Причёски XVIII века) претерпела значительные изменения. Так, в 1720—1760-х годах (после того, как фонтанж окончательно вышел из моды) в моде была гладкая, маленькая причёска с рядами ниспадающих локонов. Потом причёска начала «расти», чтобы в 1770-е годы превратиться в знаменитые «фрегаты» и «сады», которые так любила Мария-Антуанетта. Мужчины сперва отпускали с боков букли, а сзади носили длинную косу. Чуть позже в моду вошли белые напудренные парики, с закрученными с боков буклями, косичкой и бантом сзади.

Подробнее о прическах 18 века почитать в Википедии.

Основным типом мужской одежды оставался жюстокор, со времен моды барокко, но позже его стали называть аби. Под него надевали камзол. Носили белоснежные рубашки, кружевные жабо и шейные платки. Жюстокор имел в начале века более прямую форму, затем претерпел эволюцию: его полы стали шире, как бы торчали в разные стороны. На рукавах были широкие обшлага. На карманах — огромные клапаны. Женское платье также претерпело подобную эволюцию: сперва оно было уже, затем начало расширяться и расширилось до предела. В качестве головного убора популярной оставалась треуголка.

В самом начале эпохи рококо (Регентство) в моде был стиль ноншаланс, то есть нарочитая небрежность.

Эпоха рококо принесла моду на пастельные, приглушённые (по сравнению с эпохой барокко) тона: нежно-голубой, бледно-жёлтый, розовый, серо-голубой. Если в эпоху барокко все женщины выглядят значительными и зрелыми (им как будто всем за тридцать), то рококо — это время юных нимф и пастушек, которым никогда не будет больше двадцати. Румяна и пудра помогают всем дамам выглядеть молодыми, хотя эти лица и превращаются в безжизненные маски. Модные запахи, духи, — фиалковый корень, нероли, пачули, розовая вода.

Ателье в стиле рококо

Это платье я начала шить еще в 2015 году, но закончила только на Рождественском балу в ноябре 2016 года. Я также надела его на Рождественский бал в следующем году, когда была сделана первая серия этих фотографий.
Раньше я делал выкройки в основном двумя способами; либо составляю собственные выкройки по моим меркам и пытаясь получить правильные линии швов, глядя на сохранившиеся платья, либо увеличивая масштабные выкройки из книг, изменяя их в соответствии с моими мерками, пока они не подходят.У меня не было таких хороших результатов ни с одной из этих техник, как хотелось бы, так что пора было попробовать что-нибудь еще. Поэтому я позаимствовал Создание исторической одежды: Выкройка выкройки от Тюдоров до Викторианской эпохи у Миа, потому что эта книга включает пошаговые инструкции по созданию выкройки для нескольких периодов. Сначала вы начинаете с собственных мерок и, сравнивая их с таблицами размеров, составляете базовый выкройку лифа. Я решил превратить свой основной узор лифа в лиф в стиле 1770-х из книги, за исключением того, что он не выходит ниже талии (см. Фото), и использовал его в качестве основы для выкройки моего первого халата в стиле сорочки.Так как выкройка была сделана по моим меркам, потребовалось совсем немного изменений, чтобы подогнать ее под размер, за исключением того, что мне пришлось довольно сильно втиснуть ее сзади. Позже я завершил выкройку лифа 1770-х годов в соответствии с инструкциями в книге.

Выкройка лифа перед удлинением ниже талии и переделками.

Но мне не нравился узор в том виде, в котором он был, потому что я думал, что он выглядит не совсем правильно. (Мне жаль, что я не сделал снимок на этом этапе, чтобы вы могли сравнить его с моим окончательным рисунком.Тем не менее, выкройка напомнила мне выкройку платья 1770-85 гг. На странице 39 книги Джанет Арнольд «Выкройки моды 1», поэтому я решила попробовать изменить узор, чтобы он соответствовал ему. Мне кажется, что образец в «Создании исторической одежды» тоже может быть смутно основан на нем. Я не буду вдаваться в подробности, описывая все, что я сделал, потому что. это не так уж и интересно и б. Я даже не могу вспомнить их все. Но в итоге я довольно сильно его изменил. В конце концов, я был немного разочарован, потому что потратил так много времени на выкройку, но не был полностью доволен тем, как выглядел лиф.Но в конце концов я решил, что нет смысла возиться с шаблоном, и решил, что он достаточно хорош.

Лиф после множества корректировок.

Я также экспериментировал с методом конструирования лифа, который раньше не пробовал (хотя мне жаль, что у меня не было!): «Странный бегущий стежок с плеткой», который теперь известен как английский стежок благодаря дамам американской герцогини. Я должен сказать, что использование этой техники позволило легко сопоставить полосы. Не говоря уже о том, насколько опрятна и аккуратная внутренняя часть вашего лифа (как видно ниже).

Вот крупный план готового шва до снятия наметочных стежков:

Готовый лиф, вид снаружи:

А внутри:
На этом этапе я набросал выкройку рукавов с помощью инструкций из раздела «Создание исторической одежды», и у меня также были некоторые проблемы с посадкой. Готовые рукава (после переделок) выглядят неплохо, но я с трудом могу поднять в них руки, поэтому я могу добавить небольшой треугольник в подмышку для большей мобильности.
После этого пришло время определиться с отделкой салона. Я хотела как-то подрезать платье, хотя большинство сохранившихся мантий à l’Anglaise совсем не обрезаны или имеют лишь небольшую отделку. Но я не хотел использовать тот же стиль отделки, что и в Patterns of Fashion, так как это стиль, который используют большинство людей, и я подумал, что было бы весело сделать что-то немного другое. Поэтому я потратил некоторое время на изучение вариантов (которые собраны на моем Pinterest), но, как вы можете сказать, в конечном итоге я использовал тот же старый стиль обрезки, что и все остальные, так как я пришел к выводу, что он мне больше всего понравился.* фейспалм *
Когда дело дошло до отделки рукавов, мне очень понравилась широкая окантовка этого прекрасного костюма от герцогини. Но я хотел найти подтверждение стилю отделки в исторических источниках. Увы, мне не повезло — что, честно говоря, меня не удивило, — поэтому я отказался от этой идеи. Этот стиль отделки, по-видимому, в основном использовался для изготовления халатов в стиле полонез.
Как обычно, Миа сделала мне вечернюю прическу, а я ее. Перед официальным началом мероприятия мы устроили небольшой общественный туалет.

Миа работала над моей прической после того, как я закончил ее.

Когда дело доходит до конца 1770-х годов, слишком много украшений для волос не бывает, верно? 😉

И даже есть короткий видеоролик с бала (к сожалению, качество плохое, потому что это было снято на телефон Мии: /).

Я также надела это платье на небольшой неформальный бал в январе в начале этого года, и Миа любезно сфотографировала эти подробные фотографии моего платья и прически после бала.
Итак, вот маленький грязный секрет: я не собирался делать обрезку по центру спереди (это не то, что вы видите на исторических примерах, и это даже скрывает мою тщательную подборку полос), но застежка на крючки и ушко на лифе растягивала подкладку. немного, так что спереди есть узкая, но некрасивая щель. Следовательно, это был последний раз, когда я использовала крючки и глаза в качестве застежки на своих платьях 18-го века. В то время как крючки и проушины позволяют легко и быстро надевать платье, я предпочитаю иметь возможность регулировать лиф с помощью центральных передних частей, которые соединяются внахлест и закрепляются булавками.

Несмотря на трудности, которые у меня были при изготовлении этого платья, оно мне все равно нравится. 🙂

Ссылки, связанные с этим проектом:

Кто-нибудь из вас пробовал набросать выкройку с помощью инструкций в разделе «Создание исторической одежды»? Я хотел бы услышать ваши мысли об этом, если да! Лично я не собираюсь использовать его снова (если только кто-то не укажет на хороший паттерн). Миа также пыталась сделать пару поездок с этой книгой, но тоже не добилась хороших результатов.В заключение: если вы думаете о покупке этой книги, я бы не рекомендовал ее покупать.

Rokoko Sanatı Nedir? Özellikleri, Temsilcileri ve Tarihçesi

Süsleme sanatı alanında geçmişi 18. yüzyıla dayanan rokoko sanatı, Avrupa ülkelerinin güzel sanatlar konusundaki zevkleri ile benzerlik gösteren süslemeler olup, birçokınıııı Fransızca dilinde çakıl taşı anlamına gelen rokoko, yapı dekorasyonunda önemli bir yere sahiptir.

Barok akımına tepki niteliğinde oluşmuş ве barok stilinden daha zarif ve ince çizgilere sahiptir. Barok stili rokoko akımına göre daha gösterişli ve cesur çizgileri içermektedir. 1750 yılından sonra gelişmesi süren rokoko sanatı, İngiltere, Fransa ve Güney Almanya gibi ülkelerde yaygın bir biçimde kullanılmaya başlanmıştır.

Fütürizm (Gelecekçilik) Akımı Nedir? Özellikleri, Temsilcileri ve Tarihçesi

Yüzey süslemesi sanatı olmasından dolayı mimarlık işi ile ilgisi olmayan rokoko sanatı, birçok örneğinde göekrkemli örneğinde gökrkemli örneinde göekrkemli.Duvar süslemelerinin yanı sıra, heykelcilerin ve ressamların da etkilendiği rokoko bu alanlarda birçok eserin ortaya çıkmasına neden olmuştur.

Rokoko Sanatı Nedir?

Barok akımının son aşaması olarak ortaya çıkan rokoko, barok stilinin ardından gelen sanat akımlarına verilen addır. 16. yüzyıl sonlarına doğru, Hollanda’nın denizlere olan egemenliği sona erince Fransa’da rokoko denilen sarayların ве soyluların yaşamını yansıtan bir resim sanatı ve dekorasyon tüçrıkmıttaya çrükmştaya.1789 Франсиз Ихтилали Аврупа барок сарай saltanatını sona erdirerek, йени бир акым олан рококо akımının başlamasına neden olmuştur. Fransa’da XV. Луи (1715-1774) döneminde soyluların çok değer verdiği bir akım olarak anılmaktadır.

Rokoko Sanatının Özellikleri Nelerdir?

Fransa rokoko sonrası Venedik’te bu sanatın etkisi altında kalan ülkelerden biri olmuştur. Fransa’da soylu kesimin beğendiği ve kullandığı bir sanat olması pek çok ülkenin de bu sanata olan ilgisini artırmıştır.Мотив olarak deniz kabuğu ve bitki motiflerinin yanı sıra C ve S harflerinin sıkça yer verildiği desenler yapılmaktadır.

Desenlerde anlam yerine görsellik ön plana çıkarılmak istenmektedir. Даха önce баскин бир санат акыми олан Барок санатиндаки гёстеришли ве fazlasıyla görkemli hale dönüştürülen yapıların yanı sıra rokoko sanatında daha sade ve yalın bir tarz benimsenmiştir. Kullanım alanı ее geçen birçok alana yayılan rokoko, mücevherden, porselene kadar birçok konuda etkisini göstermiştir.

Rokoko ile yapılan bir eserin; zarif, eğlenceli, zeki, kolay anlaşılır, oldukça yapay, abartı zenginlik gösteren, cilalı ve süslü özellikleri bulunmaktadır. Barok sanatına nazaran yumuşatılmış renkler ve motifler kullanılan bir akımdır. Barok kadar süslü özellikleri olan ancak süslemeleri detaylarda gizli ve küçük boyutlarda çalışılmaktadır. Rokoko stili ile çalışılmış eserlerde süslemeler ayrıntılı ve dikkatle ince ince işlenmektedir. Rokoko stilinde çerçeve kullanılmamakla birlikte serbestliğe önem verilse де simetrinin dışına çıkılmasına izin verilmez.

Rokoko Sanatının Dünyadaki Temsilcileri Kimlerdir?

Büyük yapı ve sarayların dekorasyonu amacıyla kullanılan rokoko sanatında gösteriş ve pahalı giysilerin çizilmesi ön plandadır. Rokoko sanatının birçok eser vermiş sanatçılarından biri olan William Hogard, ölen isimli çalışması ile bilinmektedir. Eserinde erkeklerin kadınlardan daha fazla süslü olduğu motifleri ele almıştır.

Diğer önemli sanatçısı ise Wattaea’dır.»Parkta Toplantı» isimli eseri ile sarayın bahçesinde yer alan insanlar bulunmaktadır. Eserin en belirgin özellikleri yüzlerin aynı, kıyafetlerin ise oldukça gösterişli olmasıdır. Çizimlerdeki yüzlerin aynı olma özelliği rokoko sanatının genel bir özelliği olmasının yanı sıra, pahalı, gösterişli kıyafet ve mekanlar da bu sanatın vazgeçilmeras ögeler aleri.

Rokoko akımında İngiltere’de Reynold, Thomas Gainsborough ve Van Dyck‘ın resimlerinden çok şey esinlenilmiştir.Bu kişiler genellikle İngiliz sosyetesini resmetmişlerdir. İtalyanlar da rokoko akımında güzel işler çıkarmışlardır. Canaletto ve Guardi Venedik şehrinin zengin kesimlerini, bayram eğlencelerini ve kentten genel görünümleri resmetmişlerdir.

İspanya’daki temsilcisi olarak, Francisco Goya resimleriyle trajik anlatımı benimsemiştir. Сарай ве soyluların portrelerinde onları eleştiren nitelikte eserler ortaya çıkarmıştır. Resimlerinde hoppa ve salaş bir hava sezilmektedir.

Rokoko Sanatının Tarihçesi

1715 yıllarında ortaya çıkan ve yapıların süslemesi için kullanılan rokoko sanatı, dekorasyon amacçırışıkmtaya. Ülkemizde Topkapı Sarayı ве Ayasofya gibi önemli tarihi yapıların bazı kısımlarında bulunan rokoko işçiliği , yapılara ayrı bir değer kazandırmaktadır.

Nevşehirli Damat İbrahim Paşa’nın isteği ile yaptırılan çeşme Türk rokoko stilini en etkili şekilde yansıtan örneklerden biridir.Sanat amacı ile yapılan bir akım olmasından dolayı çok fazla ilgi görmüştür. Ancak buna rağmen günümüze kadar youn bir şekilde ulaşmamış бир санат şeklidir.

Günümüzde Rokoko Sanatı ve Kullanım Alanları

Aristokratların resmedildiği bir sanat eseri olarak ortaya çıkarılan rodoko tarzı, eski dörınıkı,. Rokoko sanatının ilerleyen yıllarda yerini neoklasisizme bırakmıştır.Samimi olmayan duyguların resmedilmesinden hoşnut olmayan toplum eleştirmenleri, rokoko sanatının yozlaşmış bir toplumu yansıttığını ileri sürmüşlerdir.

Ebru Sanatı Nedir? Nasıl Yapılır? Тарихчеси Недир?

Barok sanatı sonrasında ortaya çıkan rokoko, kendinden önce benimsenen barok sanatının tüm dünyaya duyurulmasını sağlarken, bir yandan da yıkılmasına neden olmuştur. Avrupa’da yaşayan ve toplumsal üst sınıflarda yer alan insanların haz düşkünlüklerini yansıtan rokoko stili aılı geride bırakır ve duyguya aırlık verir.Bu sebeple görsellik her zaman bu sanat akımının en önemli temasıdır.

Влияние рококо

Влияние рококо

Движение рококо повлияло на других видов искусства, включая живопись, архитектуру и скульптуру . Его игривый характер, нежные штрихи и женственный стиль повлияли на , а также на мебель, гобелены, дизайн интерьера и одежду .

Темы стали очень беззаботными, а в декоративно-прикладном искусстве большинство произведений в стиле рококо было очень сложным. Поэтому он лучше всего работал с мелкими масштабными предметами, которые сильно отличались от большой барочной скульптуры и архитектуры предыдущих эпох. Рококо лучше всего использовалось в помещении и использовалось для изготовления фарфоровых фигур, оборок, изделий из металла и мебели.

Архитектура, дизайн интерьера и даже одежда в стиле рококо были очень распространены в период Марии-Антуанетты.В ее дворце вы заметите, что комнаты полностью выполнены в стиле рококо и сами по себе считаются произведениями искусства. Мебель в стиле рококо, как известно, очень богато украшена. Гобелены, зеркала, орнаменты и картины, выполненные в одном стиле, дополняли архитектуру рококо. К концу периода к большей части стиля относились пренебрежительно и считались слишком легкомысленными.

Связанное сообщение

Архитектура рококо
Архитектура рококо возникла как отражение времени.Он следовал стилю барокко и был известен своими женственными формами, замысловатым дизайном …

Что такое рококо?
Рококо происходит от слова «рокайль», что на французском языке означает «скала» или ракушка. Это движение было названо из-за использования кривых и световых лучей …

Отражение общественных ценностей в период рококо
Период рококо пришел на смену стилю барокко. Это было отражение восхождения на престол нового короля Людовика XV. Предыдущий король …

Самые влиятельные художники движения рококо
Рококо известно как художественное движение, имевшее место в 17 веке и входившее в число самых известных художников этого движения…

Эта запись была опубликована в среду, 20 февраля 2008 г., в 7:44 и подана под рубрикой «Другое искусство, рококо». Вы можете следить за любыми ответами на эту запись через канал RSS 2.0. И комментарии и запросы в настоящий момент закрыты.

Коко встречает рококо | Изобразительное искусство. Стиль. Класс.

Prabal Gurung, осень 2013

Prabal Gurung, осень 2013

Ремни, струящиеся платья, баска в стиле милитари и льстивые силуэты, но, конечно, чего еще можно ожидать от Prabal Gurung? Женская сила в его коллекциях вездесуща, и я должен сказать, что в некоторых из его работ есть чувство мальчишеского S&M, которое привносит немного злобную сексуальность в прекрасную одежду от кутюр, которую я обожаю, в то время как ритмичный бит играет в его показ на подиуме вселяет уверенность в каждую модель, которая полностью раскрывает его сильное послание, направленное на расширение прав и возможностей женщин, заставляя их выглядеть и чувствовать себя великолепно.

Ох и Прабал Гурунг для цели? ГЕНИЙ. ПРЕКРАСНО. Я В ЛЮБВИ

хххх ❤

Рубрика: красота, мода, стиль, мода, женщины Tagged мода, военные, прабал гурунг, взлетно-посадочная полоса, s & m, style, target, women

Saint Laurent Paris от Эди Слиман, до осени 2013 г.

Я слишком взволнован, просматривая Vogue (а теперь и Elle, так как я там стажусь) и Vogue.com, и поэтому я чувствую необходимость сообщить вам об абсолютной красоте, которая существует в нашем мире моды и искусства.На мой взгляд, это пример: невероятного модного дизайна, потрясающей модной фотографии и прекрасного моделирования … и, я предполагаю, в этом также участвовали несколько режиссеров. Поистине освежает перерыв от типичных слайд-шоу дизайнерских коллекций, когда модель идет к камере, и еще более освежает то, что группа талантливых людей объединила усилия, чтобы сделать это захватывающим и красивым изображением коллекции.

Браво всем!

хххх ❤

Рубрика: искусство, красота, мода, стиль, мода, женщины Tagged 2013, искусство, сотрудничество, коллекция, дизайн, мода, модель, совершенство взлетно-посадочной полосы, фотография, pre-fall, saint laurent, style

ЖАСМИН ТУКС И ТОБИАС СОРЕНСЕН

Вне зависимости от того, безнадежно ли вы влюблены или навсегда одиноки, наступает день Победы! лучшее / худшее время года! И разве нам всем не нравится выглядеть прекрасной парой? влюблена, счастлива, ах так великолепна и модна! Ну да, но если бы рядом не было человека, я бы выбрал следующий лучший вариант (на самом деле, лучше): МАГАЗИН.Хотите выглядеть счастливыми, великолепными, модными… и чтобы люди влюблялись в вас одним лишь взглядом? Валентино — ваше спасение.

хххх ❤

Valentino Весна 2013

Рубрика: красота, мода, стиль, мода, женщины Tagged красота, мода, неделя моды, любовь, взлетно-посадочная полоса, шоппинг, стиль, день святого валентина, валентино

Жан Поль Готье Весна 2013

Жан Поль Готье Весна 2013

Жан Поль Готье Весна 2013

Жан Поль Готье Весна 201

Мода Южной Азии кажется мне одной из самых ярких и гламурных, с ее богатой текстурой золота и насыщенными тонами, она передает красоту экзотического стиля.Жан Поль Готье использует контраст в ярких тонах, привнося чувственную тьму своими черными и переливающееся совершенство своими белыми и золотыми оттенками. Синий индиго также использовался для украшения различной одежды и обуви. Металлик в одежде и ногах моделей — вот что действительно заставило меня влюбиться в эту коллекцию. Искусство, стоящее за этой индийской модой в руках Жана Поля Готье, — это абсолютная мечта.

Рубрика: искусство, красота, мода, стиль, мода, женщины Tagged 2013, красота, мода, модная журналистика, золото, цыганка, индийский, жан пол готье, взлетно-посадочная полоса, мода южной азии, весна, стиль, мода

В этой галерее 1 фото.

http: // http: //www.charlotteronson.com/ ❤ что я могу сказать… музыка, походка, яркая цветовая гамма и женственный шифон, замысловатые детали в вязаных узорах, кожаные юбки-карандаш! … Я влюбился. Очень хочется увидеть коллекцию 2013 года! xxxx ❤

Рубрика: мода, стиль, женщины Tagged Шарлотта Ронсон, красота, мода, подиум, стиль

Vera Wang Весна 2013

Vera Wang Весна 2013

Vera Wang Весна 2013

Итак, для великой Vera Wang серый цвет остался в этом сезоне и быстро был заменен яркой эклектичной палитрой драгоценных камней, окрашенной в насыщенный зеленый, синий и фиолетовый, кислотно-желтый, черный, белый и, конечно же, золотой.Всегда золото. Фантастическая роскошь всей коллекции придает ей ощущение экзотической королевской власти и важности, что, кажется, хорошо подходит современной модной аудитории, поскольку все считали ее потрясающей. Пламенеющие шелковые платья, изысканные спортивные платья, детальная вышивка и сверкающие чеканные золотом слитки предлагали огромное разнообразие красоты, чтобы восхищаться и, конечно, желать. Похоже, Весна для Веры удалась.

хххх ❤

Рубрика: искусство, красота, мода, стиль, мода, женщины Tagged 2013, красота, коллекция, мода, модная критика, модная журналистика, золото, Индия, взлетно-посадочная полоса, весна, стиль, тенденции, вера ван, женщины

Oscar de la Renta до осени 2013

Питер Коппинг для Нины Риччи 2013

Разные сезоны, разные дизайнеры, та же концепция! Хлопушки 20-х годов вернулись? Да, пожалуйста! Изящный шлейф этих металлических платьев заставил взлетно-посадочную полосу сиять чувственной и шикарной элегантностью, заставляя каждую девушку топать туфли на шпильке, сжимать клатчи и прыгать в ночь.

Конечно, за этими платьями стоит история, поскольку они вышли из прошлого и снова появились на наших подиумах, и в этом поступке есть определенное драгоценное качество. У меня такое чувство, что если бы мне когда-нибудь посчастливилось надеть одно из этих великолепных винтажных платьев, я бы почувствовал себя так, словно парил в гламуре и замешательстве фильма Вуди Аллена! Марион Котийяр в Полночь в Париже , возможно? Ах … разве это не была бы жизнь.

хххх ❤

Рубрика: искусство, красота, мода, рококо, стиль, мода, женщины Tagged 2013, красота, мода, модная журналистика, заслонка, гламур, марион котийяр, металлик, полночь в париже, нина риччи, оскар де ла рента, пре-осень, взлетно-посадочная полоса, весна, стиль, винтаж, мода, женщины, вуди аллен

Шанель Весна 2013

Кристофер Кейн Весна 2013

Весна — это просто время, когда рождаются лучшие коллекции от кутюр.Глянцевые пастельные тона, чистый белый цвет, элегантные, но чувственные платья и юбки, изысканные сандалии — все это есть! Обе эти коллекции покорили мое модное сердце своей женственностью! Да, я всегда говорю об этом, но я чувствую, что есть красота в том, чтобы просто передать всю правду женщины: характер, элегантность, чувственность, мягкость, нежность … все те замечательные качества, которые мы, женщины, иногда боимся принять из страха. о потере наших феминистских сил… Это может звучать старомодно, но девушки… выглядеть красиво, шикарно и невинно по-женски, без «остроты», «военного стиля» или «андрогенного взгляда» иногда нормально! не просто хорошо, это красиво! это искусство внутри себя! Особенно, если сейчас весна, и тебя одевают Кейн и Лагерфельд.

хххх ❤

Рубрика: искусство, красота, мода, рококо, стиль, мода, женщины Tagged 2013, красота, chanel, christopher kane, classic, couture, fashion, feminine, Karl Lagerfeld, леди, олдскул, пастель, подиум, весна, стиль, мода, женщины

Chanel Resort 2013 в Версале

Конечно, показ мод Chanel в Версале должен иметь какой-то подход в стиле рококо, но коллекция Karl Lagerfeld Resort 2013 развернула рококо в совершенно новом направлении с помощью кислотно-голубых хипстерских бобов, преувеличенного макияжа в стиле борделя и кроссовок на платформе! На мой взгляд, крошечные кукольные платья в пастельных тонах создавали ощущение Лолиты, в то время как экстравагантные, но мягкие твидовые пальто придали ему классический вид Мари-Антуанетты.
Я обожаю Шанель и Лагерфельд, и мне никогда раньше не было так весело смотреть на коллекции, но было ли это слишком весело для французов? … Нет, они любят жуткие стильные споры.

хххх ❤

Рубрика: искусство, красота, мода, рококо, стиль, мода, женщины Tagged 2013, красота, шанель, коллекция, полемика, жутко, мода, хипстер, лолита, мария-антуанетта, курорт, взлетно-посадочная полоса, стиль, твид, версаль

«Когда вы думаете о традиционной элегантности, вы думаете о дамах, которые бездельничают и красиво выглядят, но для того, чтобы элегантность имела смысл в современном рабочем контексте, она должна быть быстрее.”

-Такун Паничгул

Thakoon Panichgul pre-fall 2013

Thakoon Panichgul до осени 2013

2 сообщений сегодня! Я ничего не мог поделать в блоге … Коллекция Thakoon, выпущенная до осени 2013 года, на данный момент — любовь всей моей жизни. Он создает современность в классицизме и несомненную красоту и элегантность во всей своей одежде.